Was wäre, wenn das neue „Nosferatu“ eine Analyse der weiblichen Sexualität wäre? Robert Eggers Horror konzentriert sich auf die Wünsche von Ellen, gespielt von Lily Rose-Depp

„Komm zu mir“. Komm zu mir. Die ersten drei Worte von Nosferatu von Robert Eggers reichen aus, um den Schlüssel zu verstehen, mit dem der Autor die Legende von Graf Orlok wiederbeleben wollte. Sexualität steht im Mittelpunkt der Arbeit des amerikanischen Regisseurs und Drehbuchautors, der zwei Jahre nach dem umstrittenen The Northman zurückkehrt und seine Vorstellungskraft wiederentdeckt. Er weigert sich, den großen Hollywood-Studios nachzugeben, obwohl er bei Universal bleibt. In Nosferatu konzentriert sich Eggers — wie schon 2015 in seinem Debütfilm The Witch mit Anya Taylor-Joy — auf die weibliche Dimension und macht Ellen, gespielt von Lily-Rose Depp, zur Protagonistin. Dem Regisseur gelingt es, die Vision des blutsaugenden Monsters neu zu schreiben und Konzepte wie Begierde und Scham in den Vordergrund zu stellen, widersprüchliche Emotionen, die oft mit einer Fleischlichkeit verbunden sind, die Frauen in der Vergangenheit vorgeworfen wurde. Vor allem in der viktorianischen Ära waren Frauen gezwungen, den Vorurteilen und Einschränkungen der Gesellschaft zu erliegen und unter ihnen zu leiden. Eggers Nosferatu spielt nach wie vor klassisch, die Geschichte spielt im Herzen des 19. Jahrhunderts. Diesmal beschränkt sich die Beziehung zwischen der weiblichen Figur und dem Bösen jedoch nicht auf oberflächliche Anziehung, sondern geht vollständig in Ellens desorientiertes und unterwürfiges Wesen auf. Ihre Anfälle und epileptischen Anfälle erinnern an eine italienische Tradition, die von Ernesto De Martino studiert wurde und die von den Ritualen des Tarantismus geprägt ist. Während jede Filmversion des Prinzen der Finsternis bisher auf eine mystische und zweideutige Verbindung zwischen der Jungfrau und dem Vampir hindeutete, intensiviert Eggers die vollständige Verstrickung des einen mit dem anderen (und umgekehrt) und macht das Monster buchstäblich zum skandalösesten, träge und sündigsten Teil der weiblichen Figur.

Die Melancholie von Ellen, auf die im Film wiederholt Bezug genommen wird, spiegelt das wider, was in zahlreichen anthropologischen Studien zu finden ist, die oberflächliche Einschränkungen und Zwänge mit den inneren Turbulenzen verbinden, die unzählige junge Frauen erleben, insbesondere in Kontexten von Armut und strengen religiösen Gebräuchen. Diese jungen Frauen, die versuchten, ihre unterdrückte Sexualität loszulassen und sich von gesellschaftlichen Ketten zu befreien, gerieten in tranceartige Zustände, in denen Tanzen und ungehemmte Körperbewegungen eine Befreiung von Konventionen symbolisierten, die sie lediglich als Töchter, Mütter und Ehefrauen definierten — immer zurückhaltend und gelassen. Es überrascht nicht, dass Ellen von Robert Eggers Nosferatu für ihre Schande hält. Sie drückt eine rohe und ausgeprägte Sexualität aus, die sogar die vorherrschende und einhüllende Erotik von Bram Stokers Dracula unter der Regie von Francis Ford Coppola übertrifft. „Ich bin dreckig“, erklärt das Mädchen, einfach weil sie in der Einsamkeit ihrer Kindheit Trost im fleischlichen Vergnügen suchte. Dieses unterdrückte Bedürfnis, das sich in ein schmutziges und unaussprechliches Geheimnis verwandelt hat, entfacht in Ellen erneut, als ihr frisch verheirateter Ehemann in die Karpaten geschickt wird, um ein altes Anwesen an einen exzentrischen und älteren Grafen zu verkaufen (oder, wie viele es nennen würden, für „ein großes Abenteuer“). Anstatt längere und süßere Flitterwochen zusammen zu verbringen, wird das Paar vorzeitig getrennt, und die Entfernung lässt die inneren Dämonen der Braut wieder aufleben.

Der Fluch entfesselt sich, der Körper hat Bedürfnisse, die nicht erfüllt werden können, und so kommt Nosferatu, dessen Verbundenheit zu Ellen genauso stark und aphrodisierend ist, wie das Mädchen zögert zuzugeben. Eggers ordnet die Geschichte in eine Dynamik von Unterdrückung ein, die mit Schuld und christlicher Bescheidenheit verbunden ist — für einen Film, der grundsätzlich christologisch ist, in dem wiederholt von „Erlösung“ und „Vorsehung“ die Rede ist, bis Ellen drei Nächte lang auf Nosferatu verzichtet, bevor sie nachgibt, ähnlich wie der Apostel Petrus beim Krähen des Hahns — und verleiht seiner Vampirgeschichte eine lebendige Bildsprache, in der das Monster, das unseren Frieden stört, ist letztlich ein Spiegelbild von uns selbst. In Nosferatu knüpft Eggers an die Tradition des expressionistischen Kinos an und huldigt ihr im ersten Teil, der später zu einem eindringlichen und stimmungsvollen Horror übergeht. Es mag zwar nicht die mythologische Esoterik von The Lighthouse erreichen, aber die Bilder fließen unnatürlich und magisch über den Bildschirm, was der Redakteurin Louise Ford zu verdanken ist. Der Prolog fasst den ganzen Horror zusammen, der sich entfalten wird, und Bill Skarsgårds Count Orlok ist ebenso abseits des Bildschirms wie präsent. Er nutzt eines der transformativsten schauspielerischen Talente seiner Generation und eine Stimme, die den größten Teil der Arbeit bei der Darstellung der Untoten leistet. Ein Parasit, der seiner Natur nach jeden Bissen Leben, dem er begegnet, verdirbt, während die Charaktere von Nosferatu versuchen, die Ausbreitung seines Fluchs aufzuhalten. Die Besetzung beschränkt sich nicht auf Thomas Hutter — diesmal gespielt von Nicholas Hoult — oder den Vampir, sondern umfasst ein ganzes Ensemble von Talenten. Nebencharaktere erhalten ihre Glanzmomente, von Friedrich und Anna Harding (gespielt von Aaron Taylor-Johnson bzw. Emma Corrin) bis hin zum unterwürfigen und makabren Mr. Herr Knock (Simon McBurney). Letztlich ist Nosferatu ein Werk über Urinstinkte und darüber, wie sie zu unterdrücken Gefahr läuft, sie in Albträume zu verwandeln — genau solche, die in einem Kino entfesselt werden können.