Alles über das Genie von Daniel Blumberg, dem Komponisten von The Brutalist Der Oscar-nominierte Künstler, der Architektur zum Tanzen brachte

Daniel Blumberg ist ein englischer Musiker, Komponist und bildender Künstler, der der Öffentlichkeit bisher relativ unbekannt geblieben ist. Als Lieblingskandidat für den Oscar für die beste Originalmusik für The Brutalist ist er tatsächlich seit mehr als zwanzig Jahren mit verschiedenen musikalischen Projekten aktiv: vom Indie-Pop seiner ersten Band, die er gegründet hatte, als er gerade 15 Jahre alt war (Cajun Dance Party, 2005), über den Alternative Rock von Yuck (seine zweite Band, die 2011 gegründet wurde) bis hin zu seinen neueren Jazz-Experimenten mit Musikern des Londoner Cafe Oto. Er durchlief verschiedene Einzelprojekte (Oupa, 2011 und Hebronix, 2013) und drei Soloalben, die schließlich unter seinem eigenen Namen veröffentlicht wurden: Minus (2018), On&On (2020) und GUT (2023). Wir sprechen von einem vielseitigen und produktiven Musiker, der von der Academy als Newcomer angesehen werden mag — schließlich ist es nach The World to Come (2020) von Mona Fastvold erst das zweite Mal, dass er an einer Filmmusik arbeitet — aber für diejenigen, die in bestimmten Bereichen der Musikkritik tätig sind, ist er alles andere als ein neues Gesicht. Niemand hätte jemals erwartet, dass er unter den Oscar-Nominierten hervorsticht, auch weil sein Einstieg in die Welt der Filmmusik dank einer zufälligen Begegnung zufällig geschah.

Das Treffen mit Brady Corbet

Blumberg lernte den Regisseur von The Brutalist, Brady Corbet (und seine Frau Mona Fastvold), über Scott Walkers Produzenten Peter Walsh kennen, der 2018 sein erstes Soloalbum Minus produziert hatte. Walker, der 2019 leider verstorben ist, hatte beide früheren Filme von Corbet, The Childhood of a Leader (2015) und Vox Lux (2018), gedreht. Neben seiner Vergangenheit als Pop-Ikone bei den Walker Brothers war Scott Walker vor allem ein großer avantgardistischer klassischer Musiker und Komponist: Die musikalische Abstammung von Walker bis Blumberg zeigt sich in den vielen Gemeinsamkeiten, die ihre Schreibstile gemeinsam haben, sowohl in der Herangehensweise als auch im Ton. Wahrscheinlich war es genau diese Ähnlichkeit, die Corbet nach Walkers Tod dazu veranlasste, Blumberg für die Partitur von The Brutalist auszuwählen. Blumberg und Corbet hatten sich schon vor The Brutalist über den Weg gelaufen: 2017 hatte Corbet einen Text für Klangexperimente geschrieben, den Blumberg mit dem Saxophonisten Seymour Wright unter dem Namen Guo aufgenommen hatte. Im Jahr 2023 führte ihre gemeinsame Vision zu einer Reihe von filmischen Portraits unter der Regie von Corbet, die als Reaktion auf die Musik entstanden sind, die Blumberg für sein neuestes Album GUT aufgenommen hatte. Das Album befasste sich mit den Schmerzen einer Darmerkrankung, von der der Musiker nach einer Ansteckung mit COVID-19 heimgesucht wurde („Darm“ bedeutet wörtlich „Darm“), ein Thema, das Corbet in Bilder für das Albumcover übersetzte. Blumbergs nackter und verletzlicher Körper verrenkte sich auf einem Schwarzweißfilm, um die Spannungen eines vom Körper besiegten Geistes darzustellen.

Die kreative Besessenheit in The Brutalist

Auf die Frage nach den tieferen Gründen, die ihn dazu bewogen haben, die Partitur für The Brutalist zu komponieren, gab Blumberg an, dass er das Drehbuch gelesen habe und sich mit der kreativen Besessenheit des Protagonisten, gespielt von dem monumentalen Adrien Brody, der auch ein Oscar-Nominierter ist, im Einklang fühle. Als hyperaktiver Kreativer fühlte Blumberg sofort eine starke Verbindung zu dem persönlichen Kampf, der im Film dargestellt wird: insbesondere zu dem Risiko, „besessen und monomanisch von den eigenen Projekten zu werden, wie viel das in Bezug auf Opfer kosten kann und wie sich dieses Opfer auf die Beziehung zwischen Arbeit und Privatleben auswirken kann“, erklärte er in einem Interview. Ohne zu viel von der Handlung zu verraten, erzählt der Film die Geschichte eines jüdischen Architekten, László Tóth, der am Ende des Zweiten Weltkriegs aus Ungarn flieht und per Schiff in die Vereinigten Staaten auswandert. Nachdem er Schwierigkeiten hatte, sich anzupassen und mehr Tiefen als Höhen erlebt hat — einschließlich Heroinsucht und Armut — begegnet er einem wohlhabenden Magnaten, der sich für seine Arbeit begeistert und ihn beauftragt, ein großes Kulturzentrum zum Gedenken an seine verstorbene Mutter zu errichten. Dies markiert den Beginn seiner künstlerischen Wiedergeburt, obwohl die kreative Besessenheit des Protagonisten seine Arbeit auf verschiedene Weise behindern und schließlich auf alles verzehrende Weise mit ihr verschmelzen wird, was zum Höhepunkt des Films führt — den wir natürlich nicht spoilern werden.

Laut einer Pressemitteilung verstanden Corbet und Blumberg „sofort, dass die Musik eine entscheidende Rolle bei der Vermittlung der zentralen Themen des Films spielen musste, was teilweise auf die Schwierigkeit zurückzuführen war, die unbelebte Form der Architektur auf der Leinwand darzustellen“. Die Musik ist so integraler Bestandteil von The Brutalist, dass sie vor dem Film selbst beginnt und den Bildern vorausgeht. Blumberg komponierte eine monumentale Partitur: eine Stunde und zwanzig Minuten Originalmusik mit 32 Titeln, die einen Film unterstützen, der drei Stunden und zwanzig Minuten dauert, einschließlich einer speziell komponierten 15-minütigen Pause. Die Eröffnungssequenz enthält die vielleicht großartigste und imposanteste Musik der gesamten Partitur, da sie die anfängliche Projektion ganze zehn Minuten lang begleitet. Das mag für einen Film übertrieben erscheinen, fügt sich aber nahtlos in die Grafik, die Dialoge und die Umgebungsgeräusche ein und ist ein integraler Bestandteil des Erlebnisses. Seine Fließfähigkeit ist wahrscheinlich auf die Tatsache zurückzuführen, dass es in drei Teile geteilt ist und nicht als einzelner monolithischer Block dargestellt wird.

Die dreiteilige Eröffnung von The Brutalist

Der erste Teil der Eröffnung des Films mit dem Titel Ouvertüre (Schiff) ist der epischste und feierlichste, da er die Ankunft des Migrantenschiffs in den Vereinigten Staaten begleitet. Gleichzeitig hat es einen subtil beunruhigenden Ton und endet mit einem Bild der teilweise umgekippten Freiheitsstatue, die einen verzerrten und umgekehrten amerikanischen Traum symbolisiert. Der zweite Teil, der aus einer weinenden und melancholischen Klaviermelodie besteht, stellt das Hauptthema des Protagonisten dar — die Ouvertüre (László) —, die László Tóth in seinen Momenten der Einsamkeit und Verzweiflung begleitet, wie zum Beispiel in der ersten Bordellszene. Schließlich wird der dritte Teil — Ouvertüre (Bus) — von einem eindringlicheren und treibenderen Klang tiefer Blechbläser geleitet, wodurch ein Gefühl von Dynamik entsteht, als würden wir buchstäblich in den Film eintauchen, während der Vorspann läuft. Wie Blumberg selbst in verschiedenen Interviews erklärte, führt die Ouvertüre in die Kernthemen des Soundtracks ein, dient aber auch als Einführung in die wichtigsten Musiker des Künstlers — darunter Axel Dörner an der Trompete, Evan Parker am Saxophon und die Pianisten John Tilbury, Sophie Agnel und Simon Sieger — alles gemischt mit diegetischen Klängen: Industriegeräusche, sich drehendes Metall, knarrendes Holz und Hintergrundstimmen.

Die Verwendung von Diegetic Sound

Diegetischer Sound ist in allen Tracks des Soundtracks vorhanden. Durch diese sensorische Verwirrung drückt Blumberg Lászlós Orientierungslosigkeit aus, da er zunehmend von seinem Projekt besessen wird und letztendlich den Bezug zur Realität verliert. Irgendwann konnte selbst der Studio-Toningenieur „diegetisches Audio nicht mehr vom Klang einer Trompete unterscheiden“, erzählte Blumberg. In einigen Momenten von The Brutalist ruft das diegetische Audio stattdessen eine beunruhigendere Wirkung hervor, wie zum Beispiel im Thema Erzsébet, das gespielt wird, als László seine Frau wiedersieht, die ebenfalls den Holocaust überlebt hat, jetzt aber an einen Rollstuhl gefesselt ist. Der Track ist ein träges Jazz-Klavierstück, das mit Lászlós Thema beginnt und in das von Erzsébet übergeht und metaphorisch die romantische Vereinigung ihrer Seelen darstellt. Wenn Sie genau hinhören, können Sie im Hintergrund die Geräusche der Bahnhofszüge hören, kreischendes Metall, Kinderschreie und eilige Schritte — Elemente, die im historischen Kontext eine beunruhigende Wirkung haben. Es fühlt sich fast so an, als wäre das Denkmal Schuhe am Donauufer in Budapest plötzlich zum Leben erwacht und tanzt, um uns an die Vergangenheit der Protagonisten zu erinnern.

Wie Blumberg Brutalismus durch Musik repräsentierte

Blumbergs eigentliche Herausforderung bestand darin, einen Sound zu kreieren, der irgendwie den Brutalismus widerspiegelte, eine architektonische Bewegung, die sich einerseits durch eine minimalistische Struktur in Design und Rohstoffen und andererseits durch eine maximalistische Wirkung ihrer Gebäude auszeichnet. Aus diesem Grund verbindet der Soundtrack Momente intimer und schwebender Ruhe — wie die Kaskade von Tönen, die uns im Pornokino umhüllt, oder die Intermission von John Tilbury, in der wir sogar seinen Atem und den Regen auf das Glasdach fallen hören können — mit hektischeren und lauteren Momenten, wie denen im Jazzclub, live am Set von einem Ensemble aus Schlagzeug (Antonin Gerbal) und Saxophon (Pierre Rel), Kontrabass (Joel Grip) und Klavier (Simon Sieger).

„Über Musik zu schreiben ist wie über Architektur zu tanzen“

Laut Blumberg ist der Track, der konzeptionell am meisten versucht, Architektur in Musik zu übersetzen, der mit dem explizitesten Titel: Construction. Dies war das erste Stück, das speziell für den Film komponiert wurde. Es wurde im Cafe Oto in London mit dem berühmten präparierten Klavier aufgenommen, einem Instrument, das modifiziert wurde, um einen industrielleren Klang zu erzeugen. Ursprünglich von John Cage konzipiert, entwickelte Blumberg mit Hilfe der Musikerkollegen Billy Steiger und Tom Wheatley seine eigene erweiterte und erweiterte Version: „Wir steckten buchstäblich Schrauben, Clips und Gegenstände in die Klaviersaiten, um perkussive Klänge zu erzeugen, die Konstruktionsgeräusche nachahmten“, sagte Blumberg gegenüber Indiewire. Das Endergebnis ist eher konzeptionell und funktioniert in einer völlig entgegengesetzten Weise zum „industriellen“ Sound von Bands wie der deutschen Gruppe Einstürzende Neubauten (wörtlich „Collapsing New Buildings“), die dafür bekannt sind, den Lärm von Presslufthammern in ihre Tracks zu integrieren, um den Sound von Demolition nachzuahmen. In The Brutalist hören wir nicht den Krach eines Einsturzes, der uns inmitten der Trümmer zurücklässt, sondern das lange und geduldige Hämmern einer Konstruktion, die versucht, sich über den Rest der Gebäude zu erheben. Es gibt ein berühmtes Sprichwort, das besagt: „Über Musik zu schreiben ist wie über Architektur zu tanzen“, womit angedeutet wird, dass es etwas Absurdes oder, schlimmer noch, sinnloses ist. Mit dem Soundtrack von The Brutalist hat Daniel Blumberg das Unmögliche bewiesen.