5 Dinge, die wir an der Dior Cruise 2027 Show geliebt haben Die von Jonathan Anderson signierte Show nimmt Noir-Nuancen an

Das Set, das gestern im LACMA die Cruise-2027-Show von Dior beherbergte, versuchte eine noble Vergangenheit zu rekonstruieren – das Los Angeles der 1940er und 1950er Jahre mit seinen unsterblichen Diven und seinen pharaonischen Sets –, jedoch mit völlig modernen Technologien. Eine Art Reverse-Engineering, das auch Jonathan Anderson am Imaginarium von Dior betreibt: nicht vom Vergangenem ausgehend, um in der Gegenwart anzukommen, sondern gleichsam vom Gegenwärtigen aus und mit den Mitteln der Gegenwart eine Brücke zur Vergangenheit zu „rekonstruieren".

In dieser Übung wird sein Dior sehr Anderson-esk – surreal in den Volumen, beinahe spielerisch in der Art, wie er mit Material und Silhouetten experimentiert, auch wenn er stets das Cerebrale und Hermetische streift. Eine Verschlungenheit des Denkens, in der die Kinoikonen, die die Kollektion inspiriert haben, tendenziell aus dem Blick gerieten (einschließlich des Verweises auf Marlene Dietrichs Jacke in Hitchcocks Stage Fright, der als Ausgangspunkt der Kollektion deklariert wurde) – in einer Flut disparater Referenzen, die von Blumen über Filme bis hin zu Autos und Schauspielerinnen reichten. Nichtsdestotrotz werden Andersons Ideen für sein Dior von Kollektion zu Kollektion schärfer, da er stets zur gleichen Silhouette zurückkehrt und sie jedes Mal weiter verfeinert.

Hier sind 5 Dinge, die wir an der Dior Cruise 2027 Show geliebt haben.

Die Jahreszeit der Blumen

Frauen in Sträuße zu verwandeln war von Anfang an eine der Hauptdirektiven von Andersons Dior – auch auf die Gefahr hin, sie vollständig in einer einzigen, hyperstimulierenden Kaskade aus Maiglöckchen, Glockenblumen und Iris zu verhüllen. Nach den Seerosen der vergangenen Saison wurde die Cruise 2027 vom floralen Thema der kalifornischen Mohnblumen dominiert. Der Mohn ist eine interessante Blume, da er ein uraltes Symbol für Schlaf und Träume ist – ein thematisch grundlegendes Element.

«Christian Dior hatte verstanden, wie wichtig die Idee des „Traums" für die Menschen nach dem Krieg war, als Form der Flucht», sagt Anderson in den Show Notes. «Er erkundete sie in der Haute Couture, seine surrealistischen Freunde waren von Träumen besessen, und Hollywood ist natürlich die Traumfabrik. All das war Teil desselben kulturübergreifenden Wandels». Die Mohnblumen sind zudem zu einem der Symbole des Hollywood-Mythos geworden, da sie in Der Zauberer von Oz präsent sind – vielleicht dem ikonischsten Film jener Ära.

Die Männer-Looks

Die Kollektion enthielt auch Männer-Looks. Im Vergleich zu den Damen-Looks bewegten sie sich auf einer recht anderen Ästhetik, auch wenn es Verbindungspunkte in der Bar Jacket und einigen formellen Anzügen gab. Als wiederkehrende Elemente kehrten Mäntel, Lamé-Stoffe, Pied-de-poule aus Strass und sehr strukturierte Mäntel zurück, doch anders als in den ersten Kollektionen, die auf einen eher aristokratischen Geschmack ausgerichtet waren, bevorzugt Anderson in den jüngsten Ausgaben eine stärker Glam-Ästhetik aus Lederhosen, besetzten Sneakern und Jeans, deren Risse durch Ketten zusammengehalten werden – so wie es Hedi Slimane bereits für die FW13 von Saint Laurent in unverdächtigen Zeiten getan hatte.

Ein Abschnitt mit Männer-Looks schien hingegen auf realistischere Atmosphären zu verweisen, mit einer Reihe von Hemden, die zu Jeans kombiniert wurden und mit Artworks von Ed Ruscha verziert sind – einem Künstler, der für Anderson «diesen faszinierenden Sinn für das Alltägliche hat und dafür, wie es sich mit der Grandiosität dieser Stadt verbindet». Das eigentliche Glanzstück war jedoch ein grauer Wollmantel, auf dem das gestreifte Licht von Jalousien aufgedruckt war – eine Anspielung auf die klassischen Film-noir-Streifen.

Die Automobile

Ein weiterer Zitatstrang waren amerikanische Vintage-Autos. Er begann sicherlich mit der Einladung zur Show: dem Schlüssel eines Autos, der dann als Charm an Taschen wiederkehrte. Doch auf dem Laufsteg war auch ein möglicher Verweis auf John Gallianos Show SS95 zu erkennen, dessen Arbeit für Dior in den neuen Saddle Bags zitiert wurde, die von den Karosserien und Lederinnenräumen von Sportwagen inspiriert waren und ebenfalls einen schlüsselförmigen Anhänger trugen. Um den Kreis der Zitate zu schließen: Die von Automobilen inspirierten Saddle Bags waren auch eine Idee, die John Galliano bereits für die SS01 von Dior erkundet hatte.

Archiv-Asymmetrien

Bereits von seinen allerersten Kollektionen an hat Anderson das Thema der Asymmetrie durch unzählige Drapierungen, Schrägschnitt-Säume und bekleidungstechnische Lösungen erkundet, die die starre Symmetrie des Haute-Couture-Klassizismus aufbrechen. Darin beruft er sich auf die Arbeiten von Christian Dior selbst, der in seinen Methoden und seiner Sprache tatsächlich gerne dramatische Silhouetten schuf und sie in einer Eleganz verbarg, die sehr nach gehobener Gesellschaft anmutet. Konkret schien in dieser Show ein Look mit einer asymmetrischen Jacke und einem asymmetrischen Rock, die komplementär wirkten, auf das berühmte Kleid Abandon zu verweisen, das Dior selbst 1948 schuf und das mit einer Jacke ausgestattet war, deren Revers sich asymmetrisch über die Brust wölbte.

Die Federkopfbedeckungen von Philip Treacy

Ein weiteres Element, das in der Kollektion die Aufmerksamkeit auf sich zog, waren die gefiederten Kopfbedeckungen, die die Köpfe der Models schmückten. Sie stammten von Philip Treacy – dem einzigen Hutmacher, der seit McQueens Zeiten Hüte für die Haute Couture kreiert –, der sich für ihre Gestaltung von einem ursprünglich für Isabella Blow entworfenen Projekt inspirieren ließ, bei dem Federn den Schriftzug „Blow" bildeten – ein Design, das dem zarten Sinn für das Obszöne der englischen Socialite entsprach, den sie bei zahlreichen Gelegenheiten zur Schau stellte. Hier waren die Worte andere: von „Buzz" über „Flow" bis „Star" (auch wenn das Lettering, flüchtig betrachtet, das Wort „slop" zu buchstabieren schien) und natürlich „Dior".