5 coisas que amamos no desfile Dior Cruise 2027 O programa de Jonathan Anderson assume uma sensação noir

O set que ontem no LACMA acolheu o espetáculo Dior Cruise 2027 tentou reconstruir um passado nobre, o de Los Angeles nas décadas de 1940 e 1950 com as suas divas imortais e os seus conjuntos faraónicos, mas através de tecnologias completamente modernas. Um tipo de trabalho de engenharia reversa que é também o que Jonathan Anderson está a fazer com as imagens da Dior: não partindo do passado para chegar ao presente, mas quase “reconstruir” a partir do presente e com as ferramentas atuais uma ponte para o passado.

Neste exercício o seu Dior torna-se muito Anderson-ian, ou seja, surreal nos volumes, quase lúdico na forma como experimenta materiais e silhuetas mesmo que tenda sempre a escovar contra o cerebral e o hermético. Uma tortuosidade de pensamento em que os ícones do cinema que inspiraram a coleção tendiam a perder-se (incluindo a citação do casaco de Marlene Dietrich em Stage Fright de Hitchcock, declarado como ponto de partida da coleção) numa avalanche de referências díspares que iam desde flores, filmes, carros, atrizes. No entanto, as ideias que Anderson tem para a sua Dior estão cada vez mais no alvo e coleção após coleção, retornando sempre à mesma silhueta e refinando-a a cada vez.

Aqui estão 5 coisas que amamos no desfile Dior Cruise 2027.

A época das flores

Transformar mulheres em buquês tem sido uma das principais directivas da Anderson's Dior desde o início, mesmo correndo o risco de as cobrir completamente numa única e hiperestimulante cascata de lírio do vale, campainhas, íris. Depois dos nenúfares da época passada, o Cruzeiro 2027 foi dominado pelo tema floral das papoilas californianas. Uma flor, a papoula, interessante porque é um símbolo atávico do sono e dos sonhos, elemento temático fundamental.

“Christian Dior tinha percebido o quão importante era a ideia do “sonho” para as pessoas depois da guerra, como uma forma de escapismo”, diz Anderson nas notas do programa. “Explorou-o na alta-costura, os seus amigos surrealistas eram obcecados por sonhos e, naturalmente, Hollywood é a Fábrica dos Sonhos. Tudo fazia parte da mesma mudança transcultural”. As papoulas, aliás, tornaram-se um dos símbolos do mito de Hollywood devido à sua presença em O Mago de Oz, talvez o filme mais icónico daquela época.

Os looks de moda masculina

A coleção também apresentava looks de moda masculina. Em comparação com a roupa feminina, moveram-se numa estética bastante diferente, embora houvesse pontos de conexão no Casaco Bar e em alguns fatos formais. Elementos recorrentes incluíam capas, tecidos lamé, pied-de-poule de strass e casacos muito estruturados, mas ao contrário das primeiras coleções, orientadas para gostos mais aristocráticos, nos últimos saídas Anderson privilegia uma estética mais glamourosa, feita de calças de couro, ténis cravejados, jeans cujas lágrimas são mantidas juntas por correntes como Hedi Slimane já fez para o FW13 de Saint Laurent em insuspeito tempos.

Uma secção de looks de moda masculina parecia inspirar-se em atmosferas mais realistas, com uma série de camisas emparelhadas com jeans decoradas com obras de Ed Ruscha, um artista que para Anderson “tem este sentido fascinante do quotidiano e como se liga à grandeza desta cidade”. O verdadeiro destaque, no entanto, foi um casaco de lã cinza sobre o qual foi impressa a luz listrada das persianas, uma citação de filmes clássicos noir.

Os automóveis

Outro “fio” de citações foram os carros antigos americanos. Começaram certamente a partir do convite para o espetáculo: a chave de um carro que voltaria depois como um encanto pendurado nas malas. Mas havia um na passarela que também era uma referência potencial ao espetáculo SS95 de John Galliano, cujo trabalho para a Dior foi citado nos novos Saddle Bags inspirados na carroçaria e interiores em couro dos carros desportivos e tinha até um pendente em forma de chave. Para fechar o círculo da citação, os Saddle Bags inspirados no carro também foram uma ideia anteriormente explorada por John Galliano para o SS01 da Dior.

Assimetrias de arquivo

Desde as primeiras coleções, Anderson explorou o tema da assimetria através de cortinas infinitas, bainhas de viés e soluções de vestir que quebraram a simetria rígida do classicismo da alta-costura. Nisto recorda o trabalho do próprio Christian Dior que, nos seus caminhos e nas suas línguas, gostava de criar silhuetas dramáticas disfarçando-as numa elegância que é muito alta sociedade. Especificamente, neste espetáculo, um look com um casaco e saia assimétricos que pareciam complementares parecia citar o famoso vestido Abandon que o próprio Dior criou em 1948, com um casaco cuja lapela curvava assimetricamente no peito.

Os cocários de penas de Philip Treacy

Outro elemento que chamou a atenção na coleção foram os coques de penas que decoram as cabeças das modelos. Foram de Philip Treacy, o único chapeleiro desde a época de McQueen que cria chapéus para alta-costura, que para estes se inspirou num projeto inicialmente feito para Isabella Blow, no qual as penas criaram a palavra “Blow”, um design muito alinhado com o delicado gosto pelo obsceno que a socialite inglesa exibiu em inúmeras ocasiões. Aqui as palavras eram diferentes, de “Buzz”, a “Flow” a “Star” (embora o lettering, se visto rapidamente, parecesse soletrar a palavra “slop”) e obviamente “Dior”.