Ist das Tragen abgenutzter Kleidung performativ? Risse, Nieten und verblasste Flecken, um der Welt zu sagen, dass du vor allen anderen da bist

Dass wir es satt hatten, perfekt zu sein, zeigte sich bereits in unserer Beziehung zur künstlichen Intelligenz, nämlich in der Ablehnung dieser glänzenden, makellosen und völlig unmenschlichen Ästhetik, die zur Verbreitung naiver Grafikformate und verschmierter Schminke führte. Mit anderen Worten, es war nur eine Frage der Zeit, bis diese unvollkommene Ästhetik auch die Aufmerksamkeit der Mode auf sich zog. Vor ein paar Tagen hat die brasilianische Content-Erstellerin Rebeca Oksana auf TikTok gepostet, um die Frage zu beantworten : „Was werden coole Mädchen diesen Frühling tragen?“ . Die Antwort, die mit der Zuversicht von jemandem gegeben wird, der bereits weiß, woher der Wind weht, ist entwaffnend einfach: Coole Mädchen wollen nicht mehr hübsch sein. Sie wollen interessant sein, und die Mode muss auf dieses neue Bedürfnis reagieren. Beschädigte Kleidungsstücke, zerrissene Säume, Flicken, Nieten: Die Frühlings- und Sommermode wird aus Stücken gefertigt, die die Erinnerung an die Zeit tragen, ob real oder simuliert. Stücke, die schon vor dem Tragen etwas Wesentliches über ihren Besitzer aussagen: Dies ist nicht meine erste Saison.

Vintage-Liebhaber feiern (und das zu Recht)

Die Tatsache, dass Unvollkommenheit zum Echtheitsbeweis geworden ist, der hier als Beweis einer gewissen Weitsicht verstanden wird, ist ein ziemlich ironisches Paradoxon. So schnell die Fast Fashion den Effekt von verwaschenem Leder auf Polyesterjacken repliziert hat, so markiert diese Veränderung den Sieg der Flohmarkt-Crowd, jener Gemeinschaft, die jahrzehntelang am Rande der Mainstream-Mode lebte und nun plötzlich im Mittelpunkt steht, auch dank der wachsenden Beliebtheit des Second-Hand-Marktes.

„Das sieht wirklich nach einer weiteren wirtschaftlichen Rezession aus“, schreibt ein Nutzer in den Kommentaren. Während die Ästhetik dieser Kleidungsstücke auf eine gewisse Veränderung in der Wahrnehmung von Luxus hindeutet (einst war das Tragen brandneuer Kleidung und Accessoires ein Symbol für Wohlstand), geht die Absicht hinter ihrer Einführung weit über die Wirtschaft hinaus. Mode hatte schon immer das Talent, soziales Unbehagen in verkäufliche Ästhetik umzuwandeln, denken Sie nur an den Grunge der 90er Jahre. Diesmal ist es jedoch keine Resignation, wenn es darum geht, Unvollkommenheit zu akzeptieren, sondern eine gewisse Klugheit, die jener, die niemals nachgeben würden, ein künstlich beschädigtes Kleidungsstück in den vier Wänden einer Fabrik zu kaufen. In diesem Sinne wird getragene Kleidung zu einem Akt des Widerstands gegen zwanghaften Konsum, eine Art zu sagen, dass man den durch Fast Fashion normalisierten Kaufen-Benutzen-Entsorgungszyklus bereits hinter sich gelassen hat. Es ist eine Weigerung, so zu tun, als ob das System funktioniert.

Von Laufstegen bis Archiven: Der abgenutzte Trend der Haute Couture

Es wäre falsch zu glauben, dass die Faszination für alte Kleidungsstücke etwas Neues ist, das an Flohmarktständen geboren wurde. Sogar Prada, die Marke, die allgemein als die intellektuellste und konzeptionellste von allen gilt, hat in ihrer Herrenmode-Kollektion HW26 die Idee der Zeitspuren auf Objekten durch Flecken, Vergilbungen und Abschürfungen untersucht: Zeichen, die sich als Zeugen eines realen Lebens präsentieren, eines, das in der physischen Welt gelebt wurde, weit entfernt von der virtuellen Stille künstlicher Intelligenz. Und sie haben einige Kontroversen ausgelöst.

Am 25. September eröffnete das Londoner Barbican Centre die Ausstellung Dirty Looks: Desire and Decay in Fashion. Es wurde von Karen Van Godtsenhoven und Jon Astbury kuratiert und brachte über sechzig Modehäuser zusammen, darunter Hussein Chalayan, Alexander McQueen, Vivienne Westwood, Miguel Adrover, Maison Margiela und aufstrebende Designer aus der ganzen Welt — darunter Elena Velez, Robert Wun und Yuima Nakazato —, um die Faszination der Mode für Schmutz, Verfall und Regeneration zu erkunden. Von romantischen, abgenutzten Kleidern bis hin zu fleckigen Jeans im Schritt (die JordanLuca war sauer auf Jeans, die für Skandale sorgten und immer noch ausverkauft waren), von Schlamm bis hin zu vergilbten Stoffen — die Ausstellung untersuchte, wie der Verfall in der Vergangenheit genutzt wurde, um Schönheitsstandards in Frage zu stellen, und warum er in der Arbeit junger Designer ein Wiederaufleben erlebt. Tatsächlich scheint das Thema zyklisch in den Mittelpunkt des Gesprächs zurückzukehren, jedes Mal mit klar definierten Absichten.

In den 1980er Jahren führten Vivienne Westwood und Malcolm McLaren mit der Kollektion Nostalgia of Mud eine Ästhetik ein, die Schmutz in ein Symbol für Rebellion und politische Übertretung verwandelte: Die FW83-Kollektion (auch bekannt als Buffalo Girls) stellte den strukturierten Anzügen der Thatcher-Ära eine Garderobe aus zerrissenen Röcken, roh geschnittenen Pelzen und Unterwäsche, die über der Kleidung getragen wurde, gegenüber. Ein direkter Affront gegen die polierte und starre Ästhetik der Macht.

Der Luxus, zuerst da zu sein

Ein mächtiger psychologischer Mechanismus, so alt wie die Zeit selbst, bestimmt diese Ästhetik. Das Tragen von sichtbar getragener Kleidung geht heute weit über die Ästhetik hinaus; es ist ein Zugehörigkeitszeugnis, das durch ein Prioritätszertifikat untermauert wird. Eine Jacke mit ausgefransten Ärmeln oder eine Jeans zu tragen, die so aussehen, als hätten sie drei Jahrzehnte Punkkonzerte überlebt, signalisiert keine Armut, es signalisiert, dass sie ein Early-Adopter sind. Es ist eine weitere Art, seine Coolness zu behaupten, der Mode einen Schritt voraus zu sein, bevor sie sich überhaupt definiert. Mode erfordert schließlich ein gewisses Maß an Eitelkeit, und nichts befriedigt das Ego so sehr wie die Behauptung, zuerst da gewesen zu sein, besonders in einer Zeit, in der alles für jeden in Echtzeit verfügbar ist. Der wahre Unterschied besteht nicht mehr darin, etwas zu besitzen, sondern es vor anderen zu besitzen. Die Verbraucher von heute wollen nicht zeigen, dass sie mit den Trends Schritt halten; sie wollen den Eindruck erwecken, dass Trends sie verfolgen.

Dadurch wird eine neue Form der Gatekeeping eingeführt, die sich von wirtschaftlichen Mitteln oder Zollschranken unterscheidet: Zeit. Egozentrismus lebt von der Geschichte als Performance und nicht als Abfolge von Ereignissen, weil es niemanden wirklich interessiert, ob wir vor drei Jahren tatsächlich Jeans getragen haben, deren Säume vom Asphalt abgenutzt waren. Was zählt, ist, andere glauben zu lassen, dass wir die Art von Menschen sind, die das getan hätten. Die potenzielle Übernahme eines Trends ist genauso viel wert wie seine tatsächliche Umsetzung. Das letzte Paradoxon ist, dass je mehr sich dieser Mechanismus ausbreitet, je mehr Menschen die Ästhetik „Ich war zuerst da“ annehmen, desto mehr erodiert ihr symbolischer Wert. Als alle es zuerst gewusst zu haben scheinen, wusste es niemand wirklich. Der Trend selbst läuft also Gefahr, Opfer seines eigenen Erfolgs zu werden: ein Trend, der feiert, vorne zu sein, und dazu bestimmt ist, schnell zum Symbol für diejenigen zu werden, die zurückgefallen sind.