Die Mode bereitet sich auf ihre eigene „Odyssee“ vor Von Jonathan Anderson bis Zendaya sind Skulpturen überall

Für diejenigen mit einem guten Gedächtnis hatten sich Kritiker bereits 2022 an Kim Jones gewandt, weil er auf seiner ersten Fendi Haute Couture-Show eine von Rom und der Galleria Borghese inspirierte Kollektion mit marmorfarbenen Farbpaletten und Statuendrucken präsentierte, die sich ausgesprochen didaktisch anfühlten. Damals hätten wir uns kaum vorstellen können, dass viele Jahre später — vielleicht angespornt durch die Veröffentlichung von Odyssey von Christopher Nolan — Statuen ihren absoluten Glanzmoment auf Laufstegen und roten Teppichen erleben würden. Und was interessant ist, ist, dass von der griechischen Mythologie bis Südindien niemand ausgelassen wurde.

Zendaya und die Pressetour „Odyssey“

Wenn es eine Person gibt, die den „Statue-Core“ zum Mainstream gemacht hat (wenn wir es so nennen können), dann ist es Zendaya, die zusammen mit Law Roach die Odyssey-Pressetour in eine Wandergalerie mit lebenden Skulpturen verwandelt. Das Stück, das das Internet zum Erliegen brachte, ist das von McQueen entworfene Ensemble aus Givenchys Haute Couture Spring 1997 Kollektion, zu der auch eine Kopfbedeckung von Phillip Treacy gehört, die an alte Bronzehelme erinnert.

Dieselbe Kopfbedeckung wurde 1997 von Model Debra Shaw anlässlich ihrer Hochzeit getragen. Das Kleid hingegen ist weiß und drapiert und stammt natürlich aus einer Kollektion, die vollständig in der griechischen Mythologie verwurzelt ist. Ihr Titel, Die Suche nach dem Goldenen Vlies, bezieht sich auf den Mythos der Argonauten.

Es gab auch ein weiteres Schiaparelli-Kleid, das frisch vom Laufsteg kam. Es wurde buchstäblich vom Model im Studio übernommen und in einen Privatjet gesteckt, nur um rechtzeitig zum roten Teppich in London anzukommen. Sein Oberteil scheint aus geschnitztem Marmor zu bestehen und wird durch einen Fransenrock vervollständigt, der von perlweiß nach silber verblasst.

Noch vor der Landung in Europa hatte Zendaya jedoch bereits den Ton für die Tournee angegeben. Sie kam zur New Yorker Premiere des Films in einem weißen Seidenlook aus der Resort 2027-Kollektion von Khaité an, der an der Taille mit einem geflochtenen Ledergürtel mit goldenen Details umschlossen war. Ein Stück, das dennoch mit demselben „skulpturalen“ Vokabular spielt: Das fließende Drapieren, das am Körper entlang gleitet, erinnert an den Chiton griechischer Statuen — was uns die Kunstgeschichte gelehrt hat, die Technik der „nassen Draperie“ zu nennen, bei der der Körper durch die Falten des Stoffes definiert wird.

Die Skulptur der Haute Couture

Auf der Pariser Haute Couture-Woche dieser Saison wurde das Thema Statuen fast wörtlich genommen. Rahul Mishra ließ sich für die Kollektion Devi: The Eternal Muse von den Basreliefs südindischer Skulpturen inspirieren: hautfarbene Stücke, die einen Trompe-l'œil-Effekt erzeugen, Handstickereien, die die Textur von Stein imitieren, dramatische Drapierungen und Kopfbedeckungen, die aus einem alten östlichen Tempel hervorgegangen zu sein scheinen.

Das Ergebnis ist eine Reihe von Looks, die die Modelle in steinerne Gottheiten verwandeln und sie in den Farben Basalt, Bronze, Sandstein und Speckstein mit Zardozi-Stickereien verzieren, die reich an Steinen und Perlen sind. Die indische Handwerkskunst wurde durch eine Zusammenarbeit mit Sumant Kumar, einem Tonmeister, gewürdigt, mit dem die Marke Kopfbedeckungen kreierte, die von den zeremoniellen Kronen alter indischer Skulpturen inspiriert waren.

Bei Standing Ground, der 2022 vom irischen Designer Michael Stewart gegründeten Marke, brachte das Couture-Debüt dieselbe Obsession für den geformten Körper mit sich, aber aus einer völlig anderen Perspektive. Stewarts skulpturale Referenzen kommen eher einem modernen Studio nahe; die Draperie, die mit fast wissenschaftlicher Präzision hergestellt wurde, umhüllt den Körper und verleiht ihm die gleiche Plastizität wie eine Skulptur.

Dennoch verzichtet er nicht auf Leichtigkeit oder taktilen Komfort. Ein Samtoberteil in kompakten Sandtönen erinnert an die Textur einer versteinerten Düne, während ein kanariengelbes Kleid auf der Vorderseite eine Reliefstruktur aus stoffbezogenen Perlen aufweist, die das Skelett eines versteinerten Fisches nachahmt.

Lynda Benglis eingefrorene Gesten, aus der Sicht von Dior

Schließlich präsentierte Jonathan Anderson auf der neuesten Haute Couture-Show von Dior eine Kollektion, die direkt auf die Arbeit der amerikanischen Bildhauerin Lynda Benglis reagiert. Ihre Arbeiten, die oft als „eingefrorene Gesten“ beschrieben werden, scheinen die Materie während der Bewegung festzuhalten, und genau diesen Effekt wollte das Atelier von Dior durch Plissieren, Knoten und Drapieren nachstellen, wodurch die Stoffe wie frisch gefaltetes Papier oder in der Luft gegossener Gips aussehen.

Irisierende, glitzernde metallische Stoffe ahmen die für Benglis charakteristischen malerischen Effekte nach, während ihre Peacock-Serie, inspiriert von indischer Handwerkskunst, in Blumenstickereien und Perlenstickereien umgesetzt wird, die an Pfauengefieder erinnern. Die Kollektion feiert also gleichzeitig Ahmedabad in Indien und Santa Fe in New Mexico, die beiden Städte, die die Reise des Künstlers am stärksten geprägt haben. Taschen wie die Petit Dîner und die Lady Dior sind mit Fragmenten von Chintz und Indiennes aus dem 18. Jahrhundert verziert, und der Schmuck — aus Perlmutt, Bergkristall und geschnitztem grünem Onyx — erinnert an die Smaragde von Rajasthan.