Das Punk-Projekt macht Londons Museen zugänglich Gegen den Preis der Kunst

In der Welt der zeitgenössischen Kunst gibt es einen Kurzschluss, und das ist nicht nur ein ästhetisches Problem. Heute kostet der Besuch einer großen Ausstellung für viele junge Künstler so viel wie eine Stromrechnung. Und das ist keine Redewendung: In London kann ein vorübergehender Besuch der Tate 18 Pfund übersteigen, ein unerschwinglicher Betrag für viele Kreative unter 30 Jahren, die weniger als den Mindestlohn verdienen. Laut einer aktuellen Studie ist das durchschnittliche Jahreseinkommen von Künstlern im Vereinigten Königreich auf 12.500 Pfund gesunken, was einem Rückgang von -40% gegenüber 2010 entspricht. In diesem Zusammenhang ist ein Museumsticket keine kulturelle Geste mehr, sondern ein Luxus. Und doch sind paradoxerweise genau diese Künstler das Lebenselixier des kulturellen Systems: Sie kreieren, kuratieren, inspirieren und bleiben dennoch von dem ausgeschlossen, was sie mitgestalten.

Ein versteckter Schlüssel in der Nähe der Tate

Als Reaktion auf diese Kluft wurde das Artist Membership Project ins Leben gerufen, ein Akt des kollektiven Widerstands mit dem Flair einer Punk-Performance. Die Idee ist einfach, aber wirkungsvoll: Kaufe Museumsmitgliedschaften, verstecke sie in Schließfächern, die über die ganze Stadt verteilt sind (vor allem in der Nähe großer Institutionen wie der Tate Modern), und teile die Koordinaten über eine WhatsApp-Gruppe unter Künstlern, Studenten und prekären Kulturschaffenden. Schnappen Sie sich die Karte, nehmen Sie kostenlos teil und legen Sie sie zurück. Ein geheimes, aber kollaboratives System, an dem in nur wenigen Monaten über 600 Personen beteiligt und Tausende von Pfund an Startgeldern eingespart wurden. Kunst, von elitär, wird zum Gemeingut.

Der Kurator Ben Broome, der hinter dem Projekt steht, definiert es als „ein Kunstwerk an sich, aber auch als politischen Akt“. Keine dauerhafte Lösung, sondern eine Geste des Protests: Die Institutionen, die inklusiv sein sollten, schließen sich zunehmend aus. Während große Museen die Ticketpreise aus strukturellen Gründen verteidigen, erweist sich das System für diejenigen, die es am Leben erhalten, als nicht nachhaltig. In der Zwischenzeit gehen die Karten von Hand zu Hand, unter denen, die sonst niemals einen Fuß in diese Galerien setzen würden.

Eine Provokation, die hilft

Das Projekt wurde nicht von allen begrüßt: Einige Museen, wie das Barbican, haben die am Netzwerk beteiligten Karten deaktiviert und dabei „verdächtige Aktivitäten“ angeführt. Aber andere, wie die Whitechapel Gallery, haben die Botschaft verstanden und interne Diskussionen begonnen. Die Frage lautet nicht mehr nur „wie viel kostet Kunst?“ aber „für wen ist es gemacht?“. In einer Zeit, in der wir (oft leer) über Barrierefreiheit sprechen, wirkt Broomes Geste wie ein Spiegel: Sie enthüllt die wirtschaftliche Fragilität der Künstlergemeinschaft und macht auf die inklusive Rhetorik von Institutionen aufmerksam, die selten von echten politischen Maßnahmen unterstützt werden.

Es gibt alternative Modelle: Das MoMA in New York bietet beispielsweise eine vergünstigte Mitgliedschaft für Künstler an, die mit einem einfachen Aktivitätsnachweis zugänglich ist. In Italien ist es dagegen immer noch schwierig, über kulturelle Zugänglichkeit zu sprechen, ohne in wohltätige Zwecke oder Ausnahmen abzugleiten. Der Punkt ist, dass ein junger Künstler, der sich heute keine Ausstellung leisten kann, morgen niemals Teil des Systems sein wird. Anstatt solche Projekte zu beenden, sollten wir ihnen vielleicht zuhören. Denn wenn Kunst wirklich öffentlich ist, sollte sie diejenigen nicht ausschließen, die sie schaffen.