Wie werde ich Modekurator Interview mit Valerie Steele

In der Dokumentation Catwalk (1994), die das Model Christy Turlington während eines Fashion Month begleitet, antwortet der Journalist unverblümt, als André Leon Talley gefragt wird, ob Mode Kunst ist: „Absolut nicht. Mode ist harte Arbeit, sie ist nicht glamourös.“ Die Debatte darüber, ob Kleidung als würdig angesehen werden kann, in einem Museum zur Bewunderung ausgestellt zu werden, polarisiert Kunsthistoriker seit Jahrzehnten. Heute jedoch erkennt die breite Öffentlichkeit den wahren künstlerischen Wert der majestätischsten Kreationen, die in Kostüm- und Modemuseen oder sogar in den Archiven von Sammlern aufbewahrt werden, so dass Räume wie das V&A in London, das die größte Modekollektion der Welt beherbergt, und das MET in New York von einem echten Gefühl des „Hungers nach Mode“ geprägt sind. So beschreibt es Valerie Steele, eine Pionierin im Studium der Kostümgeschichte, Kuratorin und Direktorin des Museums am Fashion Institute of Technology, die im Laufe ihrer Karriere die Veränderungen in der Rolle der Modekuratorin beobachtet und beeinflusst hat. Auch wenn der Berufseinstieg bereits wie eine komplizierte Herausforderung erscheinen mag, ist es für diejenigen, die nicht über die richtigen Verbindungen oder Unterstützung verfügen, noch schwieriger, ein Modekurator zu werden, was sowohl durch die Exklusivität der Kunstwelt als auch durch das, was die Modeindustrie zu erhalten versucht, noch verschärft wird. Auf die Frage „Wie wird man Modekurator?“ Valerie Steele antwortet zusammenfassend, dass es harte Arbeit ist.

Wir haben den Historiker in Triest anlässlich der Preisverleihung des ITS-Wettbewerbs getroffen. Das Projekt ITS Arcademy ist ein Wettbewerb, der ins Leben gerufen wurde, um die neuen Versprechen der Mode zu unterstützen. Seit über zwanzig Jahren unterstützt es aufstrebende Kreative und zeigt ihre Werke in einer Dauerausstellung. Wie Steele erklärt, ermöglicht uns die Einbeziehung zeitgenössischer Kostüme in die Museologie, Kleidung aus einer neuen Perspektive zu betrachten. „Ausstellungsräume bieten eine ganz besondere Art, Mode zu betrachten“, fügt sie hinzu. „Normalerweise schauen wir uns Mode entweder mit Leuten an, die jemandem gegenüber sitzen, auf unserem kleinen Bildschirm oder in einem Geschäft. Wenn wir Dinge in einem Museumsraum sehen, hat man die Möglichkeit, sie durch eine ästhetischere Linse und als Objekt in der Gesellschaft zu betrachten.“ Doch die Bedeutung der Modekuration hört nicht bei der Anthropologie auf: Für Steele hat Museumsarbeit die Aufgabe, sowohl Designer als auch Menschen zur Fantasie zu inspirieren, auszubilden und zu inspirieren, das Hauptziel, das jeder verfolgen sollte, der davon träumt, eine Ausstellung zu kuratieren. „Jeder kann sich mit Mode identifizieren“, fügt Steele hinzu. „Es hilft der Branche, aber es hilft auch der breiteren Kultur, zu verstehen, dass Mode eine kreative Kunst ist.“

Obwohl Italien im Vergleich zu London oder New York im Bereich der Modekuration hinterherhinkt, ist es einfach fragmentiert. Steele stellt fest, dass die Verteilung der kreativen Zentren und damit der Ausstellungsräume sehr spät auf verschiedene Städte wie Mailand, Florenz, Rom und viele andere verstreut ist. In Italien mangelt es nicht an Modemuseen wie dem Ferragamo-Museum, dem Museo dell'Archivio Gucci oder Armani Silos, aber es besteht die Tendenz, die Geschichte von Marken zu isolieren, wenn sich die Gelegenheit bietet, sie nebeneinander zu erzählen. Wie Steele erzählt, hat das eine das andere im Laufe der Kostümentwicklung beeinflusst. „Ich finde Designerausstellungen wunderschön und erfüllen auch einen wichtigen Zweck“, erklärt Steele. „Aber ich finde es schön, wenn man vergleichende Ausstellungen haben kann, bei denen man thematisch schaut, nicht nur auf einen Designer.“ Hier kommt der Beruf des Kurators ins Spiel, der in der Lage sein muss, ein Thema zu erkunden und es neugierig zu präsentieren, um eine Erzählung zu repräsentieren, die unvorstellbare Fragen aufwirft. Am Beispiel von Judith Clark, einer Kuratorin, die in der Lage ist, aus einigen Kubikmetern eine Erzählung voller kritischer Gedanken zu machen, erklärt Steele, dass man mit dem, was man hat, experimentieren muss, um eine großartige Ausstellung zu schaffen. „Ich finde, dass einige der kreativsten Dinge passieren, wenn man zwei verschiedene Felder zusammenbringt“, erzählt uns Steele. „Die besten Modeausstellungen haben eine wirklich gute Idee.“ Zu den Ratschlägen, die Valerie Steele einer jungen Kreativen, die Modekuratorin werden möchte, geben würde, gehören einfache Regeln, die jedoch Disziplin und Hingabe erfordern. „Die Leute müssen sehr, sehr eigenverantwortlich sein, weil dies ein extrem wettbewerbsintensives Feld ist“, erklärt der Kurator und beklagt die Problematik unbezahlter Praktika, die Neuankömmlinge leider oft durchstehen müssen, bevor sie von einem potenziellen Arbeitgeber geschätzt werden. „Die Kuratorin ist nur ein Gesicht“, fügt sie hinzu. „Es gibt Pädagogen, Restauratoren, Ausstellungsmacher, Medienbeauftragte; es ist, als würde man einen Film drehen, man muss versuchen, nicht nur zu verstehen, was man gerne macht, sondern auch, was man gut kann und was einen auszeichnet.“

Das letzte Thema, das wir zusammen mit Valerie Steele ansprechen, ist der Wert der Modegeschichte in Bezug auf die Cancel-Kultur, nur wenige Tage nach der Veröffentlichung des Dokumentarfilms über John Galliano, High & Low. Auch in diesem Fall erweist sich das Studium der Vergangenheit als nützlich. „In einer Welt, in der die Dinge tendenziell sehr polarisiert sind, ist es meiner Meinung nach wichtig zu verstehen, unter welchem Druck die Menschen standen. Die Branche war wild; ich erinnere mich, das Video von Galliano gehört zu haben — es war absolut schrecklich und verabscheuungswürdig, aber es war auch in vielerlei Hinsicht klar, dass er sehr, sehr krank war „, sagt Steele. In Steeles völlig umfassender und aufmerksamer Sicht kann Kunst vom Künstler getrennt werden, denn so wie wir immer noch Wagner hören oder Picasso schätzen, können wir immer noch den Zauber und den Reichtum der Kreationen erkennen, die Galliano in diesen Jahren des schrecklichen Untergangs geschaffen hat. Es war in der Tat eine Sammlung des ehemaligen Kreativdirektors von Dior, auf die sich André Leon Talley in dem Turlington gewidmeten Dokumentarfilm bezog, dem SS94 von Galliano, der Tolstois Anna Karenina mit extremer Poesie und Dramatik erzählte. „Ein Wort: der Meistertechniker des einundzwanzigsten Jahrhunderts“, hatte der damalige künstlerische Leiter der Vogue angekündigt und die Anerkennung vorhergesagt, die der Kreative dreißig Jahre später erhalten würde. Denn Mode ist Kunst, besonders wenn sie von starken Emotionen wie dem Bedürfnis nach Erlösung geprägt ist.