Entre a Moda e a Arte: A Revolução Silenciosa de Marina Yee A criatividade do designer é explorada na exposição na Galeria Sofie Van De Velde
Foi a figura mais enigmática e menos conhecida entre as famosas Seis de Antuérpia, que são hoje protagonistas da grande exposição organizada pelo MoMu em Antuérpia. Marina Yee sempre experimentou a moda como linguagem a percorrer, e o seu percurso tem sido um dos mais radicais e difíceis de categorizar entre os Seis.
Desde a infância, Yee deixou-se guiar pela intuição e não pelo desenho. Apesar do seu talento para a ilustração, prefere trabalhar diretamente no manequim: é o contacto com o tecido, o volume de uma peça existente que determina a forma final. As suas mãos “pensam” antes da sua mente. Pinos, dobras e estratificações tornam-se ferramentas para captar uma ideia que surge em tempo real. Um método que nos últimos anos parece natural e realizado, mas é o resultado de décadas de investigação.
Formação e primeiros anos
Depois de ter treinado na Academia Real de Belas Artes de Antuérpia, a sua entrada no sistema de moda foi tudo menos marginal. A partir de 1983 trabalhou para o fabricante belga Bassetti, primeiro ao lado de Dirk Bikkembergs e depois de forma independente, colaborando também com a marca de artigos de couro Gruno & Chardin. Em 1986 lançou a marca Marie com Miyoshi Hobo, apresentando as coleções em Londres durante o British Designer Show. Foi o momento em que Antuérpia se estabeleceu no cenário internacional, mas mesmo assim Yee seguiu a sua própria trajetória.
A mudança para Paris em 1988, ao lado de Martin Margiela após a sua estreia, marcou outro ponto de viragem. Mas foi também o início de uma distância: em 1990 regressou à Bélgica e retirou-se voluntariamente do sistema. Desenhou figurinos teatrais, abriu um café em Bruxelas e transformou interiores em espaços de expressão. Foi um primeiro desvio consciente da moda enquanto indústria. Quando voltou, fê-lo nos seus próprios termos. A partir do final dos anos 90 trabalhou para a Lena Lena, uma marca belga de moda feminina plus-size, desenvolvendo silhuetas alongadas e em camadas, ombros estreitos e decotes em V, numa paleta essencial de brancos, esbranquiçados e índigo. Uma feminilidade suspensa entre sedução e rigor, sempre atravessada por uma tensão material. Ao mesmo tempo desenhou também a linha feminina para a Bikkembergs, mas depois distanciou-se, reconhecendo que não se alinhava com os ritmos e a lógica comercial do setor.
“Não gostava de como era a fast fashion”, diz Rafael Adriaensens, o seu parceiro e amigo que organizou o seu arquivo. “Criou, criou, criou. Tanto peças de vestuário como obras de arte.” Uma prática contínua mas desligada do calendário, que a levou mais uma vez a afastar-se para explorar outras linguagens: pintura, colagem, objetos, gráficos. Os têxteis mantiveram-se centrais, mas como um material a ser guardado, recuperado e transformado. Em 2005 começou também a lecionar em Tournai, Ghent e Haia, mantendo uma abordagem não convencional: empurrou os alunos para fora da sua zona de conforto, privilegiando o jogo, o erro e a intuição. O seu regresso à moda veio muito mais tarde, quase timidamente.
Em 2017 criou uma coleção cápsula para o mercado asiático, e em 2021 fundou a M.Y. Collection juntamente com a Adriaensens. Aqui a sua visão encontrou finalmente uma forma estável: upcycling radical, peças de vestuário existentes transformadas em peças únicas, detalhes conceptuais escondidos na construção de golas, lapelas e punhos. O processo criativo tornou-se um gesto de redução, um trabalho de subtração e não de acumulação. Antecipou há décadas muitas reflexões contemporâneas sobre a circularidade e o valor da imperfeição. Mas reduzir o seu trabalho a uma prática sustentável seria limitante: é antes um gesto crítico em relação à própria ideia de novidade na moda. Cada peça carrega uma memória, um passado que não é apagado mas tornado visível.
A exposição na Galeria Sofie Van De Velde
“Era designer, mas também artista. Quando entrei no atelier vi montagens e pinturas extraordinárias... mas ela não ousou mostrá-las”, lembra Adriaensens. Uma reserva que por muito tempo manteve a sua produção visual nas sombras, agora finalmente revelada na exposição na Galeria Sofie Van de Velde (até 10 de maio), que dialoga naturalmente com a instalação no ModeMuseum. Esta tensão entre moda e arte percorre toda a sua carreira. Paralelamente ao seu trabalho em vestuário, Yee desenvolveu uma prática visual igualmente intensa que permaneceu invisível por muito tempo. É precisamente esta dimensão que emerge hoje na exposição na Galeria Sofie Van de Velde, onde se entra no seu mundo de desenhos, colagens, notas pessoais e objetos recuperados trazidos de volta a uma nova vida.
Fragmentos de jornais, fotografias rasgadas, alfinetes, materiais encontrados: elementos mínimos que se tornam visões de beleza frágil, nunca definitivas. Nas obras expostas, como a sua interpretação de Vermeer's Girl with a Pearl Earring velada por pinceladas brancas, emerge a rejeição de Yee à perfeição polida. As suas obras aparecem muitas vezes inacabadas, abertas, quase como se ainda estivessem a respirar. São “peças de inspiração” que dialogam constantemente com a sua moda: móveis feitos com cabides e penas de metal, ou peças únicas tão densas com alfinetes e post-its que são consideradas “arte vestível”. A exposição não é apenas uma homenagem a um protagonista da moda belga, mas um convite a entrar num mundo onde o processo importa mais do que o resultado.
Um mundo feito de notas manuscritas e uma coerência estética que desafia todas as tendências passantes. “Marina soube criar algo maravilhoso a partir do caos absoluto”, diz Rafael Adriaensens, seu parceiro e guardião de um arquivo que acabou por ser muito maior do que o esperado: um tesouro de desenhos, instalações e montagens encontradas no seu apartamento em Antuérpia que em breve será recolhido no primeiro livro dedicado a esta extraordinária artista. Esta monografia abrange mais de quarenta anos de trabalho entre moda e arte, entre desenhos, colagens e silhuetas, para transmitir a visão de um designer que sempre resistiu à categorização. A sua morte a 1 de novembro de 2025 interrompeu abruptamente a sua viagem. Mas mais do que um fim, o que hoje emerge é a continuidade de uma prática: livre, coerente, teimosamente independente. Uma trajetória que, relida hoje, aparece não só voltada para o futuro, mas necessária e cheia de inspiração.
