„Diese Sammlung sucht nicht nach Antworten, sondern lebt damit, sie nicht zu haben“, ein Interview mit Emilie Wenckstern Gewinner der Polimoda's Best Collection 2026 mit „No Longer Human“

Die Woche von Pitti Uomo 110 wurde mit einem der am meisten erwarteten Ereignisse im florentinischen Kalender eröffnet: der Polimoda Graduate Show 2026. Anlässlich des vierzigjährigen Bestehens der Schule fand die Show auf der Piazza der Manifattura Tabacchi statt, wo das ikonische Uhrengebäude als Kulisse für über hundert Looks diente, die von zwanzig aufstrebenden Designern entworfen wurden.

Die Graduate Show ist der Höhepunkt einer vierjährigen Ausbildung und erzählt die Geschichte von Studenten aus der ganzen Welt, die Florenz ausgewählt haben, um eine persönliche kreative Sprache zu entwickeln, mit der sie sich der Branche präsentieren können. Alle Kleidungsstücke wurden in den Werkstätten des Manifattura Campus mit Unterstützung der Fakultät und von Fachleuten aus der Branche hergestellt. Zu den Neuerungen der Ausgabe 2026 gehörte die Betreuung von Luke und Lucie Meier zusammen mit den Regisseuren Massimiliano Giornetti und An Vandevorst. Die beste Kollektion 2026 wurde von einer Jury ausgewählt, die sich aus Eva Cavalli, Tuomas A. Laitinen, Danae Mercer, Eugene Rabkin und Simona Tabasco zusammensetzte.

In diesem Jahr ging der Preis für die beste Kollektion 2026 an die junge deutsche Designerin Emilie Wenckstern, die kürzlich ihren Abschluss in Modedesign gemacht hat und für ihre Kollektion No Longer Human ausgezeichnet wurde. Ein zutiefst persönliches Projekt, das sich mit einem der dringendsten und am meisten diskutierten Themen unserer Zeit befasst: dem Körper. Mit Sensibilität und kritischem Blick erkundet Emilie Wenckstern die Grenzen zwischen dem Menschlichen und dem Künstlichen und hinterfragt das Konzept der Identität durch einen durchdachten Designansatz. Das Ergebnis ist ein Werk, in dem die Materialität der Stoffe mit geschwungenen, sich ständig verändernden Silhouetten in Dialog tritt und so einer ästhetischen Sprache mit einer ausgesprochen zeitgenössischen Sensibilität Gestalt verleiht.

Wir haben uns mit Emilie Wenckstern getroffen, um mehr über ihre Kollektion zu erfahren, die mit dem Preis Best Collection 2026 ausgezeichnet wurde, und über die Reise, die sie zur Polimoda Graduate Show 2026 geführt hat.

Die Polimoda Graduate Show 2026 fiel mit Pitti Uomo 110 und dem 40-jährigen Bestehen der Schule zusammen. Was bedeutete es für Sie, zu einem so besonderen Anlass mit dem Best Collection Award ausgezeichnet zu werden?

Die Auszeichnung für die beste Sammlung während des vierzigsten Jubiläums von Polimoda und die Graduate Show, die zusammen mit Pitti Uomo stattfand, machte diesen Moment noch bedeutsamer. Ich hatte das Gefühl, dass es nicht nur ein persönlicher Meilenstein war, sondern auch das Privileg, Teil eines wichtigen Moments in der Geschichte der Schule zu sein.

Auf persönlicher Ebene gab mir diese Anerkennung genau dann Selbstvertrauen, als ich es am dringendsten brauchte. Während des gesamten Prozesses habe ich mich selbst oft hinterfragt — nicht weil ich an der Idee hinter dem Projekt gezweifelt habe, sondern weil eine kreative Vision oft bedeutet, an sie zu glauben, lange bevor andere sie sehen können. Der Erhalt dieser Auszeichnung bestätigte, dass es die richtige Wahl war, meinen Instinkten zu vertrauen. Ich denke, das ist eine der wertvollsten Lektionen, die ich mitnehmen werde, wenn ich das nächste Kapitel meiner Reise beginne.

„No Longer Human“ ist eine zutiefst persönliche Sammlung. Welche Geschichte wolltest du erzählen und was bedeutete es für dich, sie zu kreieren?

No Longer Human erzählt nicht nur eine Geschichte, es wurde aus dem Wunsch heraus geboren, Fragen zu stellen. Wir leben in einer Zeit, in der Körper ständig erzeugt und verändert werden und sogar existieren können, bevor sie wirklich physisch präsent sind. Wir werden zunehmend mit Repräsentationen konfrontiert, die es in Wirklichkeit nie gegeben hat. Das brachte mich dazu, mich zu fragen, wie sich der Körper heute manifestiert und was es wirklich bedeutet, ein Mensch zu sein.

Die Erstellung dieser Sammlung wurde zu meiner Art, über diese Fragen nachzudenken. Jedes Material, jede Silhouette und jedes Experiment waren ein weiterer Versuch, den Körper zu untersuchen und meine eigene Wahrnehmung von ihm herauszufordern. Für mich ging es bei der Erstellung dieser Sammlung nicht darum, Antworten zu finden, sondern zu lernen, damit zu leben, sie nicht zu haben. Ich habe verstanden, dass die Rolle eines Designers nicht darin besteht, die Welt zu erklären, sondern sie in Frage zu stellen und andere einzuladen, dasselbe zu tun. Ich hoffe, dass Mode genau das kann: keine Gewissheiten bieten, sondern die Menschen neugierig genug machen, um die Welt um sie herum immer wieder in Frage zu stellen.

Ihre Kollektion zeichnet sich durch ihren mutigen Einsatz von Volumen, Silhouette und Materialmanipulation aus. Woher kommt dieser Ansatz und welche Rolle spielt das Experimentieren in deiner Arbeit?

Ich denke, dieser Ansatz ist sowohl auf meinen Hintergrund als auch auf die Sammlung selbst zurückzuführen. Vor meinem Modestudium arbeitete ich in einem Künstleratelier und fertigte Skulpturen und Gemälde an. Es war eine Erfahrung, die die Art und Weise, wie ich über Design denke, tiefgreifend geprägt hat. Noch heute tendiere ich dazu, Kleidungsstücke als skulpturale Objekte zu betrachten und achte dabei sehr auf Form, Volumen und Materialien. Experimentieren ist wahrscheinlich der wichtigste Teil meines kreativen Prozesses. So denke ich.

Ich gehe selten von einer vorgegebenen Lösung aus; ich bevorzuge es, direkt mit Materialien zu arbeiten und sie das Endergebnis beeinflussen zu lassen. Einige der wichtigsten Entscheidungen in dieser Kollektion fielen mir bei der Bearbeitung des Leders, beim Experimentieren mit rissigen Oberflächen oder bei der Entwicklung von Prints und Strickwaren — Momente, die ich nie hätte planen können. Experimentieren bedeutet für mich, dem Prozess zu erlauben, die ursprüngliche Idee zu transformieren. Ich glaube, dort entsteht die interessanteste Arbeit. Ich habe immer ein bisschen mehr mit meinen Händen als mit meinem Verstand gedacht.

Woher stammt die Inspiration für „No Longer Human“? Was sind die wichtigsten Quellen, die Ihre Forschung und kreative Praxis stützen?

Meine Recherche beginnt oft außerhalb der Mode. Ich fühle mich besonders zu Kunst, Psychologie und der Art und Weise hingezogen, wie Menschen sich selbst und die Welt um sie herum wahrnehmen. Ob antike oder zeitgenössische Kunst, sie ist fast immer der Ausgangspunkt meines kreativen Prozesses, denn sie ermöglicht es mir, vertraute Ideen aus unerwarteten Perspektiven zu beobachten. Für No Longer Human war der Künstler Hans Bellmer eine grundlegende Referenz für seine Art, Puppen zu dekonstruieren. Der Fotograf Paul Kooiker beeinflusste auch meine Recherchen durch seine manchmal beunruhigenden Darstellungen des Körpers.

Ich war fasziniert von den Renaissance-Gemälden von Cranach, insbesondere von der Praxis, dass Frauen ihren Haaransatz rasieren, um eine hohe Stirn zu erreichen, was zu dieser Zeit als Schönheitsideal galt. Heute betrachtet wirken diese Zahlen fast künstlich. Sie erinnerten mich daran, dass ästhetische Standards unsere Wahrnehmung des Körpers immer verändert haben und im Laufe der Geschichte unterschiedliche Formen angenommen haben. Es ist nicht Perfektion, die mich interessiert, sondern was passiert, wenn sie sich zu verschlechtern beginnt. Risse werden zu einem integralen Bestandteil des Bildes und enthüllen eine versteckte Schwachstelle unter einer idealisierten Oberfläche. Diese Idee zieht sich durch die gesamte Kollektion.

Neben diesen historischen Referenzen habe ich viel Zeit damit verbracht, mit künstlicher Intelligenz zu experimentieren. Ich war nicht nur daran interessiert, Bilder zu generieren: Ich war fasziniert von der Art und Weise, wie sich KI den menschlichen Körper vorstellt. Irgendwann fragte ich ChatGPT: „Wenn du einen Körper hättest, wie würde er aussehen? Und wäre es immer noch menschlich?“ Ich habe nicht so sehr nach einer Antwort gesucht als nach dem Dialog selbst. Es brachte mich dazu, darüber nachzudenken, wie künstliche Intelligenz das Bild des Menschen konstruiert und wie sehr dies die Art und Weise beeinflusst, wie wir uns selbst wahrnehmen.

Darüber hinaus finde ich Inspiration darin, ständig Menschen und die Welt um mich herum zu beobachten. Ich lese viel, insbesondere über Psychologie und menschliches Verhalten, und Reisen war schon immer eine grundlegende Inspirationsquelle. Mit verschiedenen Kulturen in Kontakt zu kommen und zu sehen, wie Menschen leben und die Welt interpretieren, verändert auch ständig meine eigene Perspektive. Ich glaube, ich werde mehr von Neugier als von Gewissheit getrieben. Das ist wahrscheinlich der Thread, der alle meine Inspirationsquellen verbindet.

„No Longer Human“ bietet eine tiefgreifende Reflexion über den Körper. Wie nehmen Sie das heute wahr und glauben Sie, dass Mode immer noch bedeutende Veränderungen bewirken kann?

Ich denke, der Körper wird heute zunehmend als etwas Konstruiertes wahrgenommen und nicht als etwas, mit dem wir geboren werden. Aber ich sehe das nicht unbedingt als negativ an. Schließlich haben wir uns immer durch Kleidung, Frisuren oder die Art und Weise, wie wir uns präsentieren, konstruiert. Mode war schon immer Teil dieses Prozesses. Heute hat die Technologie all dies jedoch auf ein völlig neues Niveau gebracht. Deshalb glaube ich, dass Mode immer noch bedeutende Veränderungen bewirken kann. Nicht weil es die Welt über Nacht verändert, sondern weil es das verändern kann, was wir schätzen.

Leider scheint Mode manchmal mehr darauf ausgerichtet zu sein, Aufmerksamkeit zu erregen oder einen Schock hervorzurufen, als zum Nachdenken anzuregen. Für mich liegt sein wahrer Wert in seiner Fähigkeit, die Perspektive zu wechseln — sei es in der Art und Weise, wie wir den Körper, ein Material oder sogar unsere Vorstellung von Schönheit betrachten. Bei No Longer Human fühlte ich mich zunehmend eher zu Unvollkommenheiten als zur Perfektion hingezogen. Die Risse in Gemälden, die Anomalien von KI-generierten Körpern oder die verstörenden Proportionen von Hans Bellmers Arbeiten erinnerten mich daran, dass das, was wir als unvollkommen wahrnehmen, oft auch das ist, was uns am menschlichsten erscheint.

Wenn Mode uns dazu bringen könnte, Schönheit gerade in diesen Unvollkommenheiten zu erkennen oder einfach zu hinterfragen, was wir für schön halten, hätte sie bereits etwas Bedeutendes erreicht. Sinnvolle Veränderung bedeutet nicht unbedingt, die Welt zu verändern: Sie kann auch bedeuten, das zu ändern, was wir bewundern.

Ihre Zeit bei Polimoda war eindeutig ebenso anspruchsvoll wie lohnend. Was ist die wichtigste Lektion, die du mitnimmst?

Natürlich brachte mir Polimoda technische Fähigkeiten, Handwerkskunst und die Entwicklung einer Kollektion bei. Aber ich glaube nicht, dass das das Wertvollste ist, was ich wegnehme. Die wichtigste Lektion war, zu lernen, meine eigene Denkweise zu entwickeln und das Selbstvertrauen zu haben, ihr zu folgen. Polimoda drängt Sie ständig dazu, Ihre Ideen in Frage zu stellen, sie zu verteidigen und zu verfeinern. Es ist ein Prozess, der nicht nur den Designer, sondern auch die Person prägt.

Während meines Studiums gab es einen Moment, in dem ich mich gefragt habe, ob das wirklich der Weg war, den ich einschlagen wollte. Rückblickend wurde mir klar, dass die Entscheidung, Designer zu werden, vor allem bedeutet, die Hingabe zu wählen, die dieser Weg erfordert. Es hat viel mehr mit Denkweise als mit Talent zu tun. Es bedeutet, neugierig zu bleiben, sich selbst weiter zu hinterfragen und jeden Tag engagiert aufzutreten, auch wenn der Prozess schwierig ist. Ich glaube, das ist die wertvollste Lektion, die ich mit mir tragen werde.

Was sind Ihre nächsten Schritte nach diesem wichtigen Meilenstein? Wie stellst du dir die Entwicklung deiner kreativen Praxis in den kommenden Jahren vor?

Im Moment suche ich ein Praktikum, das es mir ermöglicht, mein Interesse an Textilien, Materialbearbeitung und Handwerkskunst zu vertiefen, idealerweise in einem großen Modehaus. Nachdem ich die letzten Jahre damit verbracht habe, meine eigenen persönlichen Projekte zu entwickeln, freue ich mich darauf, den kreativen Prozess innerhalb eines Teams zu erleben und ständig von Menschen mit unterschiedlichen Fähigkeiten, Perspektiven und Arbeitsweisen zu lernen.

Gleichzeitig freue ich mich darauf, No Longer Human auf einer kommenden Ausstellung zu präsentieren und zu sehen, wie die Sammlung in einem völlig anderen Kontext als auf dem Laufsteg zum Leben erweckt wird. Ich hoffe, dies ist erst der Anfang einer Reise, die es meiner Arbeit ermöglicht, weit über eine einzige Modenschau hinaus zu existieren. Mit Blick auf die Zukunft möchte ich, dass sich meine kreative Praxis mit jedem neuen Projekt weiterentwickelt. Ich möchte meine Materialforschung erweitern, mich mit neuen kreativen Umgebungen auseinandersetzen und neue Wege entdecken, Ideen durch Mode zu kommunizieren. Vor allem hoffe ich, dass mir jedes Projekt etwas beibringt, das ich vor Beginn nicht wusste.