Fünfzehn Jahre ohne Alexander McQueen In Erinnerung an den Designer, der Konfektionskleidung Couture einhauchte

Am 11. Februar 2010, am Vorabend der Beerdigung seiner Mutter, beschloss Lee Alexander McQueen, sich in seinem Haus in London das Leben zu nehmen. Er wurde im East End als jüngstes von sechs Kindern geboren. Mit 15 Jahren verließ er die Schule und begann als Auszubildender für Cornelius O'Callaghan zu arbeiten. Er lernte schnell, brillant und schnell. Dann kam sein Einstieg bei Red or Dead, wo er alle mit seinem Können verblüffte, und 1989 seine Entscheidung, ohne Unterkunft, ohne Sprachkenntnisse, ohne Geld nach Mailand zu fliegen. In weniger als einer Woche war er bereits Assistent von Romeo Gigli geworden. Dort lernte er die Komplexität der Schneiderei kennen. Wie sich der italienische Designer erinnert, löste McQueen, nachdem er eine Jacke mehr als dreimal neu gestalten ließ, sie wieder auf und fand im Futter die Worte: „Fuck Romeo“. Er kehrte nach London zurück, um sein Studium fortzusetzen, wo er erkannte, dass er Themen verwenden konnte, die nicht ausschließlich mit Mode zu tun hatten, um sie neu zu definieren und weiterzuentwickeln. Er klopfte an die Tür von Bobby Hillson, dem Leiter des Modekurses in Central Saint Martins, und sicherte sich einen Platz in ihrem prestigeträchtigen Programm. Seine Tante bot an, seine Studiengebühren zu bezahlen. Am 16. März 1992 wurde in der Kaserne des Herzogs von York in London seine Abschlusskollektion vorgestellt: Jack the Ripper Stalks His Victims. Die Metamorphose von Prêt-à-Porter begann.

Die Redakteurin Isabella Blow, die bei McQueens Show in der ersten Reihe saß, war verblüfft über das Talent der jungen Designerin. Sie wollte alles. Sie beschrieb die Kollektion als modern und doch klassisch. Unter den Stücken kreierte McQueen einen schwarzen Mantel mit Echthaar und einem blutroten Innenfutter. Es sprach von Sabotage und Tradition, Schönheit und Gewalt. Isabella Blow war die erste, die McQueens Genie erkannte und die Mutter des Designers anrief, um ihr mitzuteilen, dass sie einen Vorläufer der 2000er Jahre zur Welt gebracht hatte. Dann kaufte sie ohne zu zögern die gesamte Kollektion. Von Anfang an verstand es McQueen, die Laufstege zu nutzen, um kontroverse Themen anzusprechen und auch in Prêt-à-porter-Kollektionen Geschichten zu erzählen, sie mit Couture zu versehen, zu versüßen und viel mehr als nur ein Produkt darzustellen. Die Stücke waren Teil eines größeren Mosaiks; es bestand kein Interesse daran, ein Stück vorzuschlagen, das ausschließlich zum Verkauf oder zum Tragen bestimmt war.

McQueens allesfressende Neugier veranlasste ihn im Laufe der Zeit, Bilder von Spaniens Matadoren und der Gegenreformation, Freibeutern der Piratenkriege, indigenen Völkern des Amazonas, dem blutigen und gewalttätigen England der Rosenkriege und sogar dem Osten des Kamasutra zu filtern. McQueen war von Anfang an von Revolution und Unruhe durchdrungen, als er Stoffe mit staatlichem Arbeitslosengeld kaufte (weshalb er in seinen ersten Interviews nach seinen Auftritten sein Gesicht nicht zeigte). Mit seinen ersten öffentlichen Sammlungen kam Ruhm, aber kein Geld, wie er selbst sagte. Die Kollektion Highland Rape (Herbst/Winter 1995) war eine der bekanntesten und skandalisiertesten Kritikerinnen mit zerrissenen, zerbrochenen und fleckigen Kleidungsstücken, die von Models getragen wurden, die Wunden am Körper trugen, als wären sie gerade verletzt worden. Er wurde der Frauenfeindlichkeit und der Verherrlichung von Gewalt beschuldigt, aber McQueens Absicht war es nicht, Horror zu sensationalisieren: Die Show stellte die kulturelle und territoriale Aggression dar, unter der Schottland während der Vereinigung mit England litt. Mit einem starken Stiltrick wollte McQueen die Geschichte seiner Familie, Nachfahren der Isle of Skye, erzählen. Es war eine süße und heftige Darstellung eines Massakers, das auch seine Vorfahren, die schottischen Jakobiten, während des Unabhängigkeitskrieges erlitten hatten. „Ich möchte die Leute zum Nachdenken anregen“, erklärte McQueen damals und demonstrierte, wie Mode zu einem Instrument der Sozialkritik werden kann.

Neben der Kritik kam auch internationaler Ruhm hinzu. Die Welt begann Alexander McQueen kennenzulernen und er erregte die Aufmerksamkeit von Bernard Arnault, dem Inhaber von LVMH, der ihm die Position des Creative Directors von Givenchy anbot. Das Leben des Designers änderte sich: Von einem Außenseiter und Rebellen leitete er eines der bekanntesten französischen Modehäuser der Welt. 1997 kam er nach Paris; er hatte eine Wohnung am Place des Vosges, einen persönlichen Fahrer, und im Atelier wurde er wie ein König behandelt, doch er blieb er selbst. Er brachte seine Fabrik und die Freunde mit, die ihn auf dem Weg begleitet und geholfen hatten. Während sich Monsieur Givenchy im Atelier mit Gelassenheit und Eleganz bewegte, war McQueens Gruppe überschwänglich, aber authentisch. Sein Debüt an der Spitze der Maison gab er 1997 in der Frühjahrs-Couture-Saison mit dem Titel Suche nach dem Goldenen Vlies. Die Kollektion wurde in nur drei Monaten konzipiert und umfasste Weiß- und Goldtöne, eine Palette, die von Givenchys Identität inspiriert war, makellose Damenmode mit fatalem Charme und Korsetts, die die weibliche Silhouette unterstreichen sollten. Zahlreiche Kleidungsstücke waren mit erhabenen goldenen Stickereien geschmückt, die sowohl an eine militärische als auch an eine zaristische Ästhetik erinnerten. Unter den Looks stach eine transparente Bluse hervor, die eine Hommage an die berühmte Bettina-Bluse, den ersten großen Erfolg der Maison, hätte sein können.

Obwohl McQueens Sammlungen für Givenchy heute als Meisterwerke in Erinnerung bleiben, nahmen die Kritiker seine Arbeit zu dieser Zeit nicht mit viel Wohlwollen auf. Zu McQueens erster Kollektion für die französische Maison schrieb Vogue: „Man kann mit Fug und Recht sagen, dass es dem Designer in diesem Fall nicht gelungen ist, die gegensätzlichen Kräfte, die er entfesselt hatte, unter einen Hut zu bringen. Die schlichte Eleganz eines „Maria Callas“ -Kleides oder eines gerafften Umhangs mit einer auf der Rückseite gemalten Renaissance-Madonna mit Kind wird durch Accessoires wie Widderhörner (mindestens ein Paar stammt aus Isabella Blows Herde) und Nasenringe im Rinderstil beeinträchtigt. Diese Sammlung war sicherlich nicht Breakfast at Tiffany's“. Das Magazin zitierte auch Auszüge aus einem Interview, das McQueen Le Figaro gegeben hatte, in dem er erklärte, er habe „keinen Respekt vor Hubert de Givenchy“ und habe die Position angenommen, „weil ich Mode liebe“. Bei Givenchy durchbrach der Designer, inzwischen weltweit als Legende bekannt, die „vierte Wand“ innerhalb des Ateliers: Er wollte jeden kennen, der an seinen Kleidungsstücken arbeitete, weigerte sich, in exklusiven Restaurants zu speisen, und fragte stattdessen, ob er mit den anderen Mitarbeitern in der Kantine essen könne.

Die Prêt-à-Porter-Kollektionen von Alexander McQueen nahmen, wie im Fall von Spring Summer 1999, einen immer anspruchsvolleren Ansatz an. In dieser Ausstellung mit dem Titel N.13. verwandelte sich der Laufsteg in ein wahres Werk der Performancekunst. „Es war keine Modenschau. Es war Performancekunst“, schrieb Vogue dieses Mal. Es war die erste Show, in der Alexander McQueen mit dem Szenografen Joseph Bennett zusammenarbeitete und gemeinsam eines der ikonischsten Bilder der Mode des 20. Jahrhunderts schuf: Shalom Harlow, auf einer rotierenden Plattform positioniert, wurde von zwei Roboterarmen bemalt, die schwarze und gelbe Farbe auf ihr weißes Kleid sprühten. Die mechanischen Arme, die sich mit McQueen-ähnlicher Präzision bewegten, schienen einer Choreographie zu folgen. Traditionelle Schneiderei traf auf Technologie, eine Grenze, die Alexander McQueen im Laufe seiner Karriere mehrfach auslotete.

Zu Beginn der 2000er Jahre wuchs der Druck und die Arbeitsbelastung nahm zu. McQueen war zwischen London und Paris und arbeitete an fünfzehn Kollektionen pro Jahr für Givenchy und McQueen. 2001 trennten sich die Wege zwischen dem englischen Designer und dem französischen Maison, und die Gucci-Gruppe erwarb 50% der Marke McQueen. Der Designer widmete sich ausschließlich seiner Linie und produzierte unvergessliche Shows. Die gesamte Modeindustrie tat alles, um McQueens Präsentationen zu besuchen, sodass sich während seiner Shows Studenten von Kunst- und Modeinstituten einschlichen, was immer für großen Aufruhr sorgte. In Voss Spring Summer 2001 war das Publikum sogar Teil des Erlebnisses, was sich in den verspiegelten Glaswänden widerspiegelte. In der Glasbox vor ihnen bewegten sich die Modelle wie gefangene Kreaturen in einer traumhaften und beunruhigenden Installation. Am Ende öffnete der Würfel in der Mitte des verspiegelten Raums seine Wände und enthüllte eine vollständig nackte Frau, die von einer Maske aus Federn und Insekten bedeckt war. Die Komplexität der Kleidungsstrukturen und die Aufmerksamkeit für jede Frisur übertrafen jede andere Konfektionskollektion der Zeit. Es war Couture in Rebellion, die sich nicht an ein Zielpublikum richtete, sondern ein komplettes Spektakel, ganz anders als das vorherige. Jedes Modell war eine Figur mit einer sorgfältig konstruierten Identität, die in der Lage war, innerhalb einer einzigartigen Geschichte autonom zu existieren.

Im Laufe der Jahre erstreckte sich McQueens Arbeit über Laufstege und Ateliers hinaus und beeinflusste Kunst, Fotografie und Verlagswesen. 1997 starteten Alexander McQueen und der englische Fotograf Nick Knight ihre erste Zusammenarbeit. Ein Foto von Devon Aoki in McQueen-Kleidung wirkt surreal, da die Nachbearbeitung über den Realismus hinausgeht. Die Schauspielerin tritt als bionische Geisha auf, mit einem blau verhüllten Auge und einer Schnittwunde auf der Stirn, die von einer Sicherheitsnadel zusammengehalten wird, aus der Kirschblüten blühen. Im darauffolgenden Jahr kehrte das Duo zurück, um mit Dazed and Confused, für das McQueen als Gastredakteur tätig war, Schönheitsstandards herauszufordern. Die Ausgabe trug den Titel Fashion Able? und die Themen des Leitartikels waren Menschen mit Behinderungen. Unter ihnen der Tänzer David Toole, dessen Beindeformität eine Amputation durch Ärzte erforderlich gemacht hatte. Das bahnbrechende Aufkommen der Inklusion war für McQueen untrennbar, noch nicht von gesellschaftlichen oder Marktanforderungen diktiert, sondern rein und authentisch. Gleichzeitig war die Weiblichkeit, die McQueen in seinen Kollektionen entwickelte, nicht nur düster, kein Produkt des Fetischismus: Sie war etwas Märchenhaftes und Poetisches, mit dem einzigen Ziel der Verführung.

Seine letzte Kollektion, Platos Atlantis Spring Summer 2010, war die letzte, die Lee Alexander McQueen vor seinem Tod vollständig konzipiert hatte. Es war die erste Live-Streaming-Modenschau (die die Website aufgrund des hohen Traffics zum Absturz brachte); es war das Debüt von Bad Romance von Lady Gaga und das erste Mal, dass Roboter zum Filmen einer Live-Show eingesetzt wurden. Fünfzehn Jahre nach dem Tod von Alexander McQueen ist es unmöglich, sich nicht zu fragen, wie die Mode heute aussehen würde, wenn er noch am Leben wäre. Sein Vermächtnis ist nicht nur immens und unauflöslich, sondern auch etwas Authentisches, das denen gehört, die wissen, wie man über die Grenzen hinausschaut. Jede Schöpfung, jede Geste war ein Spiegelbild seiner selbst. Er verwandelte Selbstreferentialität in eine Sprache, die niemals überflüssig, sondern herrlich verstörend und verführerisch war. Er versuchte, Fragilität, Leere und eine Wahrnehmung der Realität zu erforschen, mit der sich nur wenige auseinandersetzen. Seine Vision war extrem, ähnlich der der großen verfluchten Dichter, die, indem sie die dunkle Seite der Schönheit porträtierten, auf dem schmalen Grat zwischen Entsetzen und Staunen reiten.