Arquitetos que precisa conhecer: Samuel Ross O designer que molda as tensões sociais

Este artigo faz parte da série Arquitetos que precisa saber. A edição anterior explora a obra de Carlo Mollino.

Durante muito tempo, Samuel Ross foi descrito principalmente através da moda. A-COLD-WALL*, a marca que fundou em 2014, as colaborações, streetwear, luxo, estética industrial, cinza, betão, preto e laranja de segurança. Tudo verdade, mas também incompleto. Parar aí significa olhar apenas para a superfície de um corpo de trabalho que, há anos, tenta deslocar-se para outro lugar. Ross não é interessante simplesmente porque trouxe a rua para a moda, mas porque percebeu que a rua, antes de ser um estilo, é um espaço. E cada espaço contém sempre algo: a classe social, a memória, o acesso, a exclusão, o corpo, a vontade de escapar a um sistema e, ao mesmo tempo, de entrar nele.

A relação entre o corpo e a cidade

O trabalho de Samuel Ross como arquiteto não decorre de uma estética urbana genérica, nem de um fascínio pelo brutalismo, nem mesmo da necessidade de fazer materiais humildes parecerem cool. Ross usa betão, metal, mármore, OSB e madeira carbonizada, juntamente com formas quebradas e volumes pesados, materiais que falam de trabalho, periferia das cidades, infraestruturas, edifícios públicos, barreiras, canteiros de obras e espaços que são atravessados em vez de habitados.

A-COLD-WALL* foi fundamental para a carreira de Samuel Ross, mas funcionou como o primeiro laboratório para uma forma mais ampla de pensar. As peças eram superfícies urbanas, as silhuetas pareciam estruturas e os detalhes industriais tornaram-se códigos sociais. Nesse momento, a moda era a forma mais imediata de falar da relação entre o corpo e a cidade. Mas a questão não era apenas vestir-se: era entender como um corpo se move dentro de um sistema, quais os sinais que absorve, quais os limites que encontra e quais as possibilidades que tenta abrir.

SR_A e a colaboração com Friedman Benda

Com o SR_A, o estúdio fundado em 2019, esta intuição torna-se mais explícita. Ross começou a trabalhar cada vez mais em objetos, móveis, instalações, espaços e produtos industriais, sem nunca se sentir como uma verdadeira mudança de campo. Pelo contrário, é uma extensão natural da mesma linguagem: se o corpo uma vez usava a cidade, agora a cidade entra nos objetos. Uma cadeira, uma mesa, uma torneira, uma casa de banho, uma sala tornam-se plataformas diferentes para falar da mesma coisa: a tensão entre função e símbolo, entre o uso quotidiano e o significado social, entre o luxo e a memória material.

É nas peças de mobiliário criadas com Friedman Benda que esta transição se torna particularmente evidente. Peças como Trauma, Recovery, Rupture, Signal-3, ou Border II, apresentadas em 2025, possuem uma presença poderosa, como fragmentos de arquitetura deixados para trás após um impacto. Tudo comunica peso; não é meramente visual, porque esses objetos carregam dentro de si algo emocional, social e histórico. Numa altura em que grande parte do design contemporâneo se esforça para ser suave, reconfortante e instantaneamente desejável, Ross escolhe uma direção menos confortável.

Falando sobre o que perdura

A exposição COARSE, apresentada por Friedman Benda em Nova Iorque em 2023, ilustra claramente esta abordagem. Aqui Ross trabalha com materiais industriais e trata-os como superfícies vivas: madeira carbonizada, metal, pedra, mármore, elementos orgânicos, fogo e processos de transformação. O resultado é uma série de objetos que parecem ter passado por alguma coisa: não são lisos, não são resolvidos, mas possuem uma rugosidade conceptual e física, como se toda superfície preservasse um traço.

É aqui que o seu trabalho se torna verdadeiramente interessante para o design. Samuel Ross não se limita a desenhar formas; desenha o atrito. Traz para o objeto tudo o que o design muitas vezes prefere remover: conflito, classe, trabalho, materialidade suja, e a tensão entre beleza e desconforto. No seu caso, o brutalismo não é uma nostalgia pelo concreto nem uma estética de showroom. É uma linguagem para falar do que perdura.

A colaboração da Kohler

O seu trabalho com Kohler também deve ser entendido neste mesmo quadro. Com a Formação 01, Ross transforma uma torneira num objeto escultórico - laranja, angular, quase alienígena. Com a Formação 02, apresentada durante a Milan Design Week 2024 a par da instalação Terminal 02, traz essa tensão para a casa de banho, um dos espaços mais quotidianos e menos discutidos da casa. É uma jogada inteligente porque desloca a conversa do mobiliário colecionável para o objeto doméstico invisível. A torneira, a água, a higiene e o vaso sanitário - elementos que normalmente desaparecem na rotina - tornam-se de repente arquitetura, gesto e ritual.

Esta é talvez uma das suas ideias mais fortes. Ross tenta carregar significado em coisas que normalmente não percebemos. Uma casa de banho, um tubo, uma superfície industrial, um assento pesado, uma cor de segurança podem tornar-se linguagem se forem concebidos com suficiente precisão. É por isso que o seu trabalho não pertence verdadeiramente a uma única disciplina, mas sim forma um sistema de signos que muda de meio consoante onde possa ter o maior impacto.

Não esconder conflito

As fronteiras entre objeto, imagem, espaço, moda e comunicação estão a tornar-se cada vez menos interessantes, ao mesmo tempo que se torna cada vez mais importante perceber se um criativo pode construir uma visão coerente através deles. Ross consegue porque usa o hibridismo como método. Cada projeto parece voltar aos mesmos temas centrais: a materialidade, o corpo, a cidade, a classe, a transformação - uma prática crítica que contém também uma forma de aspiração que, no entanto, não apaga as suas origens mas as torna visíveis.

Redescobri-lo hoje - ou talvez simplesmente olhar mais de perto - significa entender que o brutalismo não é apenas uma questão de formas duras. Pode ser uma linguagem emocional, política e material. Pode falar de cidades, acesso, memória e pertencimento. Pode transformar um assento numa postura social, uma torneira numa escultura, um objecto quotidiano numa declaração. E é precisamente aqui que Samuel Ross se torna uma das figuras mais essenciais do design contemporâneo: não porque torna o conflito bonito, mas porque encontra uma maneira de não escondê-lo.

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