5 Dinge, die wir an der Dior Cruise 2027 Show geliebt haben Jonathan Andersons Show nimmt ein Noir-Feeling an
Das Set, an dem gestern im LACMA die Dior Cruise 2027 Show stattfand, versuchte, eine edle Vergangenheit zu rekonstruieren, die von Los Angeles in den 1940er und 1950er Jahren mit seinen unsterblichen Diven und seinen pharaonischen Sets, jedoch mit völlig modernen Technologien. Eine Art Reverse-Engineering-Arbeit, die auch Jonathan Anderson mit den Bildern von Dior macht: Er geht nicht von der Vergangenheit aus, um in die Gegenwart zu gelangen, sondern er „rekonstruiert“ quasi von der Gegenwart aus und mit modernen Werkzeugen eine Brücke in die Vergangenheit.
In dieser Übung wird sein Dior sehr Andersonisch, also surreal in den Bänden, fast verspielt in der Art, wie er mit Materialien und Silhouetten experimentiert, obwohl er immer dazu neigt, das Zerebrale und Hermetische anzugreifen. Eine Gedankenverwirrung, in der die Kino-Ikonen, die die Sammlung inspirierten, dazu neigten, sich in einer Lawine unterschiedlicher Referenzen zu verlieren (einschließlich des Zitats von Marlene Dietrichs Jacke in Hitchcocks Lampenfieber, das zum Ausgangspunkt der Sammlung erklärt wurde) in einer Lawine unterschiedlicher Referenzen, die von Blumen über Filme bis hin zu Autos und Schauspielerinnen reichten. Nichtsdestotrotz treffen die Ideen, die Anderson für seinen Dior hat, von Kollektion zu Kollektion immer mehr auf die gleiche Silhouette zurück und verfeinern sie jedes Mal.
Hier sind dann 5 Dinge, die wir an der Dior Cruise 2027 Show geliebt haben.
Die Jahreszeit der Blumen
Frauen in Blumensträuße zu verwandeln, war von Anfang an eine der wichtigsten Richtlinien von Andersons Dior, auch auf die Gefahr hin, sie vollständig mit einer einzigen, hyperstimulierenden Kaskade aus Maiglöckchen, Glockenblumen und Iris zu bedecken. Nach den Seerosen der letzten Saison stand Cruise 2027 ganz im Zeichen des floralen Mottos der kalifornischen Mohnblumen. Eine Blume, die Mohnblume, interessant, weil sie ein atavistisches Symbol für Schlaf und Träume ist, ein grundlegendes thematisches Element.
„Christian Dior hatte verstanden, wie wichtig die Idee des „Traums“ für die Menschen nach dem Krieg als eine Form des Eskapismus war“, sagt Anderson in den Anmerkungen zur Sendung. „Er erforschte es in der Haute Couture, seine surrealistischen Freunde waren besessen von Träumen und natürlich ist Hollywood die Traumfabrik. Alles war Teil desselben interkulturellen Wandels.“ Mohnblumen wurden außerdem aufgrund ihrer Präsenz in Der Zauberer von Oz, dem vielleicht kultigsten Film dieser Zeit, zu einem der Symbole des Hollywood-Mythos.
Die Herrenmode sieht aus
Die Kollektion umfasste auch Herrenmode-Looks. Im Vergleich zur Damenmode bewegten sie sich in einer etwas anderen Ästhetik, obwohl es in der Bar Jacket und in einigen formellen Anzügen Verbindungspunkte gab. Zu den wiederkehrenden Elementen gehörten Mäntel, Lamé-Stoffe, Pied-de-Poule aus Strass und sehr strukturierte Mäntel, aber im Gegensatz zu den ersten Kollektionen, die eher an aristokratischen Geschmäckern orientiert waren, bevorzugt Anderson bei den neuesten Ausflügen eine glamourösere Ästhetik, bestehend aus Lederhosen, Nieten-Turnschuhen und Jeans, deren Tränen von Ketten zusammengehalten werden, wie es Hedi Slimane in unverdächtigen Zeiten schon für Saint Laurents FW13 getan hat.
Ein Teil der Herrenmode schien stattdessen aus realistischeren Atmosphären zu schöpfen. Eine Reihe von Hemden und Jeans, verziert mit Kunstwerken von Ed Ruscha, einem Künstler, der für Anderson „dieses faszinierende Gefühl für das Alltägliche hat und wie es mit der Pracht dieser Stadt zusammenhängt“. Das eigentliche Highlight war jedoch ein grauer Wollmantel, auf dem das gestreifte Licht der Fensterläden aufgedruckt war, ein Zitat aus klassischen Noir-Filmen.
Die Automobile
Ein weiterer „Faden“ von Zitaten waren amerikanische Oldtimer. Sie gingen sicherlich von der Einladung zur Show aus: dem Schlüssel eines Autos, der dann als Anhänger an den Taschen zurückkehrte. Aber es gab eine auf dem Laufsteg, die auch ein möglicher Hinweis auf John Gallianos SS95-Show war, dessen Arbeit für Dior in den neuen Satteltaschen zitiert wurde, die von der Karosserie und der Lederausstattung von Sportwagen inspiriert waren und sogar einen schlüsselförmigen Anhänger hatten. Um den Kreis des Zitats zu schließen, waren die vom Auto inspirierten Satteltaschen auch eine Idee, die John Galliano bereits für die SS01 von Dior untersucht hatte.
Asymmetrien archivieren
Bereits in den allerersten Kollektionen beschäftigte sich Anderson mit dem Thema Asymmetrie, indem er unendliche Vorhänge, schräge Säume und Kleidungslösungen verwendete, die die starre Symmetrie des Haute-Couture-Klassizismus durchbrachen. Darin erinnert er sich an die Arbeit von Christian Dior selbst, der es auf seine Art und in seinen Sprachen liebte, dramatische Silhouetten zu kreieren, indem er sie in eine Eleganz verkleidete, die der High Society entspricht. Insbesondere in dieser Show schien ein Look mit einer asymmetrischen Jacke und einem Rock, die sich zu ergänzen schienen, das berühmte Abandon-Kleid zu zitieren, das Dior selbst 1948 kreierte, mit einer Jacke, deren Revers asymmetrisch über die Brust geschwungen war.
Philip Treacys Federkopfbedeckungen
Ein weiteres Element, das in der Kollektion Aufmerksamkeit erregte, waren die gefiederten Kopfbedeckungen, die die Köpfe der Models schmückten. Sie stammen von Philip Treacy, dem einzigen Hutmacher seit McQueens Zeiten, der Hüte für Haute Couture kreiert. Er ließ sich dafür von einem Projekt inspirieren, das ursprünglich für Isabella Blow entworfen wurde, bei dem Federn das Wort „Blow“ kreierten, ein Design, das dem delikaten Geschmack für das Obszöne, den die englische Prominenz bei zahlreichen Gelegenheiten an den Tag legte, sehr gut entspricht. Hier waren die Wörter unterschiedlich, von „Buzz“ über „Flow“ bis „Star“ (obwohl der Schriftzug, wenn er schnell gesehen wurde, das Wort „Slop“ zu buchstabieren schien) und offensichtlich „Dior“.
