Dissipação voyurística do Gasóleo do FW24 Quando o angustiante se torna virtuosismo

O que significa “desconstruir”? O termo é um dos mais utilizados no dialeto do marketing e das relações públicas e serve para descrever um pouco de tudo — mas não é um termo vago para Glenn Martens, um designer que está habituado a pegar a arquitetura do que já é conhecido e intuir o seu funcionamento interior, subvertendo-os depois. E a desconstrução foi um ponto forte do conceito do mais recente programa da Diesel — um programa que talvez devêssemos chamar de “experimento”, dado que para a ocasião não só todo o processo de produção, configuração de localização, styling e casting estava visível 24 horas por dia no site da marca durante três dias inteiros, como mil observadores externos de todo o mundo estavam a ver o programa e os seus convidados numa espécie de chamada épica no Zoom, com os seus rostos atravessando os ecrãs de altura da parede que pontihavam a pista. O mesmo padrão de rostos intencionados numa videochamada também reapareceu em várias peças da coleção.

Meninas, rapazes, pelo menos dois cães, alguém usando uma máscara alienígena: o conceito de observar e ser observado, no coração do espetáculo, pretendia precisamente desconstruir as hierarquias clássicas do olhar, transformando os observadores de casa numa espécie de grande papel de parede interativo e os convidados do espetáculo nos objetos observados. A ideia era fazer com que as pessoas vissem, por assim dizer, o teatro do lado das asas ou o vestido do lado das costuras — que também faz parte da coleção Martens trazida ao palco. Aliás, as notas do espetáculo afirmam que a intenção da coleção era mostrar “os nossos lados ocultos que se abrem, destacando a parte interior”. Para tornar a situação mais alienante, tornando os elementos habitualmente ocultos o pivô do espetáculo, uma voz robótica deu a ordem de saída dos modelos na passarela em completo silêncio, tanto que sugeriu uma falha de áudio, tornando ainda mais evidente a inversão de perspetiva que o designer belga estava a sugerir ao seu público adotar.

Um tipo de inversão que se aplicou, seguindo a mesma linha conceptual, na roupa: vestidos e camisas com tecido dévoré que se afinavam até ficar transparente, revelando a sua trama junto com a roupa interior e os corpos por baixo; vestidos longos florais com efeito desgastado de onde emergiram estampas de animais, denim que revelava as pernas com inserções transparentes, impalpáveis; tecidos sobrepostos e alienígenas por tratamentos que simulavam desgaste e lágrimas; parkas sintéticas cruzadas com blusas; peles de leopardo cujas bainhas foram transformadas em tecidos ultraleves; vestidos delicados com mangas inchadas cujos tecidos foram queimados revelando outros tecidos por baixo em cores contrastantes; e, inversamente, peças de textura lisa que em vez disso tinham a textura vilosa do mohair. Mas também blazers cujos diferentes painéis eram uma alternância de denim e couro, jaquetas com gola ressecada com bainha crua, tecidos orgânicos cobertos com uma camada de acabamento sintético, vestidos muito bon ton que de repente se tornaram provocativos graças à revelação da sua textura, e, para encerrar o espetáculo, uma série de looks de pele monumentais que tiraram os arquétipos da roupa quotidiana e fizeram algo primitivo, tribalístico. O virtuosismo de Martens criou a impressão global de superfícies descascadas revelando outras — a chave para a estética desta coleção foi precisamente a dissipação, a identificação do dinamismo no estado intermédio de uma transformação.