Música e IA, onde estamos? Um resumo da nova tecnologia, dos deepfakes aos protestos de artistas

Cada vez que uma nova tecnologia é introduzida no campo da arte, surgem facções opostas, que remontam às duas categorias propostas por Umberto Eco no seu famoso ensaio Apocalyptic and Integrated (1964). De um lado, os totalmente opostos e, do outro, os apoiantes. Um exemplo acima de tudo poderia ser a fotografia: quando foi introduzida, alguns “apocalípticos” — incluindo C. Baudelaire e Walter Benjamin — especulavam que uma tecnologia tão poderosa, capaz de reproduzir perfeitamente uma imagem idêntica à realidade, significaria o fim da pintura e da ilustração. Mas, como sabemos, não foi exactamente o caso, e a fotografia tornou-se numa nova forma de arte. A resistência à tecnologia sempre foi particularmente forte e hostil no campo da música; basta pensar no esforço que a música electrónica teve de fazer antes de ser reconhecida como tendo a mesma dignidade que a “música tocada com instrumentos”. Mais recentemente, a indústria também teve de enfrentar inúmeras mudanças tecnológicas nos seus métodos de consumo e distribuição, que têm gerado conflitos éticos e económicos significativos. Consideremos a transição de CDs para MP3s e o advento do Napster e outros sistemas de partilha peer-to-peer, que levaram à proliferação da pirataria. Ou a mais recente desmaterialização total da música e os novos acordos entre gravadoras e plataformas de streaming. A forma como o público consome música é algo frequentemente ignorado nas discussões sobre IA, mas é tão importante como a forma como a própria música é criada.

Os Primeiros Passos da IA na Criação Musical

As primeiras experiências sobre o potencial musical da IA generativa foram amplamente recebidas como divertimentos inofensivos. Consideremos o Daddy's Car, uma canção ao estilo dos Beatles de há quase dez anos (já em 2016) em que, pela primeira vez, a música foi composta pelo programa de IA Flow Machines. Muitas pessoas provavelmente nunca ouviram falar dela, pois na altura essas “canções” ainda eram consideradas meras experiências à beirada de brincadeiras. Quatro anos depois, durante o pico da pandemia, surgiram as chamadas amostras de jukebox geradas pela OpenAI. Tratavam-se essencialmente de exercícios estilísticos de um minuto que misturavam géneros musicais e estilos de artista, com títulos como Folk Rock in the Style of Simon e Garfunkel. Devido ao uso de nomes reais de artistas, essas amostras não estão mais disponíveis no SoundCloud hoje em dia.

Deepfake

Nos últimos cinco anos, as coisas tornaram-se significativamente mais graves. Entre os casos percebidos maioritariamente negativamente está o fenómeno dos chamados deepfakes, que continuam a proliferar no YouTube e TikTok. São essencialmente canções que utilizam inteligência artificial para recriar as vozes de cantores famosos. O caso mais marcante foi Heart On My Sleeve, uma canção falsa de Drake e The Weeknd lançada em 2023 pelo produtor anónimo Ghostwriter. A semelhança das vozes e a fama dos dois artistas permitiram que a faixa falsa acumulasse mais de 20 milhões de peças antes da Universal conseguir retirá-la de todas as plataformas de streaming. Outras experiências notáveis incluem Jay-Z recitando Shakespeare, Kanye West cantando Someone To Usei To Know, e até mesmo um álbum inédito do Oasis — Aisis, The Lost Tapes Vol. 1 — que na verdade era apenas um álbum da banda Breezer com a voz do cantor substituída por uma voz de Liam Gallagher gerada por IA.

Se os casos anteriores podem ser considerados semelhantes a produtos falsificados, como um Rolex falso ou uma simples imitação, há outros casos que podemos considerar mais ou menos virtuosos, ou pelo menos em que a questão jurídica não existe e o debate ético é mais matizado. Um exemplo é Grimes: ela começou levianamente com o projeto AI Lullaby — que permitia que a sua voz fosse combinada com sons ambientes para ajudar as crianças a dormir — e depois decidiu disponibilizar a sua voz para que qualquer pessoa pudesse usá-la para criar novas canções geradas por IA, desenvolvendo assim um continuum potencialmente infinito. Por mais extrema que seja, ninguém pode contestar esta escolha do ponto de vista ético ou legal, pois neste caso, é uma expressão livre da sua visão artística pessoal, e só ela detém os direitos à sua voz e à sua música.

O caso virtuoso mais marcante até à data é certamente o lançamento de 2024 de uma nova canção dos Beatles — Now And Tthen — que até ganhou um Grammy na categoria de Melhor Performance de Rock. Em comparação com o carro do papai, estamos literalmente num outro nível (para os interessados, há um mini-documentário que resume a história da canção): originalmente, era uma fita antiga com uma gravação caseira de John Lennon, cuja qualidade era demasiado fraca para ser transformada numa canção acabada. Os restantes Beatles já tinham tentado no passado mas abandonaram a tentativa devido à má qualidade do áudio. No entanto, graças a uma nova tecnologia baseada em IA — a mesma usada por Peter Jackson para o documentário Get Back — foi possível isolar o áudio e alcançar uma qualidade aceitável para publicação. Esta operação poderia ser considerada semelhante à restauração do património cultural. E se o resultado final for uma grande música nova da maior banda da história, o julgamento geral só pode ser positivo.

Prós e Contras da AI Music

Uma possível futura degeneração das práticas discutidas até agora poderia ser deixar-se levar e cair no mau gosto pela publicação de milhões de novas canções de cantores falecidos gerados pela IA. Dito assim, pode parecer distópico, mas tendo em conta o interesse do público em álbuns póstumos e a tendência das gravadores de raspar o fundo do barril para lançar novas músicas de artistas falecidos, esta questão não deve ser subestimada. Basta pensar em quantos álbuns de Jeff Buckley foram lançados após a sua morte ou nos sketches de baixa qualidade incluídos no chamado álbum solo de Kurt Cobain. Claro, nestes casos, pelo menos as músicas tinham valor histórico porque havia faixas gravadas intencionalmente pelo artista, mas se mesmo essa base faltasse, que valor teriam as músicas? Difícil dizer. E como julgaríamos a situação se a inteligência artificial fosse usada para “ajudar” cantores que ainda estão vivos mas tiveram de deixar de cantar por razões de saúde? Seria uma coisa positiva ou negativa se alguém como Steven Tyler, que foi forçado a deixar o palco, decidisse treinar IA para reproduzir a sua voz e criar um novo álbum do Aerosmith hoje? Mais uma vez, é difícil dizer, mas neste momento, provavelmente não estamos muito longe de descobrir.

A Questão do Público e da Música Funcional

Parece que uma grande parte do público em geral hoje não está muito interessado em saber quem é o artista que está a ouvir, mas está mais preocupado com o humor geral que está a ser transmitido. É por isso que as playlists geradas diretamente por editores de plataformas ou algoritmos estão a proliferar, particularmente aquelas que oferecem a chamada "música funcional”, ou seja, música para ouvir enquanto executa certas atividades como correr, estudar ou dormir, ou aquelas que evocam um certo humor como relaxamento ou melancolia. A partir daqui, surgiram acordos entre duas grandes editoras discográficas — Warner e Universal — e a empresa Endel, que é praticamente líder no campo da criação musical funcional destinada a reduzir o stress através da IA. No perfil do Endel no Spotify, existem álbuns inteiros com títulos autoexplicativos como The Most Beautiful Calm ou Antarctican Dream Machine (Relax Soundscape).

A Questão dos Artistas Fantasmas

Enquanto a música produzida por IA pela Endel é declarada abertamente, o mesmo não se pode dizer da música produzida pelos chamados artistas fantasmas no Spotify. A questão foi recentemente trazida à luz pela jornalista Liz Pely num livro recém-publicado intitulado Mood Machine — The Rise of Spotify and the Costs of the Perfect Playlist. A investigação revelou que o Spotify recorre a empresas externas — ainda ligadas à plataforma — encomendando-as para criarem faixas instrumentais que são depois colocadas nas playlists mais ouvidas sob nomes falsos de artistas para gerar royalties, que são posteriormente redistribuídos para a própria plataforma. Neste momento, há pouca certeza sobre como estas músicas são criadas ou quem são os seus autores, mas a possibilidade de a IA desempenhar um papel não pode ser descartada. Afinal, a principal empresa por trás destes falsos artistas — Epidemic Sound — já afirmou abertamente que permite que os seus compositores usem IA.

O Quadro Regulatório — Porque Protestam os Artistas?

À luz do que tem sido discutido até agora, os artistas têm razão em protestar contra a interferência da IA? Depende de quais são as suas preocupações, mas é verdade que ainda há muito trabalho a fazer a nível regulamentar. Nos últimos dias, uma proposta de lei do governo do Reino Unido, destinada a permitir a formação de IA com produtos culturais protegidos por direitos de autor, provocou um debate significativo. A reação levou à criação de um coletivo de mil músicos — incluindo Kate Bush e Damon Albarn do Blur — que lançaram um álbum de protesto silencioso, um disco simbolicamente composto por doze faixas vazias, cujos títulos, quando reunidos, formam a frase: The British Government Mut Not Legalize Music Theft To Benefit AI Companies. Nos EUA, o primeiro estado a aprovar uma lei protegendo os músicos de abusos relacionados com IA foi o Tennessee, onde no ano passado entrou em vigor o chamado Elvis Act (Garanting Likeness Voice and Image Security). A questão é que, sendo uma lei estadual e não federal, não tem validade para além das fronteiras do Estado. A nível federal, a coisa mais próxima da proteção contra o abuso de IA é uma lei de publicidade que proíbe o uso da voz de alguém em anúncios sem o seu consentimento. Quanto à União Europeia, a introdução gradual da Lei da IA começou este ano, mas o caminho ainda é longo, e o seu impacto e eficácia continuam por ver.

Opiniões de Especialistas em AI Music

Segundo Francesca Lagioia — professora de Informática Jurídica, IA e Direito, e Ética para IA na Universidade de Bolonha — a arte criada pela inteligência artificial nunca pode substituir ou ser comparada à criada pelos humanos porque a capacidade criativa da IA é apenas “combinatória”, o que significa que é meramente capaz de remontar ideias pré-existentes mas não pode gerar uma ideia verdadeiramente nova. Isso é tranquilizador, embora abra um mundo de especulações filosóficas sobre o que realmente constitui uma nova ideia. Quando foi mostrada uma animação gerada por IA, o mestre da animação japonesa, Hayao Miyazaki, expressou nojo — não por princípio, mas porque a criação se assemelhava a uma paródia de uma pessoa com deficiência motora. Na sua opinião, só uma máquina sem compreensão do sofrimento humano poderia conceber tal aberração. Embora pura, a perspectiva de Miyazaki pode parecer demasiado inocente aos nossos cínicos olhos ocidentais para ser inteiramente convincente. Uma visão mais concreta e tranquilizadora vem do crítico musical Simon Reynolds, que apontou com perspicaz algo aparentemente óbvio: a IA “não ouve” música — não tem ouvidos nem corpo — mas toda a música afeta-nos através das nossas faculdades sensoriais e cinestésicas. A IA não consegue compreender completamente a música porque falta a nossa experiência física e neural.

Finalmente, a resposta mais complexa e convincente — precisamente porque é mais visceral e humana — veio de Nick Cave há alguns anos quando respondeu a um fã que tentou escrever uma música “no estilo de Nick Cave” usando IA:

“Escrever uma boa canção não é imitação, replicação ou pastiche; é o oposto. É um ato de auto-aniquilação que destrói tudo o que se tentou criar anteriormente. São saídas perigosas, saltos de parar o coração que impulsionam o artista para além dos limites do que reconhece como o seu conhecido eu. Isso faz parte da autêntica luta criativa que precede a invenção de uma obra verdadeiramente valiosa; é o confronto sem fôlego com a própria vulnerabilidade, o próprio perigo, a própria insignificância, contrastado com uma sensação de descoberta repentina e chocante; é o ato artístico redentor que move o coração do ouvinte, onde o ouvinte reconhece no funcionamento interno da música o seu próprio sangue, o seu próprio sangue, a própria luta, o seu próprio sofrimento. Isto é o que nós, seres humanos humildes, podemos oferecer, que a IA só pode imitar — a viagem transcendente do artista a lidar constantemente com as suas próprias falhas. É aqui que reside o génio humano, profundamente enraizado dentro, mas ultrapassando essas limitações”.