Lernen Sie die neue IFM-Generation auf der PFW kennen Die 23 Studenten des Master of Arts in Modedesign und Strickdesign haben die Paris Fashion Week eröffnet

Es ist ein Ritual, das jetzt tief im Modekalender verankert ist. Am ersten Tag der Pariser Modewoche, manchmal in den frühen Morgenstunden, öffnen sich die Türen dieser renommierten Schule für eine Menge von Fachleuten, Journalisten, Käufern — und neugierigen Zuschauern, von denen einige selbst Profis sind —, die die Arbeiten der Schüler entdecken wollen. Das für seine Strenge bekannte Programm kombiniert akademische Beratung mit praktischem Eintauchen in Praktika in einigen der weltbesten Modehäuser. Mit einem Fuß in der Schule, mit dem anderen schon in der Branche. Zwischen anspruchsvoller Handwerkskunst, Textilwissenschaft und intimem Geschichtenerzählen erkunden diese Studierenden die Bruchlinien einer sich ständig verändernden Modelandschaft.

An einem klaren, frühen Nachmittag weht eine leichte Brise, die bereits auf Frühling hindeutet. Hinter den riesigen Glasscheiben der Schule weht ein weiterer Wind: einer von dichter, großzügiger, manchmal radikaler Kreativität, die sich hemmungslos ausdrückt.

Für Paula Lessel beginnt die Recherche mit einer einfachen Geste. „Ich war besessen von diesem Prozess, bei dem Papierstücke gefaltet und zerknittert werden“, erklärt sie. Aus dieser Besessenheit entsteht eine Methode. „Die Kollektion basiert auf einer Technik, die aus etwas Einfachem, wie einem Rechteck, etwas Komplexes macht.“ Der Ausgangspunkt ist fast kindlich, das Ergebnis ist skulptural. Silhouetten wirken gezackt, gefangen in einer komprimierten Bewegung. „Die Kollektion dreht sich um das Wort ‚Schwarm': Es kann etwas Schweres, Entmutigendes, aber auch Zärtliches sein — wie verknallt sein, verliebt sein“, fügt sie hinzu. „Ich möchte, dass die Menschen diese Dualität spüren.“

Ihr Ansatz geht noch weiter. Mit Unterstützung von LVMH ist sie eine von drei Studierenden, die Zugang zu Limn.ai erhalten haben, einer künstlichen Intelligenz, die nicht dazu dient, die Produktion zu beschleunigen, sondern Kreativität anzuregen. In einer Zeit, in der KI sowohl Hoffnung als auch Angst hervorruft, wird ihre Rolle in der Mode immer noch heftig diskutiert. In Paulas Arbeit gerät das digitale Tool in ein Spannungsfeld mit der häuslichen Materialität: Sie verwendet Haushaltsstoffe — Tischdecken, Quilts, vertraute Textilien — neu und erzeugt den Eindruck von Alltagsgegenständen, die neu erfunden wurden. Die beruhigende Intimität eines Zuhauses trifft auf das schwindelerregende Potenzial einer neuen, ungeregelten Technologie.

Zuhause als Labor steht auch für Mingrui He im Mittelpunkt, dessen Kollektion den Titel Make Yourself at Home trägt. Auch hier wird der häusliche Raum zum Experimentierort. In einem Bereich, in dem sich Technologie kalt und unpersönlich anfühlen kann, führen diese Referenzen Emotionen, Erinnerung und menschliche Berührung wieder ein.

Am anderen Ende des Spektrums verbindet Patrick Garvey Mode mit harter Wissenschaft. Seine Kollektion Chromatic Alchemy verkörpert diesen hybriden Ansatz. „Ich habe die Rolle eines Wissenschaftlers übernommen“, erklärt er. Er entwickelte experimentelle Techniken: „Ich entwickelte Verfahren wie Kristallisation, um Stickereien in Strickwaren einzubetten, und Methoden, um Flüssigkeiten in gestrickte Strukturen einzukapseln.“ Er fügt hinzu: „Meine Kollektion ist von Natur und Hybridisierung inspiriert.“ Durch die Integration von Chemie und organischen Phänomenen erinnert er uns daran, dass Mode nicht isoliert gedeiht. Um relevant zu bleiben, muss es sich mit seiner Zeit auseinandersetzen, den Dialog mit anderen Disziplinen führen und wissenschaftliche, ökologische und gesellschaftliche Fragen reflektieren.

Parallele Realitäten schaffen, etablierte Narrative überdenken — dieser rote Faden zieht sich durch die Arbeit von Maja Lenhard. Aus Süddeutschland heraus dekonstruiert sie mit Es war einmal eine Lüge Märchen. „Ich komme aus Süddeutschland, wo Märchen enorm wichtig sind“, erklärt sie. Hinter den glatten, desinfizierten Bildern spürt sie verborgene Schatten nach. „Meine Sammlung stützt sich auf die Backstage dieser Geschichten. Sie sind tatsächlich feministisch und nicht so konservativ, wie wir denken.“ Ihre Silhouetten nehmen Archetypen an, nur um sie zu verdrehen: veränderte Korsetts, Volumen, die die Linien des Körpers verschieben, Stickereien, die mehrdeutigere Lebensszenen darstellen als die festen Bilder passiver Prinzessinnen. Weit entfernt von Geschichten, in denen Frauen darauf warten, gerettet zu werden, beleuchtet sie aktive Figuren voller Widersprüche, die ihr Schicksal selbst gestalten. Kleidungsstücke werden zu Instrumenten des Umschreibens.

Borja Fernández Garcías Ansatz ist eher introspektiv. „Wir alle haben diese inneren Stimmen und Schatten, die uns glauben lassen, dass wir nichts erreichen können.“ Dieser stille Kampf materialisiert sich in Stücken, die er als „strukturierte Stücke beschreibt, die unabhängig voneinander zu existieren scheinen, im Dialog mit dem Körper“. Die Kleidungsstücke kleiden sich nicht mehr nur: „Sie wurden so entworfen, dass sie so aussehen, als ob sie um den Körper herum schweben.“ Hängend, teilweise losgelöst, schaffen sie einen Raum zwischen Körper und Material. In diesem Dazwischen liegt das Wesentliche: die Chance, persönliche Schatten zu werfen, Zweifel in Volumen zu verwandeln, Fragilität in Architektur.

Bei diesen vier Ansätzen ist eines klar: Die nächste Generation betrachtet Mode nicht mehr als formelle Übung. Sie behandeln es als ein weites Feld, das von Technologie, Wissenschaft, Psychologie und populären Erzählungen durchzogen ist. Zwischen Handwerkskunst und künstlicher Intelligenz, Wissenschaft und verdrehten Märchen, Selbstbeobachtung und Hybridisierung prägen diese Studierenden eine Disziplin, die durchlässig, ja widerspenstig ist — eine, die sich nicht an starre Grenzen binden lässt.