Jonathan Andersons Knoten für Dior Haute Couture SS27 Zwischen Farnen und Skulpturen hellt sich die Dior-Frau auf, ohne die Materialität loszulassen

Zwei waren die Teaser-Bilder, die Jonathan Anderson im Vorgriff auf die Dior Haute Couture SS27-Show veröffentlichte, die gerade in Paris stattgefunden hat: ein Wald aus Farnen und die Künstlerin und Bildhauerin Lynda Benglis bei der Arbeit porträtiert, gefolgt von einem Videoclip, in dem sie über die Schnittstelle zwischen dem Verständnis der Welt, der Vereinigung verschiedener Materialien und der Persönlichkeit spricht. Und Benglis Werke — geschwollen, metallisch, intensiv taktil und chromatisch, ausgedehnt wie natürliche Konkretionen — hatten sicherlich die Recherche nach Volumen und Ästhetik mehrerer Looks in dieser Kollektion inspiriert, in der Anderson seine Vision für Dior Haute Couture verfeinert und fokussiert hat.

Und vielleicht war es genau dieses Bemühen, den Geist der Maison zu verstehen und in ihn einzutauchen — ein Prozess, der mit der systematischen, einheitlichen Arbeit in allen Kollektionen der Marke einhergeht —, das vom ersten Blick an zum visuellen Thema der Show führte: der Knoten. Ein dekoratives Motiv, aber auch ein Problem, das gelöst werden muss. Beginnend mit dem großen Wollschal an der Vorderseite, der die Ausstellung eröffnete, wurde das vorne geknotete Kleidungsstück sowohl zu einem dekorativen als auch zu einem strukturellen Element einer Kollektion, die im Vergleich zur Vergangenheit dennoch etwas von dem ausgeprägteren Konzeptualismus der allerersten Couture-Schau verloren hat. Eine länglichere Silhouette, fokussiertere Looks, die mit einer virtuosen Kostbarkeit bei der Suche nach Materialien einhergehen mussten.

Auftauchen aus dem Unterholz

Die Abfolge der Looks folgte dem Übergang von der Tages- zur Abendgarderobe. Beim ersten Look ging es ausschließlich um das Gleichgewicht der Texturen: die flüssige Qualität der Hose und des Hemdes, das volle und poröse Gewicht des großen geknoteten Wolltuchs — fast eine Textilskulptur — und schließlich die metallische Qualität der Kopfbedeckung. Nach dem zweiten Look mit einem weiteren voluminösen, geknoteten Wollcape kamen eine Reihe von plissierten Kleidern hinzu, die metallischen Schimmer mit floralen Verzierungen vermischten. Nach einer schimmernden Barjacke mit Fransen wichen Looks, die zwischen Kleid und Oberbekleidung schwebten, stark plissiert und kräftig.

Zu diesem Zeitpunkt, als alle Leitmotive der Ausstellung festgelegt waren, begann eine fast barocke Reihe von Variationen, die auf den Themen Knoten, Falten, Metall und Blumenästhetik aufbauten. Einige Looks, die eher eng anliegend waren, bestanden aus Hunderten von Tüllblättern, die zusammengefügt wurden. Ein besonders schönes Ensemble — das dreiundzwanzigste — war aus schwarzem und weißem Satin, geknotet und ebenfalls asymmetrisch. Dieses Ensemble (obwohl es in der gesamten Show auch andere Beispiele gab) demonstrierte am besten die ästhetische und konstruktive Vision, die Anderson für die Marke hat, mit eleganter Schlichtheit.

Es gab Jacken, deren Revers zu einem wogenden Knoten wurde, rote, plissierte Cape-Kleider wie Blumenglocken, schillernde Schlagröcke und ein unglaublich sauberes Trapezkleid, dessen Säume sich zu ätherischen Spiralen zusammenrollten. Andere Looks mit hoch taillierten Ballonröcken aus Verbundwerkstoffen erinnerten eher an die Kunst von Lynda Benglis. Die Taschen — alle sehr schön, aufgeteilt in Minaudières, trapezförmige Taschen mit Fransen und Clutches aus plissiertem Kunstmetall — waren alle auffallend stark. Die Schuhe setzten unterdessen das botanische Thema und die floralen Verzierungen fort, die Anderson bereits in früheren Kollektionen untersucht hatte.

Ein Materialkonflikt

Es wurde festgestellt, dass diese Show deutlicher als zuvor eine selbstbewusstere und sinnlichere weibliche Silhouette zeigte. Dies liegt daran, dass Andersons Forschungen zu Materialien und Konstruktionen — die ausgesprochen avantgardistisch und konzeptionell sein können — ihn weiterhin zu Stoffen und Texturen hinziehen, die oft sehr dicht und schwer sind. Diese Texturen, kombiniert mit den voluminösen Knoten und Schleifen, die die Architektur der Kleidungsstücke definieren, neigen dazu, die natürliche Silhouette des Körpers zu überschreiben, anstatt ihr zu folgen. Ein Konflikt zwischen Gewichten und Texturen, symbolisiert durch eine lange Barjacke, deren Körper aus einer Art schwerer, zotteliger Wolle bestand, die, als sie bis zu den Knien hinabfiel, allmählich zu einer unfühlbaren Schleppe wurde.

Man neigt daher dazu, eine Anhäufung sehr unterschiedlicher Texturen zu beobachten, die in Kombination mit einer Reihe von Verzierungen und Techniken auftreten — vor allem bei Looks, die mit kräftigen Knoten geschmückt sind, oder solchen, die gleichzeitig mit Applikationen verziert sind, die nach hinten offen sind und dann mit einem großen Fächer versehen sind; oder auch bei solchen, bei denen die oberen Schichten ein gewisses Gewicht tragen. Und doch funktionieren die Konstruktion und Konzeption der Kleidungsstücke sowie die Arbeit an Farbe und Materialien am besten, wenn sie dem Körper mehr Freiheit geben, zu atmen und sich zu entfalten. Das schlichtere Aussehen brachte Andersons Sensibilität perfekt zur Geltung und wirkte direkter und eleganter.

Dior ist eine Maison, die seit ihrer Gründung nie an Volumen oder Materialien gespart hat. Das ist allgemein bekannt. Es ist aber auch eine Maison, die trotz ihrer oft komplexen und stark gegliederten Volumen die weibliche Form durch eine sehr scharfe und präzise Silhouette zelebriert hat. Man konnte sozusagen immer die Frau unter dem Kleid sehen — wohingegen hier bei bestimmten Looks die menschliche Form völlig verborgen ist, fast untergetaucht unter exquisiten und hervorragend verarbeiteten Materialien, die die Frau jedoch eher „tragen“ als von ihr getragen zu werden. Für Anderson, einen Designer mit großem Intellekt, mag die Welt von Dior wie ein gordischer Knoten erscheinen — so komplex, dass man besser daran täte, ihn mit einem einzigen Strich in absoluter Schlichtheit zu durchbrechen.