Die Minamorphosen Minas Transformationen auf ihren Albumcovern

Ivano Fossati im Vorwort zum Buch Mina. La voce del silenzio erzählt, wie der Tiger von Cremona, nachdem er 1978 die Bühne verlassen hatte, zu „ihrer eigenen Puppenspielerin“ wurde und die Fäden ihrer eigenen Masken im Schatten bewegte. Wenn wir darüber nachdenken, wurde der Mina-Kult, der uns bis heute fasziniert, genau in dem Moment geboren, als die Sängerin beschloss, sich aus ihrem spaltenden Leben zurückzuziehen und sich auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs den anbetenden und neugierigen Blicken des Fernsehpublikums und der Presse zu entziehen.

Genau durch diese Wahl der Abwesenheit, die sowohl schmerzhaft empfunden als auch bewusst strategisch war, beschloss Mina, in den Augen der Zuschauer physisch zu sterben, um als ästhetisiertes Bild wiedergeboren zu werden, das sich in eine unverwechselbare stilisierte Maske verwandelt. Dieses visuelle Bauprojekt, das sie zu einer Ikone machte, wurde durch ein künstlerisches Triumvirat ermöglicht, das sich aus dem Illustrator Gianni Ronco, dem Maskenbildner Stefano Anselmi und dem Fotografen und Grafikdesigner Mauro Balletti zusammensetzt, die seit über 50 Jahren die klanglichen und ästhetischen Metamorphosen der „Mutter des Schreis“ aufzeichnen. Anlässlich ihres sechsundachtzigsten Geburtstages werfen wir einen Blick auf die visionärsten und experimentellsten Cover ihrer Diskografie, die der wahre Motor ihrer Mythisierung waren.

Die transformistische Diva

Laut dem Semiologen Luciano Spaziante leben alle Albumcover von Mina in einem Paradoxon: der Persistenz des Subjekts durch seine Deformation. In jedem Cover sind die wahren Merkmale des Sängers, obwohl sie mit ständig wechselnden Ästhetiken und Inspirationen vermischt sind, nie vollständig verborgen. Jahre vor ihrem endgültigen Rückzug begann Mazzini zusammen mit ihren Mitarbeitern, mit ihrem eigenen Image zu spielen. In Quando tu mi spiavi in cima a un batticuore (1970) ist die Künstlerin beispielsweise im Schatten mit einem neongrünen Gesicht gefangen, während sie 1971 ein selbstbetiteltes Album veröffentlichte und dabei eine radikale Geste machte: Ihr elegantes Gesicht wurde durch das Foto eines kleinen Affen ersetzt.

Diese Wahl wurde von vielen als Provokation interpretiert, aber sie wurde tatsächlich von praktischen Notwendigkeiten diktiert: Mina war mit ihrer Tochter Benedetta schwanger und wollte nicht für neue Fotos posieren. In Altro (1972) trieb Gianni Ronco die Metamorphose auf fast expressionistisches Terrain vor: Minas Gesicht und Körper wurden in einer skizzenhaften, nervösen Linie neu gezeichnet, die an Egon Schiele erinnert. 1973 begann die Zusammenarbeit mit Mauro Balletti: In den Alben Frutta e Verdura und Amanti di valore tritt Mina mit kurzen, gehänselten Haaren auf, während sie eine Zigarre in der Hand hält, eingetaucht in eine Bokeh-Atmosphäre (später von Kate Bush in der internationalen Musikszene widerhallt).

Die „Minimierung“ der Kunstgeschichte

Ein Jahr nach ihrem Abschied erlebte Minas visuelles Experimentieren einen deutlichen Anstieg. 1979 veröffentlichte sie das Album Attila, auf dem sie völlig rasiert und ohne Schüler erscheint, mit von einem Regenbogen-Lutscher befleckten Lippen. Ronco und der Grafikdesigner Luciano Tallarini verfolgten ein drastisches Ziel: Minas Bild durch einen Kontrast zwischen Ungeheuerlichem und Kindlichem vollständig von früheren spalterischen Überresten zu reinigen (in Erwartung einer Ästhetik, die später in den frühen 2000er Jahren in Bjorks Musikvideo „Hunter“ zu sehen war). In den folgenden Jahren forderte Mina das Publikum mit immer extremeren Veränderungen heraus, ihr Körper bewohnt jede Form: In Kyrie (1980) verschwindet ihr Gesicht hinter der Uniform eines Hockeyspielers, in Salomè (1981) erscheint sie bärtig, während in Rane Supreme (1987) ihr Gesicht auf den hypermuskulären Körper eines Bodybuilders aufgepfropft wird.

Auf vielen Titelseiten wird Minas Gesicht zum Objekt einer systematischen „Verkleinerung“ der Kunstgeschichte. Zusammen mit Mauro Balletti hat die Sängerin die Bildphantasie aller Epochen kolonisiert: In Ti conosco mascherina (1990) sind ihre Gesichtszüge nach den Kanonen von Picasso und Matisse zerlegt, auf dem Cover von Olio (1999) eignet sie sich den rätselhaften Blick der Mona Lisa an, während sie in Caterpillar (1991) die stattlichen Formen eines Botero-Modells annimmt. Insbesondere dieses letzte Bild ist eine brillante sarkastische Reaktion, eine Möglichkeit, Pressekommentare zu ihrem Gewicht mit Ironie zum Schweigen zu bringen. Minas Bild wurde durch den ausgeklügelten Einsatz digitaler Postproduktions-, Fotomontage- und Manipulationstechniken einer Identitätsauflösung unterzogen.

Ihr Team orchestrierte echte technologische Transfigurationen, bei denen sich die Sängerin von einem Objekt oder einer Person in eine andere verwandelte: ein olympischer Athlet, der die Ziellinie in Leggera überquerte (1997), eine Andachtstafel in Dalla Terra (2000), eine Filmkamera in Sorelle Lumière (1992), Marmelade auf einem Oro Saiwa-Keks in Pappa di Latte (1995). Dieser zutiefst selbstironische Geist, der sich durch ihre visuelle Produktion zieht, findet ihren Höhepunkt in den Albumcovern in Zusammenarbeit mit Adriano Celentano, wo sich die beiden Künstler in von Disney inspirierte Charaktere oder, wie auf dem Cover von Le migliori (2016), in Damen mit einem offen kitschigen Stil verwandeln.

Ein zeitloser Mythos

Wenn wir an Mina denken, stellen wir uns fast augenblicklich eine stilisierte Figur in Schwarz und Weiß vor, gehüllt in Mysterium und Abwesenheit. Diese präzise ikonographische Operation hat ihre Wurzeln im Album Catene (1984), wo die Grafik systematisch begann, die Realität zugunsten des Mythos zu subtrahieren. In diesem Noir-Diptychon mit hitchcockischen Andeutungen hört Minas Gesicht auf, ein Porträt zu sein, sondern wird zu einem Schatten und Profil. Eine solch starke Bildsprache fasziniert Demna Gvasalia, die, besonders beeindruckt von diesen Aufnahmen, im September 2024 mit dem Künstlerteam an einer Kapselkollektion für Balenciaga zusammenarbeitete.

In den letzten Jahren sind Minas Metamorphosen an die Grenzen des Posthumanen vorgedrungen. Bereits mit Piccolino (2011) und Maeba (2018) verwandelte sich die Künstlerin in eine außerirdische Kreatur und vollendete damit eine Art Vergöttlichung, bei der sie endgültig von der Erde in die Galaxie wandert. Diese Ästhetik spiegelt die Strategie einer Ikone wider, die es heute durch Kollaborationen und neue Musikprojekte geschafft hat, Abwesenheit in eine digitale Allgegenwart zu verwandeln. Mit dem neuesten Album Gassa d'amante (2024) bestätigt der wegweisende Einsatz künstlicher Intelligenz für Cover und Visuals die Fähigkeit der Sängerin und ihres Teams, technologische Revolutionen zu bewältigen und nicht nur die Zukunft zu überstehen