Wie man laut Lady Gaga ein echtes Comeback feiert Mit Disease kehrt die Pop-Königin zu ihren Wurzeln zurück

Wenn es eine Sache gibt, die uns die Popmusik dieses Jahr gelehrt hat, dann ist es, dass Nostalgie ein Gericht ist, das am besten kalt serviert wird — aber nicht von jedem. Gestern Abend wurde das Musikvideo zu Disease, der neuen Single von Lady Gaga, veröffentlicht, in dem der Popstar zu ihren dunklen Wurzeln zurückkehrt und den Hollywood-Glamour, Jazz und die Raffinesse hinter sich lässt, die sie in den letzten Jahren angenommen hat. Vom ersten Hören an haben Fans und Kritiker gleichermaßen Gagas neues Projekt als eines der sensationellsten Comebacks aller Zeiten gefeiert. Einige scherzen und danken dem Ehemann des Stars, der Berichten zufolge für ihre Rückkehr zu diesem Genre verantwortlich ist, während andere im Guardian schreiben, dass Disease zwar nicht das ikonische Niveau von Bad Romance erreicht, es aber schafft, „Erinnerungen an Gaga der späten 00er Jahre zu wecken und trotzdem in das chaotische Popklima nach dem Brat zu passen“. Der Track ist in der Tat, mangels besserer Begriffe, ein Hit: Begleitet von einem Video, in dem Gaga erneut die Monster-Domina vergangener Jahre verkörpert, bietet er eine perfekte Mischung aus Nostalgie und zeitgenössischem Stil. Die Bildsprache von The Fame Monster ist durchdrungen von den neuen Popregeln, die von jungen Stars wie Charli XCX, Sabrina Carpenter und Chappel Roan (der Gaga als eine ihrer größten Inspirationen genannt hat) festgelegt wurden. In einer Synthpop-Produktion, die eine neue Ära für den Sänger einläutet, bietet Disease dunkle und rohe Bilder im vollen Old-Gaga-Stil. Angesichts des neuen Erfolgs des Stars — nach Joker — Folie à Deux drohte ihr ein weiterer Flop —, lohnt es sich zu fragen, warum andere Comebacks das nicht geschafft haben. Katy Perry könnte sich in diesem Moment selbst in die Quere kommen.

Nostalgie scheint der geheime Schlüssel zum Erfolg geworden zu sein, aber um wirklich narrensicher zu sein, muss man vorsichtig damit umgehen. Ein Beispiel dafür, was man nicht tun sollte, stammt direkt von Katy Perry, dem Star von I Kissed a Girl, die Millennials und Gen Z jahrelang verzauberte, nur um dann im Dunkeln zu enden. In diesem Sommer versuchte der Star ihr Glück mit einem neuen Album mit dem Titel 143. Das Projekt repliziert sorgfältig alle künstlerischen und klanglichen Elemente, die Katy Perry in den frühen 2010er Jahren zum Erfolg verholfen haben: eingängige Refrains, Tracks, bei denen eine verspielte, aber entschlossene Sinnlichkeit im Mittelpunkt steht, und Videos voller Sexappeal. Wie in California Gurls wird der Zuschauer in Woman's World mit Perrys Dekolleté konfrontiert, das zu einem farbenfrohen BH zusammengepresst ist; wie in Roar sind Themen wie weibliche Unabhängigkeit, Dominanz über das andere Geschlecht und Schwesternschaft präsent. Alles, was Katy Perry vor einem Jahrzehnt zu einem Chartstürmer gemacht hat, ist da, aber genau das ist das Problem: Das „Girlbossing“, das Songs wie California Gurls und Roar zum Erfolg verhalf, hat an kultureller Zugkraft verloren und durch Themen ersetzt, die eher zeitgemäß sind (und Frauen weniger abwertend gegenüberstehen). Den Hits dieses Sommers nach zu urteilen, bei denen Sabrina Carpenters Espresso die internationalen Charts dominiert, scheint Katy Perrys Publikum jetzt Kaffeemetaphern vorzuziehen gegenüber Klischees wie „Es ist eine Frauenwelt und du hast Glück, darin zu leben“.

Spaß beiseite, aktuelle Daten zeigen, dass die Popkonsumenten von heute nicht nur leichte Musik wollen, sondern komplette Projekte, die eine starke künstlerische Leitung und ein Geschichtenerzählen beinhalten, das so fesselnd ist wie der Sound selbst. Während Katy Perrys Musikvideo und Song Woman's World wegen ihrer veralteten Vision von weiblichem Empowerment heftig kritisiert wurden, wurde Lady Gaga's Disease besonders für ihre konzeptionelle Tiefe gelobt. Nur eine Stunde nach der Veröffentlichung veröffentlichte ein Lady-Gaga-Fan einen Online-Essay, in dem der Text des neuen Songs mit Versen von Sylvia Plath, Baudelaire und John Donne verglichen wurde. Damit wurde nicht nur bestätigt, dass Gagas Pop ein zeitloser Klassiker bleibt, sondern auch, dass ihre Fangemeinde im Laufe der Jahre über ganz unterschiedliche Projekte hinweg zusammengehalten wurde.

In den letzten Jahren hat sich die Popmusik stark verändert, angefangen während der COVID-19-Pandemie, als die Intimität des Schlafzimmer-Pop die globalen Charts eroberte. Weiter ging es mit dem Aufstieg von Konzeptalben und der zunehmenden Aufnahme von Klatsch und Tratsch in Songs. Wenn uns die rote Wut von Rosalia in Motomami, das Apfelgrün von Charli XCX und Taylor Swifts Ostereier etwas gelehrt haben, dann, dass weiblicher Pop nicht aus leeren Worten wie „sexy, selbstbewusst, so intelligent“ besteht, dass weibliche Künstler etwas zu sagen haben. Lange vor dem Aufstieg der Brat-Erfinderinnen Sabrina Carpenter und Chappel Roan war es Lady Gaga, die dies mit ikonischen Werken wie Alejandro, Poker Face und Born This Way bewies. Mit kunstvollen Inszenierungen und einer riesigen Bildsprache, die selbst diejenigen in ihren Bann zieht, die dem gewohnten Reiz gleichgültig sind, trifft zeitgenössischer Frauenpop nicht nur wegen seiner Nostalgie, sondern auch wegen seiner authentischen Qualität einen Nerv. Es ist kein Zufall, dass Disease von Andrew Watt und Cirkut produziert wurde, während in Woman's World der umstrittene Dr. Luke zu sehen war, der 2014 von Kesha des sexuellen und psychologischen Missbrauchs beschuldigt wurde. Nostalgie mag den Umsatz ankurbeln, aber manche Dinge sollten besser in ihrer Zeit bleiben: In diesem Sinne ist Lady Gagas Pop ein Evergreen.