Dries Van Notens Nostalgie für die Zukunft Eher ein Abschied als ein Abschied für den belgischen Meister

In seiner Botschaft, die am Ende der Notizen zu seiner letzten Show als Creative Director enthalten war, zitierte Dries Van Noten Marcello Mastroianni und seine „Nostalgie für die Zukunft“, eine Art Romantik des Blicks nach vorne, und fügte hinzu, dass diese Show kein großes Finale darstelle. Nichtsdestotrotz war die Atmosphäre märchenhaft: Nur sehr wenige Prominente, eine Reihe von Liebhabern der Marke und langjährige Kunden, vor allem aber ein selten gesehenes Treffen von Modegrößen kommen zusammen, um einen Weggefährten, einen Kollegen und einen Freund bei seinem Schwanengesang zu feiern. Ann Demeulemeester, Walter van Beirendonck, Haider Ackermann, Glenn Martens, Thom Browne, Diane von Frustenberg, Pierpaolo Piccioli und laut akkreditierten Quellen sogar Martin Margiela, der anonym im Publikum anwesend war und aus seiner (mangels besseren Bedingungen) Abgeschiedenheit hervorging, um Van Noten zu feiern. Das Thema „Nostalgie für die Zukunft“ bedeutete für Van Noten, seine letzte Show nicht als Playlist seiner größten Hits zu behandeln — was bedeutet hätte, sein Werk an einen klar definierten Anfang und ein Ende zu binden, es für die Zukunft abzufüllen, sondern es in ein Museum zu verwandeln, ihm die vitale Dynamik zu nehmen und es in eine eigenständige Anatomie zu verwandeln. Stattdessen zog es Van Noten vor, ein möglichst raffiniertes Werk zu produzieren und hinterließ der Szene ein offenes Ende, das den Abschluss seiner Reise mit dem Beginn eines neuen Weges überbrückt. Es ist kein Zufall, dass der Designer betonte, dass er nicht einfach in den Ruhestand gehen, sondern die Marke weiterhin als eine Art Mentor betreuen wird.

Gerade weil die einzige Nostalgie, die gegenwärtig ist, die der Zukunft war, konzipierte Van Noten eine Meditation über die Eleganz von heute, wobei er immer über die klassischen Grenzen der Kleidung hinausging, um Archetypen in etwas Fortschrittlicheres zu verwandeln. Die Kollektion wurde von zweireihigen und einreihigen Anzügen und Mänteln mit länglichen Silhouetten und fließenden Profilen dominiert. Viele Oberteile waren länger als üblich und leicht ausgestellt, sodass Strickwaren, Tuniken und Kleider zu einer herrlich undeutlichen Mischung verschmolzen waren. Die Idee des Layerings wurde auf den Kopf gestellt und es entstanden Looks aus Hosen oder Hemden aus transparentem Organza, „normalen“, aber ätherischen Kleidungsstücken, die in durchscheinenden Volumen schweben. Der Eindruck einer länglichen Silhouette wurde auch dank der extrem hoch taillierten Hose erzielt. Die sichtbare Überlagerung verschiedener Stücke definiert den Körper neu und umarmt ihn auf der einen Seite und macht auf der anderen Seite die Materialien selbst und ihre Behandlungen zu einem Vehikel für das Gefühl von Lebendigkeit und Geschichte, das Van Noten vermitteln wollte: „Bevor ein Kleidungsstück getragen wird, ist es mit Geschichten codiert“, heißt es in den Anmerkungen zur Ausstellung. „Bevor ein Kleidungsstück getragen wird, wird es mit Geschichten verschlüsselt. Wenn Design von einem persönlichen Ort kommt, ist jedes Detail und jede Entscheidung bedeutsam. Materialien zeugen von Zeit und vermitteln Emotionen; wie sie behandelt oder verändert werden. [...] Kleidung, die mit uns durchs Leben geht und uns voranbringt.“ Und wie weit vorne: da war ein Herrenmantel mit Fischgrätmuster in Kreideweiß, bedeckt mit einem bewusst verblassten Blumendruck; eine Jacke, deren Damastmuster an den Rändern und am Revers leuchtete und etwas Safran oder Gold nahe kam; Drucke, die um ein Hosenbein herum verblassten, aber auch auf Hemden aufgetragen wurden, die so leicht waren, dass sie halbtransparent waren, sowie Teile, die mit einer unsichtbaren Glanzschicht bedeckt waren, fast wie chinesischer Lack, und Revers, die, als er auftauchte, enthüllte er neue Farben. Die Liste ließe sich fortsetzen, aber die Looks anzuschauen ist einfach tausendmal besser, als sie in Worten zu beschreiben.

In der Kombination und Gegenüberstellung der Materialien konnte man den Gedanken funkeln sehen: schwere und leichte Baumwolle, Leinen und Organza, Wolle gepaart mit Neopren, Baumwolle und Seidenpongee, Pythonleder und Jersey, aber auch metallische Oberflächen, die flüssigem Quecksilber ähneln, zerknitterte Polyamide, recycelter Kaschmir — eine Auswahl von Materialien, die in der Malerei Sfumati, Chiaroscuros und all die visuellen Kunstfertigkeiten, die den visuellen Reichtum eines flämischen Gemäldes ausmachen. Die Idee war, wie immer, zu versuchen, einen Funken von etwas Gewöhnlichem zu entzünden, die Bedeutung eines bestimmten Kleidungsstücks durch eine nur scheinbar widersprüchliche Kontinuität, die illusorische Schwere eines Stoffes, die Virtuosität der Kontraste, subtile, aber heimlich skurrile Details wie den femininen Look, bei dem eine grüne transparente Tunika einen langen grauen Blazer bedeckt, gepaart mit beigen Shorts, die mit demselben grünen transparenten Organza bedeckt sind, zu erwecken. Als weitere dekorative Elemente wurde in erster Linie eine japanische Technik namens Suminagashi verwendet, bei der marmorierte Tintenmuster auf Wasser erzeugt und dann auf Stoff übertragen werden, wodurch einzigartige und zufällige Designs entstehen, die zuvor nicht bestimmt werden konnten. Es gab auch botanische Drucke mit großen Blättern und Blüten sowie prächtige Stickereien mit Goldreliefs und Edelsteinen, die sich wie Schlingpflanzen an Ärmeln, Schultern und Revers verhedderten. An den Füßen gab es dekonstruierte Stiefel, zahlreiche Sandalen und Flip-Flops, aber auch klassische Loafer und Babouches im marokkanischen Stil, die orientalische Anregungen mit bereits neu erfundenen westlichen Kleidungstopoi vermischten. All dies in den unterschiedlichsten Farben: von den ersten und letzten Schwarz bis hin zu Marineblau, Ecru, Zement, Grau, Rosa, Oliv, Burgund, Gold und Silber, Pfirsich, Rost, Limette, Türkis — alles gesättigte Farbpaletten, die in Ton und Intensität variierten, je nachdem, ob sie auf normale, glänzende oder transparente Stoffe aufgetragen wurden.

Es gab auch Platz für eine gesunde Nostalgie für die Vergangenheit: Das Model, das die Show eröffnete, Alain Gossuin, war zum Beispiel dasselbe, das Van Notens allererste Show vor 38 Jahren eröffnet hatte. Und es ist zu vermuten, wenn es stimmt, dass Margiela selbst anwesend war, dass die kollektiven Emotionen von Van Noten selbst und seinen Kollegen und Designerfreunden unglaublich hoch waren, wie das letzte Kapitel einer langen Saga, in der sie alle wie so viele andere als Modestudenten begannen. Es war jedoch klar, dass diese Show eine Feier dieser Zuneigungen sein würde, sozusagen eine Heimkehr sowie der Höhepunkt einer Karriere in einer Modewelt, die sich zunehmend dramatischen Veränderungen gegenübersieht. Wir erinnern uns an ein Interview, das er letztes Jahr dem WWD gegeben hat: „Die ganze Promi-Situation gerät irgendwie außer Kontrolle. Eine Berühmtheit auf dem Laufsteg zu haben, eine Berühmtheit im Raum zu haben... jetzt denke ich, in den Kritiken geht es mehr darum, wer in der ersten Reihe sitzt, als darum, worum es in der Kollektion ging. Mode verdient für mich viel mehr, als auf so etwas reduziert zu werden.“ Wenn er sich nicht von der Szene zurückziehen wollte, und nur der Sammlung nach zu urteilen, hätte Van Noten noch viel mehr zu sagen und zu tun gehabt. Nichtsdestotrotz sagt uns der Mensch Dries Van Noten, indem er eine lange und ehrenvolle Karriere beendet und an diesem Punkt seines Lebens ein neues Kapitel aufschlägt, dass man im Leben vorankommen muss oder vorangetrieben werden muss, genau wie in der Kunst; dass die Vergangenheit nicht die letzte Zuflucht der Gefühle ist und dass es Reichtum ohne Prahlerei, Intelligenz ohne Anmaßung und Leidenschaft ohne Erschöpfung geben kann.