Novo álbum mágico e hermético de Andrea Laszlo De Simone O novo projeto da cantora e compositora paira sobre as coisas, lançando “Una Lunghissima Ombra” (A Very Long Shadow)

Depois de uma longa espera repleta de vários teasers — desde singles lançados na véspera de Ano Novo, anúncios surpresa, e projetos visuais misteriosos —, na passada sexta-feira viu finalmente o lançamento de Una Lunghissima Ombra, o novo álbum de Andrea Laszlo De Simone: cantor e compositor do Piemonte, diretor, compositor, produtor, poeta celestial, mensageiro cósmico, e homem de família (nem sempre necessariamente nessa ordem). Digamos desde já sem medo de contradição: este é um dos álbuns italianos mais importantes do ano. Pode-se dizer pela extensa cobertura que recebeu na imprensa italiana - veja as reportagens de capa da Rolling Stone e Rumore - mas não só isso.

Com efeito, por uma estranha reviravolta do destino, De Simone é mais famoso em França do que aqui em Itália. Para coroar este sucesso nos Alpes, em 2024 recebeu também o prestigiado Prémio César pela banda sonora do filme Le Règne Animal de Thomas Cailley (2023), selado pela bela faixa título. Muitos dos temas que o fascinaram no filme também estão presentes no novo álbum, como a relação pai-filho e a ligação com a natureza, “o ser humano entendido como uma criatura, como um animal face a uma realidade que parece inevitável”.

Quem é Andrea Laszlo De Simone

Uma breve recapitulação para aqueles que podem ter perdido os capítulos anteriores. Andrea Laszlo De Simone é um músico de Turim que começou a sua carreira como baterista, primeiro na banda do seu irmão — Nadar Solo — e mais tarde no projecto Anthony Laszlo (um duo com o seu amigo guitarrista Anthony Sasso), acabando por fazer a sua estreia a solo em 2012 com Ecce Homo: um álbum caseiro, quase ingénuo, gravado com meios limitados - lo-fi mais por necessidade do que a escolha. As primeiras respostas positivas surgiram em 2017 com o lançamento do seu segundo álbum, Uomo, Donna, impulsionado pelos singles Sogno l'amore e Vieni a Salvarmi. Para descrever o seu som atemporal, os críticos evocaram alguns nomes importantes da composição italiana e da música progressiva dos anos 60 e 70, incluindo Claudio Rocchi, Enzo Carella e os primeiros Alan Sorrenti - mas acima de tudo Lucio Battisti e Radiohead, com algumas homenagens mais ou menos explícitas a este último: a faixa final do álbum - Sparite Tutti - por exemplo, apresenta exatamente o mesmo padrão de tambor como Weird Fishing (de In Rainbows) e é tematicamente inspirado em How To Disappear Completamente (de Kid A).

Mas o verdadeiro avanço para a cantora e compositora piemontesa veio em 2019 com o lançamento de Immensità, um EP de quatro faixas (Immensità, La Nostra Fine, Mistero e Conchiglie) — ou, em alternativa, uma suíte de 25 minutos em quatro capítulos (sonho, realidade, espaço, tempo). Durante a pandemia surgiram o single dedicado aos seus filhos Dal giorno in cui sei nato tu (2020) e o filme concerto Il Film del Concerto na Trienal (2021), imaginado como uma espécie de “viagem da escuridão à luz”.

Como explicou o próprio De Simone, a suite Immensità era “uma viagem em espiral centrada na elaboração do luto e visando o renascimento”. Conceitualmente, o seu epílogo natural só poderia ser o seguinte single intitulado Vivo (2021), como “hino à vida e à sua inevitável fragilidade” - “Tudo isto representa para mim o caminho 'da escuridão para a luz'; vivenciá-lo e executá-lo durante a realização de Il Film del Concerto foi simplesmente maravilhoso.” Mas uma vez que há quase sempre um sentido de circularidade na música de De Simone, em 2022 veio o outro lado da moeda Vivo (depois combinada num único disco de 45 RPM) — intitulada I Nostri Giorni. As duas canções — disse o artista — “estão unidas tal como a alegria e a tristeza, a tragédia e a consolação, a vida e a morte”.

A Very Long Shadow: um álbum para ver, um filme para ouvir

Esta circularidade também se faz sentir na nova obra divulgada na sexta-feira. Una Lunghissima Ombra começa mais uma vez da escuridão da faixa de abertura e termina com a música título, que resume num único verso tudo o que veio antes - percebo que cresci, só vejo rostos cansados/ E quando chega a noite, lanço uma sombra muito longa - e, portanto, representa tanto a despedida como o ponto de origem.

O álbum é composto por 17 faixas no total, incluindo 5 instrumentais — um prólogo (Il Buio) e 4 interlúdios (Neon, Diffrazione, Spiragli e Rifrazione) — que servem de contraponto a 12 canções reais, todas ligadas por um tema central, como numa verdadeira “ópera”, que, nas próprias palavras de De Simone, deveria representar “o intrusivo pensamentos, aqueles que estão constantemente presentes dentro de nós mesmo quando estamos a pensar em outra coisa, e que acabam por prolongar sombras sobre a nossa existência.”

Dizemos “deveria” porque, embora as canções partilhem um tema geral, também é verdade que De Simone deixa sempre dentro delas uma pequena zona de mistério: há sempre um cone de sombra, por assim dizer — um pequeno quadro através do qual o ouvinte pode vislumbrar apenas a silhueta do significado, sem poder colocá-lo totalmente em foco. Isso força o ouvinte a fazer um esforço imaginativo, para preencher um vazio de significado dentro do universo sem limites dessas músicas, que às vezes se expandem e se estendem muito além dos limites naturais da música pop, com faixas com duração de 6, 7 ou mesmo 8 minutos. É como se, a certa altura, De Simone (concedesse ou) entregasse o leme ao ouvinte, que de repente se torna, sem querer, uma espécie de “marinheiro estelar Buckley”, um navegador estrela que perdeu o seu curso e navega de vista através da música, deixando-se guiar pelo instinto e pela sua própria liberdade interpretativa.

Pensem na arte da capa, cujo significado gerou muita especulação entre os fãs: é um espelho, uma visão, a Nebulosa de Oort, uma estrada no nevoeiro, ou talvez muito mais simplesmente alguma fumaça de uma bomba de fumaça que sobrou da filmagem do vídeo de Vieni a Salvarmi, como De Simone revelou mais tarde. O significado, segundo o próprio De Simone, é “a imprevisibilidade da vida”. E essa linha preta, que alguns confundiram com o horizonte, é “a fenda que percorre a vida de todos”. Mesmo quando é forçado a dar explicações, De Simone nunca entra em demasiado pormenor, preferindo deixar espaço para a agência do ouvinte.

Para facilitar este processo, o álbum inclui também uma componente visual, definida como um “filme” por conveniência, ainda que, por ser completamente desprovido de narrativa, não possa realmente ser classificado como um videoclipe tradicional, mas sim como uma obra de videoarte. Na prática, trata-se de um projeto audiovisual constituído por uma série de “pinturas cinematográficas” - cenas estáticas de locais do quotidiano particularmente familiares ao artista: a cidade de Turim vista de cima, uma estrada de encosta, uma árvore de parque, um carrossel de feiras - lugares comuns deliberadamente escolhidos não para atrair a atenção, mas sim para estimular a imaginação do espectador. “Queria afastar-me da linguagem dos videoclipes, que tende a confinar o significado das canções, e em vez disso recriar aquela sensação que se tem ao ouvir música nos auscultadores enquanto está sentado num banco, encarando basicamente nada”, explicou o artista.

Isso não significa que não haja um conceito por trás do filme; como De Simone explica mais adiante, é uma representação metafórica do processo de formação de uma sombra: as cenas estáticas representam a fonte de luz, as letras das músicas usadas como legendas representam o objeto (ou seja, os pensamentos intrusivos que ecoam na mente), e a música representa a sombra que o objeto projeta - aquela sensação de mal-estar misturada com melancolia que, especialmente em certas noites sombrias de outono, agarra-nos e envolvem-nos como um cobertor. Estas sombras musicais são feitas de sons concretos (o sopro do vento, o crepitar do fogo, o fluir de um rio, o ruído de fundo da cidade) e sons orquestrais meticulosamente trabalhados que se entrelaçam e se estendem em longos desvanecimentos quando necessário, com coros, cordas, metais e inúmeros outros instrumentos antigos e modernos, como a harpa do judeu que marca a passagem do tempo no início de Aspetterò.

As referências musicais são mais ou menos iguais às mencionadas no passado: há o voo mágico de Rocchi na Ária dos primeiros Sorrenti, aquele entre as nuvens de Modugno, e o mais melódico de Battisti , deslizando sobre extensões orquestrais celestes na encruzilhada estelar imaginária e impossível entre Umberto Bindi e Spiritualized Ladies & Gentlemen We Are Floating in Space, ou Canções do Deserter do Mercury Rev. Uma fusão de tradição de composição e modernidade pop psicodélica que tem poucos iguais no cenário musical italiano contemporâneo. Há também referências aos sons mais eletrónicos e distópios do seu amado Radiohead, especialmente na parte final do álbum, onde ecoam na estrutura sincopada de Quello che ero una volta e culminam em algo ainda mais ousado na inesperada obra-prima Non è reale. Esta é a única influência musical que De Simone reconheceu e citou em entrevistas, pois muitas vezes disse que não é um grande conhecedor de música, excepto as bandas sonoras dos filmes com os quais cresceu.

É provável que a homenagem ao tema do Rio da Lua encontrada no single La Notte venha daí - um grito desesperado de ajuda - Se há alguém que não tem medo, rezo para vir em meu auxílio - despojado da raiva encontrada em Vieni a Salvarmi e colocada sobre uma melodia alegre que lembra uma canção de praia italiana dos anos 60. O efeito é um pouco semelhante à música dos The Smiths, que conseguiu fazer-te cantar coisas terríveis sobre melodias cintilantes. Este forte contraste entre música e assunto é uma característica recorrente do álbum, que também aparece ao contrário, como em Pienamente, um dos poucos vislumbres de luz, com uma letra extremamente positiva que convida a abraçar plenamente a vida — mas musicalmente “soa quase como uma nota de suicídio”.

O último elemento sonoro distinto é a voz filtrada, que poderá mais uma vez lembrar o Kid A. do Radiohead. Mas enquanto Thom Yorke escolheu distorcer a sua voz para evitar qualquer sobreposição autobiográfica entre ele e o que cantava, De Simone não usa a sua voz real por outras razões: “Parece demasiado enraizado no presente, demasiado fundamentado na realidade. E em vez disso, talvez por inclinação pessoal, tenho tendência a mover a música para um contexto mágico paralelo à existência, como se estivesse numa linha do tempo que corre ao lado da nossa.”

Passando aos “objetos”, entre os muitos pensamentos intrusivos cantados no álbum, um dos mais frequentes prende-se com o sentimento de culpa: o Colpevole marca o seu nascimento, Quando a sua rejeição inicial, e Un Momento Migliore a sua aceitação. Dentro desta trilogia da culpa, Colpevole é a canção que mais firmemente nos ancora ao presente e às nossas responsabilidades para com o resto do mundo através de letras duras mas poéticas. A abertura lembra Soldati de Ungaretti, só que aqui caem não só as folhas, mas ramos inteiros - Como ramos cortados pelo vento/ Atirados uns sobre os outros/Sem proposito/Bom só para apanhar fogo. Esses ramos somos todos nós, queimando como as nossas caudas de palha queimam: não uma acusação, mas uma tentativa de despertar consciências, “porque até a consciência às vezes comete erros”.

Não é por acaso que Colpevole é imediatamente seguido por Quando, o belo e mais recente single que descreve o momento em que a nossa mente tenta justificar as nossas contradições e rejeita o sentimento de culpa. É uma tentativa desajeitada de justificação humana ou, como disse De Simone, “uma busca desajeitada mas profundamente humana pela compreensão” - A culpa é da respiração, frágil como eu se eu sofrer tanto, mas estou vivo/ É a culpa do silêncio, tímido como eu se não vos disser o que penso/É a culpa do barulho, covardemente como eu se não puderem conseguem ouvir.

Finalmente, a trilogia da culpa termina com a dolorosa assunção de responsabilidade em Un Momento Migliore, o single lançado na véspera de Ano Novo, completo com uma amostra da contagem regressiva de Amadeus de La notte Che Verrà. Quem assume essa responsabilidade não é uma pessoa, mas o mundo inteiro, que De Simone imaginou como se fosse uma pessoa real — um mundo antropomórfico envergonhado de si mesmo.

Este é apenas um dos muitos pensamentos intrusivos que invadem a mente ao ouvir o álbum, mas há muitos mais — envoltos em som, presos em palavras, perdidos e dispersos na fumaça e neblina da arte da capa e nos vários quadros visuais deste grande projeto. “A poesia é poesia quando carrega dentro de si um segredo”, afirmou Ungaretti, considerado — não por acaso — um precursor do Hermetismo. Da mesma forma, no álbum de Andrea Laszlo De Simone, parecem ainda haver muitos segredos por descobrir: o seu é um hermetismo musical, uma sombra muito longa atrás da qual muita poesia ainda se esconde.