Die Pavillons der 61. Kunstbiennale von Venedig, die man gesehen haben muss Und was sie über uns sagen

Wir haben die 61. Ausgabe der Kunstbiennale von Venedig besucht, und mehr als jede andere aktuelle Ausgabe gehört diese zweifellos zu den ereignisreichsten seit Jahren. Das Thema der 61. Ausstellung, In Minor Keys, ist eine direkte Hommage an den vorzeitig verstorbenen Kurator Koyo Kouoh: „Die Freude an authentischer Kunst, die dem wirklichen Leben so sehr ähnelt“, kommentierte Pietrangelo Buttafuoco. „Es ist eine Ausstellung, durchdrungen von Geist, von einem Gefühl der Heiligkeit, das den Menschen wieder in den Mittelpunkt stellt und wiederentdeckt, was es bedeutet, in der Welt zu existieren, indem er sich wieder verbindet mit den Elementen der Erde und noch einmal zum Himmel schauen.“ In der Tat schien sich die Ausgabe 2026 von den Tagen vor der Eröffnung an des aktuellen gesellschaftspolitischen Klimas und der Spannungen, die es prägen, sehr bewusst zu sein, von gefährdeten Finanzmitteln bis hin zu Protesten und Streiks.

So chaotisch und turbulent sie auch war, wir haben die 61. Internationale Kunstausstellung von Venedig auf eine Weise erlebt, die es vielleicht seit Jahren nicht mehr gegeben hat, und das nicht nur durch die Ausstellungen selbst. Während die Kritik derer, die glauben, dass Kunst nicht politisch sein sollte und Politik unbedingt meiden muss, um ihre Heiligkeit und ausdrucksstarke Authentizität zu bewahren, was an sich schon ein Paradoxon ist, ging es in diesem Jahr in den Geschichten und der Menschlichkeit der Künstler nicht nur darum, Kunst zu machen, sondern um eine Lebensweise in all ihrer vielschichtigen Komplexität, einschließlich dessen, was es bedeutet, Weltbürger zu sein. Durch eine kuratorische Erzählung, die aufmerksam, aufrichtig und zutiefst realistisch war, gelang es In Minor Keys, Spuren in der zeitgenössischen Kunstlandschaft zu hinterlassen.

Spanischer Pavillon - Los Restos

Los Restos ist an Videoinstallationen und immersive „digitale“ Umgebungen gewöhnt. Los Restos ist eine Umweltintervention, die das Analoge durch eine Operation zurückerobert, die gleichzeitig sowohl an die Dynamik der Bilder erinnert, die den Raum vollständig bedecken und in ihn eindringen, als auch an die hartnäckige Langsamkeit der mentalen Prozesse, die erforderlich sind, um jedes einzelne Bild zu betrachten. Es ist eine Einladung in eine Art Flohmarkt oder Wunderkammer, konzipiert von Oriol Vilanova, einem Künstler, der seit langem ephemere Materialien sammelt und reaktiviert, hier in Begleitung des Kurators Carles Guerra. Das Projekt, das aus zwanzig Jahren obsessiven Sammelns hervorgegangen ist, sammelt Postkarten und Touristenfotos, die den globalen Tourismus thematisieren und gleichzeitig dessen überwältigende Dimension nachbilden.

Eine potenziell unendliche Komposition von Ephemera, ohne lineare Erzählung und doch tief eindringlich. Beim Betreten des Pavillons ist die vielfarbige und scheinbar formlose Masse von Bildern nicht zu unterscheiden, aber beim Näherkommen offenbart sich eine grundlegende Organisationslogik, die sie nach Themen, Farben und visuellen semantischen Gruppen ordnet. Auf diese Weise bewegt sich Los Restos in einer ständigen Spannung zwischen Akkumulation und Verlust. Ursprünglich gedacht, um ein individuelles Erlebnis zu vermitteln, werden die Postkarten im Laufe der Zeit zu Relikten einer fragmentierten und instabilen Erinnerung. Im Kontext der Biennale reaktiviert, gewinnen sie nicht ihre ursprüngliche Bedeutung zurück, sondern generieren stattdessen neue, wodurch traditionelle Systeme der kulturellen Legitimation, die an museale Institutionen gebunden sind, in Frage gestellt werden.

Französischer Pavillon — Comme Saturne

Das Projekt des französisch-marokkanischen Künstlers Yto Barrada mit dem Titel Comme Saturne, kuratiert von Myriam Ben Salah, entfaltet sich als immersive Umgebung, in der Textilien sowohl zu narrativen als auch zu kritischen Mitteln werden. Während andere Pavillons direktere Formen sozialer und politischer Kritik annehmen, vermittelt der französische Pavillon ein Gefühl des Unbehagens und der Reflexion über das fragile gesellschaftspolitische Gefüge, das wir alle unweigerlich tragen. Der Titel selbst dient bereits als Absichtserklärung und erinnert an den Planeten Saturn, Herrscher über melancholisches Temperament, langsames Denken und geduldiges Schaffen. Es erinnert aber auch an den schrecklichen Schatten der Revolution, die, wie der mythologische Gott, letztlich ihre eigenen Kinder verschlingt. Yto Barrada übersetzt diese Ambiguität mit Dévoré („der Verschlingte“), einer Textiltechnik, bei der Säuren zur Korrosion von Stoffen verwendet werden und die innerhalb einer Poetik, die zwischen Generation und Zerstörung schwebt, dem Geist der Zeitgenossenschaft Gestalt verleiht.

Ein multidisziplinäres Porträt, das sich durch Komplexität bewegt, Ironie und Unbehagen ausbalanciert, ohne sich der Lähmung der Melancholie hinzugeben: vom Ziegenlederdrachen, der zwischen Himmel und Erde schwebt, über die sanften Töne des Pavillons, die eine allmähliche Fragmentierung in Erzählblöcke verbergen; vom Room of Folds, wo Wolldraperien langsam auf natürliches Licht reagieren, indem sie im Laufe der Zeit ausbleichen und an den mythologischen Cronus erinnern, bis hin zum Laboratory, einem Raum, der dem Umstürzen gewidmet ist Hierarchien und ein Echo der Saturnalien, und schließlich der Study Room, ein Garten mit Farbpflanzen, den der Künstler in Tanger angelegt hat. Die Ausstellung gipfelt im Zimmer der Verschlungenen. Hier materialisiert sich die Spannung eines chemischen Prozesses, der gleichzeitig gewalttätig und generativ ist, zu einem Angriff auf die Materie selbst, wodurch sie zerfällt und fragmentiert wird und gleichzeitig eine Ästhetik der Erosion und Formlosigkeit entsteht. Ein Ort, an dem Fragilität sowohl als politische als auch als existenzielle Bedingung auftaucht.

Griechischer Pavillon - Escape Room

Griechenland vertritt Andreas Angelidakis mit dem Projekt Escape Room, kuratiert von Giorgos Bekirakis. Die immersive Installation fügt sich in die hybride Praxis des Künstlers ein und bietet eine kritische Reflexion über die Art und Weise, wie wir die Vergangenheit interpretieren und die Gegenwart bewohnen, zwischen klassischen Ruinen und digitalen Architekturen. Hier wird Platons Höhle als immersive und bewohnbare Umgebung neu interpretiert, die in der heutigen Ära der Postwahrheit und des zunehmenden nationalistischen Populismus die Form eines Fluchtraums annimmt: zwischen Realität und Spiel, kollektiver Erfahrung und Simulation, in einer von digitalen Repliken und Illusionen durchdrungenen Bilderwelt.

Gleichzeitig untersucht die Installation die Geschichte des Gebäudes selbst, das 1934 eingeweiht wurde, dem Jahr, das vom Treffen zwischen Hitler und Mussolini in Venedig und dem Beginn der nationalsozialistischen Verfolgung geprägt war. Angelidakis interpretiert die nationalen Pavillons der Giardini als „gefrorene koloniale und faschistische Höhlen“, die geschaffen wurden, um bestimmte politische Agenden zu vermitteln. Durch eine Sprache, die Reales und Virtuelles verbindet, fordert der Künstler die Besucher auf, nicht nur dem Raum selbst, sondern auch propagandistischen Narrativen und nationalistischem Populismus zu entkommen. Ein zeitgenössisches Bacchanal, das eine nächtliche Erfahrung in einen alternativen Parallelraum übersetzt, in dem seltsame Artefakte auftauchen: Figuren mit mehreren Armen, die zwischen Göttlichkeit und Avatar hängen, neben Elementen, die an Bühnenbilder oder Relikte aus einer instabilen Welt erinnern.

Japanischer Pavillon - Grasbabys, Mondbabys

Die immersive Reise, die sich der japanisch-amerikanische Künstler Ei Arakawa-Nash vorgestellt hat, ist vielleicht eine der beliebtesten Ausstellungen in den sozialen Medien, bei der die Besucher selbst Teil der Ausstellung und einer impliziten Performance werden: ein gemeinsamer und interaktiver Raum, in dem sie aus einer informellen und freudigen Kitschperspektive mit Gesten der Fürsorge experimentieren können. Der gesamte Pavillon ist darauf ausgerichtet, die Grenzen zwischen Privatleben und öffentlicher Aufführung zu verwischen. Innerhalb und teilweise auch außerhalb des Pavillons sind die Besucher eingeladen, eine der 200 verfügbaren Puppen, die jeweils zwischen fünf und sechs Kilogramm wiegen und eine verspiegelte Sonnenbrille tragen, in der Hand zu halten und mit sich herumzutragen, während andere Puppen an Seilen und an der Architektur des Pavillons klettern.

Wenn Sie versuchen, ihre Windel zu wechseln, werden Sie einen QR-Code entdecken, mit dem Sie Ihr eigenes „Windelgedicht“ anfordern können, das mit dem „Geburtsdatum“ abgestimmt ist, das der Puppe vom Personal des Pavillons zugewiesen wurde. Diese Daten sind nicht zufällig, sondern rufen symbolische Momente hervor, die sowohl mit den persönlichen Erfahrungen des Künstlers, der 2024 Vater wurde, als auch mit den sozialen Dynamiken zusammenhängen, die Japan und die Welt verändert haben und weiter verändern.

Luxemburger Pavillon - La Merde

La Merde, die keiner Übersetzung bedarf, ist die von Aline Bouvy geschaffene Videoinstallation oder vielleicht der prägende Beiname des zeitgenössischen Individuums. Die von Stilbé Schroeder kuratierte Arbeit befasst sich mit Scham als sozialem Mechanismus und hinterfragt, wie Körper klassifiziert, toleriert, diszipliniert oder in den Schatten verbannt werden. Überall in der Sprache der Exkremente. Gerade das Gefühl der Scham, das mit einer so intimen wie ekelhaften Handlung einhergeht, obwohl sie völlig natürlich ist, materialisiert sich in einem filmischen Essay, das Scham als soziales Konstrukt anhand der Figur eines „Exkrements-Seins“ untersucht, das verschiedene Lebensphasen durchläuft und alles verkörpert, was die Gesellschaft zu verdrängen versucht. Das Werk, das irgendwo zwischen Absurdität, groteskem Humor, unerklärlicher Vertrautheit, Abstoßung und Empathie schwebt, analysiert das Konzept des „Abscheulichen“ anhand von etwas so Universellem und doch so tief mit Scham verbundenem und verwandelt den Körper, der sich nicht mehr fassen kann, in ein starkes politisches und subversives Statement.

La Merde , das Film, verräumlichte Klangkomposition und eine verspiegelte Stahlarchitektur kombiniert, basiert paradoxerweise auf einer sehr seriösen Forschungsarbeit, die sich zu einer umfassenderen Reflexion über Gewalt und soziale Repression ausdehnt. Dies geschieht einfach durch die Figur eines großen anthropomorphen Exkrements, das wie eine Marionette spricht, geht und furzt, mit anderen Charakteren interagiert und das Publikum „besprüht“. So absurd er auch erscheinen mag, der Film, der in einer Dauerschleife gezeigt wird, konfrontiert mit Alltagssituationen, in denen Mäßigung aufgezwungen und durch kollektives Urteilen gelernt wird. All dies entfaltet sich in einer halbkreisförmigen immersiven Struktur, die mit verspiegelten Oberflächen ausgekleidet ist, die das Werk im gesamten Pavillon ausdehnen. Die Reflexionen multiplizieren die Besucher und lassen sie in eine Dynamik gegenseitiger Beobachtung und Beurteilung eintauchen. Zur Installation gehört auch E.T. The Excremential, ein skulpturales Alter Ego, das den Körper des Künstlers mit Spielbergs außerirdischer Figur verbindet.

Es gibt immer noch etwas zu sagen

Zwischen den Tagen der Voreröffnung, die der Presse gewidmet waren, und dem ersten offiziellen Tag, an dem die Öffentlichkeit zugänglich war, verzeichnete die Biennale von Venedig 27.935 akkreditierte Besucher, was einem Wachstum von 4% gegenüber den Voreröffnungstagen im Jahr 2024 entspricht. Am 9. Mai, dem ersten offiziellen Tag der Ausstellung, kamen rund 10.000 Besucher an, was einem Anstieg von etwa 10% gegenüber dem ersten Tag der Biennale Arte 2024 entspricht. Diese Zahlen zeigen, wie zeitgenössische Kunst in der Lage ist, ein immer größeres Publikum anzuziehen.

Trotz der zahlreichen Kontroversen ist Kunst weiterhin ein Mittel des Ausdrucks und der Repräsentation. Der mentale Wandel, durch den Kunst „abstrakt“ bleiben sollte, losgelöst von der Realität, fast um ihre Heiligkeit zu bewahren, wird daher in Frage gestellt. Dies wird anhand der ausgestellten Künstler deutlich: Jeder von ihnen liest und interpretiert mit seinen jeweiligen kuratorischen Beiträgen die Realität und gibt ein Fragment davon in Form eines Ausstellungspfads zurück. Was aus der 61. Biennale von Venedig hervorgeht, ist genau das: Eine Vielzahl von Stimmen und Visionen, die nicht aus einem einzigen Land kommen, sondern aus vielen, und in kritischen Zeiten wie der Gegenwart ist eine so umfangreiche und vielfältige Sammlung von Fragmenten einer äußeren Realität äußerst wertvoll, und es ist wichtig, dass sie bewahrt wird.

Die Bedeutung von Kunst

Die Kunstbiennale ist nicht als Gericht gedacht: Um intellektuell ehrlich zu sein, sind es oft dieselben polemischen Zuschauer, die den Kunstwerken eine juristische Belastung auferlegen. Kunst erzählt, nimmt manchmal Stellung, ja, aber sie urteilt nicht. Es repräsentiert, interpretiert und reorganisiert, aber vor allem verbindet es: Es wird zu einem Raum für den Dialog, in dem Harmonien und Dissonanzen koexistieren, in dem die Widersprüchlichkeit der Zeitgenossenschaft kein Wert ist, dem man entfliehen muss, sondern ein Terrain, in dem man sich bewegen kann, um seine Anregungen und das Feld der Möglichkeiten, die es darstellt, zu erfassen.

Vielleicht sollten wir aus der Konstellation der Visionen der 61. Internationalen Kunstausstellung von Venedig etwas Grundlegendes lernen: eine einfache, aber nicht vereinfachte Aufforderung, innezuhalten und neu zu lernen, wie man vorurteilsfrei beobachtet. Die Gegenwart ist vielschichtig und komplex, daher ist es notwendig, noch einen Schritt weiter zu gehen, um „das Gefühl wiederzuentdecken, in der Welt zu sein, indem wir uns erneut an den Elementen der Erde messen und wieder in den Himmel schauen“, wie Buttafuoco sagt.