Andrea Laszlo De Simones neues magisches und hermetisches Album Das neue Projekt der Singer-Songwriterin schwebt über den Dingen und castet „Una Lunghissima Ombra“ (A Very Long Shadow)

Nach langem Warten voller Teaser — von Singles, die an Silvester veröffentlicht wurden, überraschenden Ankündigungen und mysteriösen visuellen Projekten — wurde letzten Freitag endlich Una Lunghissima Ombra veröffentlicht, das neue Album von Andrea Laszlo De Simone: Singer-Songwriter aus dem Piemont, Regisseur, Komponist, Produzent, Himmelsdichter, kosmischer Botschafter und Familienvater (nicht immer unbedingt in dieser Reihenfolge). Sagen wir es gleich, ohne Angst vor Widersprüchen zu haben: Dies ist eines der wichtigsten italienischen Alben des Jahres. Das merkt man an der umfassenden Berichterstattung in der italienischen Presse — siehe die Titelgeschichten von Rolling Stone und Rumore —, aber nicht nur das.

Tatsächlich ist De Simone durch eine seltsame Wendung des Schicksals in Frankreich berühmter als hier in Italien. Um diesen Erfolg auf der anderen Seite der Alpen zu krönen, erhielt er 2024 auch den renommierten César Award für den Soundtrack des Films Le Règne Animal von Thomas Cailley (2023), besiegelt durch den schönen Titeltrack. Viele der Themen, die ihn im Film faszinierten, sind auch auf dem neuen Album präsent, wie die Vater-Sohn-Beziehung und die Verbindung zur Natur, „der Mensch, der als Kreatur verstanden wird, als Tier angesichts einer Realität, die unausweichlich scheint“.

Wer ist Andrea Laszlo De Simone

Eine kurze Zusammenfassung für diejenigen, die möglicherweise die früheren Kapitel verpasst haben. Andrea Laszlo De Simone ist ein Musiker aus Turin, der seine Karriere als Schlagzeuger begann, zuerst in der Band seines Bruders - Nadar Solo - und später im Projekt Anthony Laszlo (ein Duo mit seinem Gitarristenfreund Anthony Sasso). 2012 gab er schließlich sein Solodebüt mit Ecce Homo: ein selbstgemachtes, fast naives Album, das mit begrenzten Mitteln aufgenommen wurde - Lo-Fi eher aus Notwendigkeit als Wahl. Die ersten positiven Reaktionen kamen 2017 mit der Veröffentlichung seines zweiten Albums Uomo, Donna, das von den Singles Sogno l'amore und Vieni a Salvarmi angetrieben wurde. Um seinen zeitlosen Sound zu beschreiben, beriefen sich Kritiker auf einige große Namen aus dem italienischen Songwriting und der progressiven Musik der 60er und 70er Jahre, darunter Claudio Rocchi, Enzo Carella und frühe Alan Sorrenti — vor allem aber Lucio Battisti und Radiohead, mit ein paar mehr oder weniger expliziten Hommagen an letztere: Der letzte Track des Albums, Sparite Tutti, hat zum Beispiel genau das gleiche Schlagzeugmuster wie Weird Fishes (aus In Rainbows) und ist thematisch inspiriert von How To Disappear Completely (von Kid A).

Der eigentliche Durchbruch für den Singer-Songwriter aus dem Piemont kam jedoch 2019 mit der Veröffentlichung von Immensità, einer Vier-Track-EP (Immensità, La Nostra Fine, Mistero und Conchiglie) — oder alternativ einer 25-minütigen Suite in vier Kapiteln (Traum, Realität, Raum, Zeit). Während der Pandemie erschienen die seinen Kindern gewidmete Single Dal giorno in cui sei nato tu (2020) und der Konzertfilm Il Film del Concerto auf der Triennale (2021), der als eine Art „Reise von der Dunkelheit zum Licht“ gedacht war.

Wie De Simone selbst erklärte, war die Immensità-Suite „eine spiralförmige Reise, die sich auf die Ausarbeitung von Trauer konzentrierte und auf die Wiedergeburt abzielte“. Konzeptionell konnte ihr natürlicher Epilog nur die folgende Single mit dem Titel Vivo (2021) sein, als „Hymne an das Leben und seine unvermeidliche Fragilität“ — „All das stellt für mich den Weg ‚von der Dunkelheit zum Licht' dar; es war einfach wunderbar, ihn während der Dreharbeiten zu Il Film del Concerto zu erleben und aufzuführen.“ Da De Simones Musik jedoch fast immer ein Gefühl der Zirkularität aufweist, kam 2022 die andere Seite der Vivo-Münze (später zusammengefasst auf einer einzigen Platte mit 45 U/min) — mit dem Titel I Nostri Giorni. Die beiden Lieder, so der Künstler, „sind miteinander verbunden wie Freude und Traurigkeit, Tragödie und Trost, Leben und Tod.“

A Very Long Shadow: ein Album zum Anschauen, ein Film zum Anhören

Diese Zirkularität ist auch in der neuen Arbeit zu spüren, die am Freitag veröffentlicht wurde. Una Lunghissima Ombra beginnt wieder einmal mit der Dunkelheit des Eröffnungstracks und endet mit dem Titelsong, der in einer einzigen Strophe alles zusammenfasst, was vorher war — ich merke, dass ich erwachsen bin, ich sehe nur müde Gesichter/Und wenn der Abend kommt, werfe ich einen sehr langen Schatten — und somit eigentlich sowohl den Abschied als auch den Ausgangspunkt darstellt.

Das Album besteht aus insgesamt 17 Tracks, darunter 5 Instrumentalstücke — einen Prolog (Il Buio) und 4 Zwischenspiele (Neon, Diffrazione, Spiragli und Rifrazione) —, die als Kontrapunkt zu 12 aktuellen Songs dienen, die alle durch ein zentrales Thema verbunden sind, wie in einer echten „Oper“, die, in De Simones eigenen Worten, „die aufdringlichen Gedanken, die ständig präsent sind, repräsentieren sollte in uns, auch wenn wir an etwas anderes denken, und das wirkt sich lange aus Schatten über unserer Existenz.“

Wir sagen „sollten“, weil die Songs zwar ein gemeinsames Thema haben, es aber auch wahr ist, dass De Simone in ihnen immer eine kleine Geheimniszone hinterlässt: Es gibt sozusagen immer einen Schattenkegel — einen kleinen Rahmen, durch den der Zuhörer nur die Silhouette der Bedeutung erblickt, ohne sie vollständig in den Mittelpunkt rücken zu können. Dies zwingt den Hörer zu einer fantasievollen Anstrengung, um eine Bedeutungslücke in dem grenzenlosen Universum dieser Songs zu füllen, die sich manchmal erweitern und weit über die natürlichen Grenzen der Popmusik hinausgehen, mit Titeln, die 6, 7 oder sogar 8 Minuten dauern. Es ist, als ob De Simone an einem bestimmten Punkt das Ruder (gewährt oder) dem Zuhörer übergibt, der plötzlich, unwissentlich, zu einer Art „Buckleyan-Sternsegler“ wird, einem Sternennavigator, der seinen Kurs verloren hat und auf Sicht durch das Lied segelt und sich vom Instinkt und seiner eigenen Interpretationsfreiheit leiten lässt.

Denken Sie nur an das Coverbild, dessen Bedeutung bei den Fans viele Spekulationen ausgelöst hat: Ist es ein Spiegel, eine Vision, der Oortnebel, eine Straße im Nebel oder vielleicht viel einfacher der Rauch einer Rauchbombe, die von den Dreharbeiten zum Vieni a Salvarmi-Video übrig geblieben ist, wie De Simone später enthüllte. Die Bedeutung ist laut De Simone selbst „die Unvorhersehbarkeit des Lebens“. Und diese schwarze Linie, die manche für den Horizont hielten, ist „der Riss, der sich durch das Leben eines jeden zieht“. Selbst wenn De Simone gezwungen ist, Erklärungen abzugeben, geht er nie zu sehr ins Detail und zieht es vor, der Entscheidungsfreiheit des Zuhörers Raum zu lassen.

Um diesen Prozess zu erleichtern, enthält das Album auch eine visuelle Komponente, die der Einfachheit halber als „Film“ definiert wird, obwohl es völlig frei von Erzählungen ist und nicht wirklich als traditionelles Musikvideo, sondern als Videokunstwerk eingestuft werden kann. In der Praxis handelt es sich um ein audiovisuelles Projekt, das aus einer Reihe von „Filmgemälden“ besteht — statische Aufnahmen alltäglicher Orte, die dem Künstler besonders vertraut sind: die Stadt Turin von oben gesehen, eine Straße am Hang, ein Parkbaum, ein Rummelkarussell — gewöhnliche Orte, die bewusst ausgewählt wurden, um keine Aufmerksamkeit zu erregen, sondern die Fantasie des Betrachters anzuregen. „Ich wollte weg von der Sprache von Musikvideos, die dazu neigen, die Bedeutung von Songs einzuschränken, und stattdessen das Gefühl wiedergeben, das man hat, wenn man Musik über Kopfhörer hört, während man auf einer Bank sitzt und im Grunde nichts anstarrt“, erklärte der Künstler.

Das heißt nicht, dass es kein Konzept hinter dem Film gibt; wie De Simone weiter erklärt, ist es eine metaphorische Darstellung des Prozesses der Schattenbildung: Die statischen Aufnahmen stellen die Lichtquelle dar, die als Untertitel verwendeten Liedtexte repräsentieren das Objekt (das heißt, die aufdringlichen Gedanken, die im Kopf widerhallen), und die Musik repräsentiert den Schatten, den das Objekt wirft — dieses Gefühl von Unbehagen gemischt mit Melancholie, das, besonders auf bestimmten düsteren Herbstabende, ergreift uns und umhüllt uns wie eine Decke. Diese musikalischen Schatten bestehen aus konkreten Klängen (das Wehen des Windes, das Knistern des Feuers, das Fließen eines Flusses, das Hintergrundgeräusch der Stadt) und sorgfältig ausgearbeiteten Orchesterklängen, die sich bei Bedarf zu langen Übergängen ausdehnen, mit Chören, Streichern, Blechbläsern und unzähligen anderen alten und modernen Instrumenten, wie der Judenharfe, die zu Beginn von Aspetterò den Lauf der Zeit markiert.

Die musikalischen Referenzen sind mehr oder weniger die gleichen wie die, die in der Vergangenheit erwähnt wurden: Da ist der magische Flug von Rocchi in der Arie des frühen Sorrenti, der Flug zwischen den Wolken von Modugno, und der melodischere von Battisti, der an der imaginären und unmöglichen stellaren Kreuzung zwischen Umberto Bindi und Spiritualized's Ladies & Gentlemen We Are Floating in Space oder Mercury Revs Deserter's Songs. Eine Verschmelzung von Songwriting-Tradition und psychedelischer Pop-Moderne, die in der zeitgenössischen italienischen Musikszene ihresgleichen sucht. Es gibt auch Hinweise auf die eher elektronischen und dystopischen Sounds seines geliebten Radiohead, besonders im letzten Teil des Albums, wo sie in der synkopierten Struktur von Quello che ero una volta widerhallen und in etwas noch Kühnerem im unerwarteten Meisterwerk Non è reale gipfeln. Dies ist der einzige musikalische Einfluss, den De Simone in Interviews anerkannt und zitiert hat, da er oft gesagt hat, dass er kein großer Musikkenner ist, mit Ausnahme der Soundtracks der Filme, mit denen er aufgewachsen ist.

Es ist wahrscheinlich, dass die Hommage an das Thema Moon River, die in der Single La Notte zu finden ist, von dort stammt — ein verzweifelter Hilferuf — Wenn es jemanden gibt, der keine Angst hat, bitte ich, komm mir zu Hilfe — befreit von der Wut, die in Vieni a Salvarmi zu finden ist, und überlagert mit einer fröhlichen Melodie, die an ein italienisches Strandlied der 1960er Jahre erinnert. Der Effekt ähnelt in gewisser Weise der Musik von The Smiths, die es geschafft haben, Sie dazu zu bringen, schreckliche Dinge über funkelnde Melodien zu singen. Dieser starke Kontrast zwischen Musik und Thema ist ein wiederkehrendes Merkmal des Albums, das auch in umgekehrter Reihenfolge erscheint, wie in Pienamente, einem der wenigen Lichtschimmer, mit einem äußerst positiven Text, der dazu einlädt, das Leben in vollen Zügen zu genießen — musikalisch jedoch „klingt es fast wie ein Abschiedsbrief“.

Das letzte markante Soundelement ist die gefilterte Stimme, die vielleicht wieder an Radioheads Kid A erinnert. Aber während Thom Yorke sich dafür entschied, seine Stimme zu verzerren, um jegliche autobiografische Überschneidung zwischen ihm und dem, was er sang, zu vermeiden, benutzt De Simone seine echte Stimme aus anderen Gründen nicht: „Sie fühlt sich zu sehr in der Gegenwart verwurzelt, zu sehr in der Realität verankert. Und stattdessen neige ich, vielleicht aus persönlicher Neigung, dazu, Musik in einen magischen Kontext parallel zur Existenz zu versetzen, als ob sie auf einer Zeitlinie stünde, die direkt neben unserer verläuft.“

Kommen wir nun zu den „Objekten“. Unter den vielen aufdringlichen Gedanken, über die auf dem Album gesungen wird, bezieht sich einer der häufigsten auf das Schuldgefühl: Colpevole markiert seine Geburt, Quando seine anfängliche Ablehnung und Un Momento Migliore seine Akzeptanz. In dieser Trilogie über Schuldgefühle ist Colpevole das Lied, das uns durch harte, aber poetische Texte am stärksten in der Gegenwart und in unserer Verantwortung gegenüber dem Rest der Welt verankert. Die Eröffnung erinnert an Soldati von Ungaretti, nur dass hier nicht nur die Blätter fallen, sondern ganze Zweige - wie vom Wind abgeschnittene Äste//Aufeinander geworfen/Zwecklos/Nur zum Anzünden geeignet Diese Zweige sind wir alle, brennen wie unsere Strohschwänze brennen könnten: keine Anschuldigung, sondern ein Versuch, das Gewissen zu wecken, „weil sogar das Gewissen manchmal Fehler macht“.

Es ist kein Zufall, dass auf Colpevole sofort Quando folgt, die wunderschöne und neueste Single, die den Moment beschreibt, in dem unser Verstand versucht, unsere Widersprüche zu rechtfertigen und das Schuldgefühl zurückweist. Es ist ein ungeschickter Versuch menschlicher Rechtfertigung oder, wie De Simone sagte, „eine ungeschickte und doch zutiefst menschliche Suche nach Verständnis“ - Es ist die Schuld des Atems, zerbrechlich wie ich, wenn ich so viel leide, aber ich lebe/Es ist die Schuld der Stille, schüchtern wie ich, wenn ich dir nicht sage, was ich denke/Es ist die Schuld des Lärms, feige wie ich, wenn du es nicht schaffst zuzuhören.

Schließlich endet die Schuld-Trilogie mit der schmerzhaften Übernahme der Verantwortung in Un Momento Migliore, der an Silvester veröffentlichten Single, komplett mit einer Kostprobe von Amadeus' Countdown aus La notte Che Verrà. Derjenige, der diese Verantwortung übernimmt, ist keine Person, sondern die ganze Welt, die sich De Simone vorstellte, als wäre sie eine reale Person - eine anthropomorphe Welt, die sich ihrer selbst schämt.

Das ist nur einer der vielen aufdringlichen Gedanken, die einem beim Hören des Albums in den Sinn kommen, aber es gibt noch viele weitere — eingehüllt in Sound, gefangen in Worten, verloren und zerstreut im Rauch und Nebel des Coverbilds und der verschiedenen visuellen Rahmen dieses großartigen Projekts. „Poesie ist Poesie, wenn sie ein Geheimnis in sich trägt“, sagte Ungaretti, der nicht zufällig als Vorläufer der Hermetik gilt. Ähnlich scheint es in Andrea Laszlo De Simones Album noch viele Geheimnisse zu geben, die es zu lüften gilt: Es ist eine musikalische Hermetik, ein sehr langer Schatten, hinter dem sich immer noch viel Poesie verbirgt.