Lana Del Rey und diese unglaubliche Ähnlichkeit mit Sylvia Plath In „White Feather Hawk: Tail Deer Hunter“ reichte es, ihren Kopf in den Ofen zu stecken

Es sind erst 48 Stunden seit der Veröffentlichung von Lana Del Reys White Feather Hawk Tail Deer Hunter vergangen, was zusammen mit Henry, Come On und Bluebird davon ausgeht, dass das neue Album in etwas mehr als drei Monaten erscheinen wird. Und dem Gerüchten nach zu urteilen, Stove, scheint das Projekt — nach Ansicht vieler — auf die Figur von Sylvia Plath anzuspielen, die auf ihrer musikalischen Reise eine ständige Präsenz hat und dazu beiträgt, den Mythos von Lana Del Rey als Dichterin der zeitgenössischen Liebe zu festigen. Aber ist das wirklich der Fall?

Was hat Sylvia Plath damit zu tun?

Die Parallele zwischen Lana Del Rey und der 1963 durch Selbstmord verstorbenen Dichterin ist heute nicht erkennbar. Zurück im Jahr 2019, auf dem Album Norman Fucking Rockwell! , sang Lana: „Ich habe in meinem verdammten Nachthemd herumgerissen/Rund um die Uhr Sylvia Plath.“ Es ist kein Zufall, dass vor Jahren auf Reddit ein Nutzer schrieb: „Ich liebe Lana, ich betrachte sie als Dichterin. [...] Ich liebe Poesie und die Arbeit von Sylvia Plath. Sie und Lana sind ein und dasselbe und beide sind unglaubliche Autoren. Ich bin überzeugt, dass Lana ein großer Fan von Plath ist.“ Eine Aussage, die eher von einer gemeinsamen Sensibilität zeugt: Beide verwandeln Verletzlichkeit in Sprache, Leid in Form.

Der gemunkelte Titel des neuen Albums, Stove, hat die Verbindung zu Sylvia Plath wiederbelebt, die 1963 starb, als sie sich im Gasofen in ihrer Küche das Leben nahm. Die Referenz fühlt sich unmittelbar an, auch wenn sie unausgesprochen ist. In White Feather Hawk Tail Deer Hunter singt Lana: „Nimm meine Hand vom Herd/Wisse, wie absolut schlecht ich mit einem Ofen umgehen kann.“ Der Ofen wird so zu einem vieldeutigen Bild: zu einem häuslichen Objekt, das auf eine traditionelle — und rückläufige — weibliche Vorstellungswelt verweist, aber auch ein Symbol der Selbstzerstörung ist. Schließlich war die Sängerin schon immer in der Lage, Kurzschlüsse zu kreieren, in denen ihre Pin-up-Ästhetik mit gequälten Liebesgeschichten, Depressionen und Selbstmord zusammenfiel.

Ein Kreis schließt sich

Der Track beginnt auch mit einer Einführung, die Jazz-Enthusiasten bekannt vorkommen mag. Die Atmosphäre erinnert an die 1964 von Ella Fitzgerald gespielte Version von Laura, dem berühmten Jazz-Standard, der 1944 von David Raksin für den gleichnamigen Noir-Film geschrieben wurde und der sich um den offensichtlichen Mord an einer jungen Frau — unabhängig und raffiniert — im New York der 1940er Jahre dreht. Themen wie Besessenheit, Konstruktion des Frauenbildes und Idealisierung sind sowohl dem Film als auch der musikalischen Vorstellungskraft von Lana Del Rey gemeinsam.

Aus künstlerischer Sicht markiert dieser Moment auch eine neue Phase in ihrer Entwicklung. 2012 baute Lana mit Born to Die ein barockes Popuniversum auf, das von Hip-Hop-Beats und einer zeitgenössischen Pin-up-Ästhetik geprägt war. Bei Ultraviolence ging der Wandel hin zu einem rockigeren und psychedelischeren Sound; mit Norman Fucking Rockwell! , ihr Schreiben wurde essentieller, näher am Folk - und Softrock und autoritärer. In den letzten Jahren hat sie Country-Sounds und Balladen erforscht. White Feather Hawk Tail Deer Hunter scheint diese gesamte Reise auf eine Weise zusammenzufassen, die sich kohärent und zutiefst ausdrucksstark anfühlt.

Eine neue Ära

Die Ästhetik des Videos ist analog und erinnert an die Atmosphäre der ersten Arbeiten. Sie entspricht den Covern der neuesten Alben und Fotos zum Drucken, bei denen es sich um Selfies handelt, die mit dem iPhone aufgenommen wurden. Die Atmosphäre ist intim und gemütlich, mit künstlichem Schnee, einem Nachtgarten und klassischen Zeichentrickfilmen wie Betty Boop. Es gibt etwas Gotisches, Rituelles und fast Verzaubertes. Wenn Lana 2012 in Blue Jeans über einen Ex-Freund sang, verglichen mit James Dean, der sie verlassen hatte, um Geld und Drogen zu jagen, was sie in ihren Schmerzen zurückließ (und trotzdem wird sie ihn weiterhin lieben). Oder in Cola sang er: „Meine Pussy schmeckt wie Pepsi Cola/ Meine Augen sind weit wie Kirschkuchen/Ich habe eine Vorliebe für ältere Männer/ Das war schon immer so, also ist es keine Überraschung“. Heute erzählt es jedoch eine privatere, erwachsenere, weniger mythologisierte Dimension, so sehr, dass es ihren Ehemann Jeremy Dufrene mit einbezieht, zu dem sie singt: „Wir passen zusammen, er ist nur in meinem Knochenmark“.

Die Bindung zu Sylvia Plath ist keine bloße Nachahmung, sondern eine Verbindung, die spontan und fast unvermeidlich entsteht. Was die beiden Künstler verbindet, ist eine Poetik der Verletzlichkeit, die ständige Spannung zwischen Ästhetik und Schmerz und eine Form der Performativität des Traumas, die Sprache und Bild ausmacht. Es gibt jedoch einen entscheidenden Unterschied: Die Dichterin starb auf tragische Weise selbstmordgefährdet, geprägt von einer tiefen Depression; Lana erinnert sich manchmal an die Gesten und die Ästhetik des Schmerzes, vielleicht mit einer zweideutigen Leichtigkeit, indem sie sich ein Imaginäres und ein Leid aneignet, die nicht direkt zu ihr gehören.

Plath entlarvte das idealisierte Frauenbild von innen heraus und zerstörte es mit Klarheit und Präzision; Lana Del Rey inszeniert es stattdessen, verstärkt es, verwandelt es in eine obsessive, manchmal filmische und melodramatische Pop-Imagination. Genau in dieser Lücke taucht die Ähnlichkeit zwischen den beiden immer wieder auf: Der Schmerz wird zur Show und die Verletzlichkeit zur Ikone. Wer weiß, welche Überraschungen Lana Del Rey — Betty Boop, die Zeitgenossin Sylvia Plath, Lizzy Grant oder wie wir sie nennen wollen — noch für uns bereithält.