Die ultimative Erlösung des Korsetts Von der Show von Maison Margiela zur Bühne von Sanremo

Letztes Jahr, während des Sanremo Festivals, haben wir über den steigenden Trend von Herrenkorsetts gesprochen, die zuerst auf den Laufstegen der Fashion Week zu sehen waren und dann von Blanco auf die Ariston-Bühne gebracht wurden. In diesem Artikel haben wir darauf hingewiesen, dass der Anstieg der Korsetts zwischen den Saisons FW23 und SS24 tatsächlich eine historische Grundlage hatte. Es war das klassische Mieder, das von den englischen Dandys häufig verwendet wurde, als sie zuerst die Idee einer öffentlichen Person entwickelten, die mit einem bestimmten persönlichen Stil und einer provokativen Haltung verbunden war. Ein Jahr ist jedoch vergangen, und die Diskussion über die Legitimität von Fluid Dressing bedeutet immer noch, ein Thema anzusprechen, das bereits weit und breit untersucht wurde und etwas ermüdend wird: geschlechtslose oder fluide Mode wird heute als normal angesehen, entweder vollständig akzeptiert oder stillschweigend zurückgelassen. Korsetts tauchen weiterhin am Rande der kollektiven Vorstellungskraft auf, wenn auch selten, aber in bedeutsamen Momenten: die unglaubliche Show, mit der Maison Margiela die Couture Week abschloss; Mahmoods Look auf dem Grünen Teppich am Abend vor Beginn des Sanremo Festivals, der aus dieser Kollektion stammte; BigMamas Abendkleid, ebenfalls auf dem Festival, entworfen von Lorenzo Seghezzi; die Looks, die während der Preisverleihungssaison von Taylor Swift getragen wurden, Selena Gomez, Halle Bailey, Nicola Peltz, Blue Ivy Carter, aber auch Kylie Jenner, Billie Eilish, Jennifer Lopez, Victoria Monet, Doja Cat. In all diesen verschiedenen Fällen können wir sicherlich einen Trend in der Abend- oder Zeremonienmode erkennen, zu dem auch geschnürte Mieder gehören, aber wir stellen auch etwas anderes fest: Die Semantik des Korsetts hat sich völlig verändert und es von einem antiquierten Symbol der Unterdrückung zu einem Vehikel für ein Überdenken des Geschlechterbinarismus sowie zu einem zunehmend emanzipierten Ausdrucksmittel, das von seinen Verbindungen zur Erotik befreit ist.

Vor ein paar Jahren wurde in Cannes ein Film gezeigt, der Episoden aus dem Leben der berühmten Prinzessin Sissi erzählt, Corsage genannt — ein Titel, der das Korsett oder das Mieder der königlichen Kleidung der Protagonistin obsessiv eng anliegend machte, um die eigene Figur, den Atem und die Grenzen des Widerstands zu kontrollieren, zur Metapher für eine Atmosphäre, in der die Unterdrückung von Frauen nicht nur äußerlich, sondern oft verinnerlicht wurde. Im Wesentlichen gelten Korsetts seit ihrer Existenz als Symbole für Eitelkeit und Missbrauch, sowohl für sich selbst als auch für das Geschlecht: Der Philosoph Jean-Jacques Rousseau beklagte sie bereits Ende des 18. Jahrhunderts auf den Seiten des Lancet, ab etwa 1860 war die moralische Panik gegen Korsetts in allen Zeitungen zu hören, obwohl sie von der gesamten Gesellschaft als unverzichtbares Erfordernis der weiblichen Garderobe angesehen wurden, und es waren die allerersten Feministinnen, die sie zu einem Symbol für Unterdrückung — so sehr, dass Diors berühmte Bar Jacket von '47, die hatte eine Wespentaille, in der sich eine Frau weder bewegen noch arbeiten konnte, galt zunächst als sehr reaktionäres Design, wurde aber dennoch zu einem weltweiten Erfolg, und es kann nicht vergessen werden, wie Chanel zugeschrieben wird, die weibliche Garderobe von Korsetts befreit zu haben, obwohl es wahr ist, dass ein Großteil der Mode der Belle Epoque bereits begonnen hatte, ohne sie auszukommen. Etwas banal war es, was das Korsett anziehend fand, weil es den Eindruck von Schlankheit „erwecken“ und eine Silhouette definieren konnte — in einer Zeit, in der die Vorstellung, die eigene physische Form zu formen (Formen, die man selten live in der Öffentlichkeit sah), etwas vage Fremdes war. Als das Korsett zum Thema der Debatte wurde, wurde die Spaltung kulturell: Diejenigen, die es trugen, verteidigten ihren Gebrauch, behaupteten, Freude daran zu haben, es zu tragen und an der Disziplin, die notwendig war, um es zu halten, und warfen ihren Kritikern vor, es nie wirklich getragen zu haben; diejenigen, die sich ihnen widersetzten, nannten es ein Symbol der Unterdrückung. Letztlich, teils aus Bequemlichkeit, teils aus historischen Gründen, und teilweise, weil sie immer noch das Vorrecht einer untergehenden Aristokratie waren, wurde ihre Verwendung allmählich aufgegeben, als die weibliche Garderobe praktischer und „bürgerlicher“ wurde.

In der Zwischenzeit drangen Korsetts, wie alle Damenunterwäsche, aufgrund ihrer Fähigkeit, unnatürliche und übertriebene Silhouetten zu kreieren, in das Reich der erotischen Fantasien von Sacher-Masoch ein, in die Proto-Pornografie, die mit Kameras der frühen 1900er Jahre geboren wurde, auf den verstörenden Fotos, mit denen der selbsternannte „Pin-Up-King“ Irving Klaw die Fantasie des Amerikas der 1950er Jahre anregte. In den 70ern brachte Vivienne Westwood sie zu Zeiten des SEX-Ladens zurück und dann wieder in den 80ern (das 1987 vorgestellte Modell ist nach wie vor berühmt, was es zu einem Eckpfeiler der Markensprache macht), als sie in Frankreich sowohl Gaultier als auch Mugler populär machten: Intime Kleidung wurde nur noch Kleidung, Sex konnte gezeigt werden, um mit Kühnheit eine zunehmend sinkende Seriosität zu dominieren, die nie wirklich verbannt wurde. Das Korsett wurde nicht normalisiert, sondern nur sozial akzeptabler sexualisiert: Es blieb immer noch eine Art Kostüm, romantisch in seiner antiquierten Natur, wunderschön, weil es an eine verbotene Dimension erinnert — ein Fetisch, in jeder Hinsicht. Wenige Jahre später, für seine SS95, brachte Alexander McQueen den berühmten Mr. Pearl auf den Laufsteg eher zum Schock als zur Infragestellung von Geschlechternormen, und zwanzig Jahre später, als Miuccia Prada ihnen eine zentrale Rolle in der FW16 ihrer Marke zuwies, waren sie eher exotisch als erotisch — sie waren jedoch keine Normalität, sie waren nicht nur ein weiteres Kleidungsstück, sondern ein exzentrisches Element, das dazu diente, das Aussehen zu reflektieren und das aufnahm das Thema einer Kollektion über Archetypen der Damenmode und ihr allgemeines konzeptionelles Umdenken.

Nach 2020, mit der Medienexplosion von Bridgerton und der Verbreitung von Ästhetiken, die von allen möglichen bereits existierenden Bildern inspiriert waren, war es der Moment von Regencycore und das Wiederaufleben von Korsetts — und hier sollte ohne Zweifel die Arbeit von Dilara Fındıkoğlu erwähnt werden. Mit diesem Trend, der von der szenischen Realität zur alltäglichen Realität übergeht, ist das Korsett fast zu einem romantischen Accessoire geworden, das mehr ist als einzuschränken und zurückzuhalten, es definiert und formt ohne Kompression, um eine Silhouette zu kreieren und eine Art moderne Fantasie hervorzurufen, die militärisch inspirierten Jacken oder Bootcut-Jeans der 70er Jahre ebenbürtig ist. Das Korsett hat sich kurzzeitig von einem schelmischen Symbol verbotener Dimensionen zu einem reineren, ausdrucksstarken Fahrzeug entwickelt: So verwendete John Galliano es für die bereits berühmte Margiela-Show (obwohl Korsetts seit drei Saisons in den Kollektionen der Marke erschienen und Galliano sie seit Jahrzehnten verwendet), wo das Korsett in der Tat eine historische Erinnerung war, aber auch ein künstlerisches Werkzeug, das die Silhouetten der Modelle surrealistisch deformierte und Schichtelement.

Mahmood war der erste Promi, der nach der Modenschau einen Look aus dieser Kollektion trug und seinem Outfit eine queere Dimension verlieh, aber fast nichts explizit oder ausschließlich Sexuelles; genau wie BigMamas Outfits an den ersten beiden Abenden des Festivals, entworfen von Lorenzo Seghezzi, der das Korsett zum Dreh- und Angelpunkt einer ganzen Bildsprache machte, die in ihren Ambitionen weit über die Banalität erotischer Suggestion hinausgeht, den Diskurs auf das Konzept der Queerness selbst auszudehnen und die Ausrottung des traditionellen Kleidungsbinarismus. Der kulturelle Moment scheint jedenfalls reif für diese Resemantisierung: Auf TikTok erreichte der #corsetchallenge laut Vogue erst im Januar 690 Millionen Views und bezieht ein Publikum aller Geschlechter und Körpertypen ein — was nicht zuletzt zeigt, dass das, was im 19. Jahrhundert eine soziale Anforderung war, die von Frauen erwartet wurde, sich in etwas verwandelt hat, mit dem wir spielen und das tun können, was wir mit Kleidung am liebsten tun: Spaß haben.