Der Traum von einem Job im Design und die Realität, über die niemand spricht „Also, was mache ich jetzt?“ , der kollektive Schrei einer Generation von Kreativen

Jeder möchte im Design arbeiten. Es ist eine Berufung, die oft schon während der High School entsteht, wenn die Idee, Stylist, Innenarchitekt, Produktentwickler oder Creative Director zu werden, durch sorgfältig kuratierte Instagram-Profile, die glitzernden Runways der Modewochen, fotorealistische Renderings, emotionale Videos und Universitäten, die eine Zukunft voller ikonischer Projekte und internationaler Kooperationen versprechen, Gestalt annimmt. Design war in unserer kollektiven Vorstellung schon immer eine unterhaltsame Arbeit: ein Synonym für grenzenlose Kreativität, Dynamik und unmittelbare visuelle Wirkung. Aber nur wenige sagen wirklich, was passiert, wenn man die Klassenzimmer der Universität verlässt und sich der konkreten Realität des Marktes stellt und versucht, diese brennende Leidenschaft in eine nachhaltige Karriere umzuwandeln. Was passiert also heute mit jungen Menschen, die sich dafür entscheiden, in der Welt des Designs und der Mode zu arbeiten, nachdem sich das Verhältnis zwischen Bildung und Arbeit radikal verändert hat? Welche Fähigkeiten benötigen Unternehmen wirklich und warum reicht es angesichts des unaufhaltsamen Aufstiegs künstlicher Intelligenz, der Überlastung einiger Marktsegmente und der wachsenden Bedeutung des persönlichen Geschichtenerzählens nicht mehr aus, einfach nur talentiert zu sein? Wir haben Designer und Professoren gefragt, die seit Jahren junge Kreative mit großen Träumen unterstützen.

Lassen Sie uns mit dem Gesamtbild beginnen: Laut dem von Symbola geförderten Bericht Design Economy 2024 umfasst das Designsystem in Italien über 352.000 Fachleute mit einem Mehrwert von 3,2 Milliarden Euro. Damit steht unser Land in Bezug auf die Anzahl der aktiven Unternehmen und den erzielten kulturellen und kommerziellen Wert an der Spitze in Europa. Hinter diesen ermutigenden Zahlen steckt jedoch eine erhebliche Kluft. Masterabsolventen in Design finden zwar innerhalb von fünf Jahren mit einer soliden Quote von rund 89% eine Anstellung, verzeichnen jedoch eine drastische Halbierung dieses Prozentsatzes: Nur 46% schaffen es, stetig und konsistent in dem spezifischen Bereich zu arbeiten, für den sie studiert haben. Unterdessen liegt die Jugendarbeitslosigkeit in Italien immer noch bei rund 20%, und paradoxerweise geben immer mehr Unternehmen an, dass sie keine qualifizierten Profile für die neuen kreativen Rollen finden, die sich abzeichnen, insbesondere in den Bereichen digitales, hybrides Design und komplexes Projektmanagement. Das bedeutet, dass Chancen bestehen, der Markt existiert, aber der Sprung von der Universität zum Arbeitsmarkt bleibt voller Hindernisse. Es besteht eine allgemeine Diskrepanz zwischen den angebotenen und den erforderlichen Fähigkeiten. Unternehmen geben häufig an, dass Profile mit mehr praktischer Erfahrung, Beziehungsfähigkeiten und einer Problemlösungsmentalität erforderlich sind, die in traditionellen akademischen Studiengängen nicht immer vollständig entwickelt sind.

Laut Cristian Visentin, Designer und angesehener Professor am Politecnico di Milano, sind die jungen Menschen von heute zweifellos bewusster und proaktiver als vor 20 Jahren. „Vorher gab es eine starke Kluft zwischen Universitäten und Unternehmen, fast zwei Parallelwelten. Jetzt wählen die Schüler zielgerichtetere Wege, sie sind unternehmungslustiger, aber oft fällt es ihnen schwer zu verstehen, dass das Lernen nicht mit dem Abschluss endet.“ Für Visentin entspricht die Arbeit in der Designwelt „einem kontinuierlichen Prozess, einer Investition in sich selbst, die weit über die technische Disziplin hinausgeht und [that] auch Widerstandsfähigkeit, Selbstbewusstsein und Anpassungsfähigkeit an die sich ändernden Anforderungen des Marktes prägt“. Eine der tiefgreifendsten Veränderungen betrifft genau die Art und Weise, wie Sie sich präsentieren: „Ein schönes, technisch perfektes Projekt reicht nicht mehr aus. Sie benötigen eine starke Identität, die auch in Ihrem Portfolio sichtbar ist und die nicht nur zeigt, was Sie tun können, sondern auch, wer Sie sind. Das Image, das Sie für sich selbst aufbauen, ist wichtig, aber es muss authentisch sein und mit dem übereinstimmen, was Sie sagen möchten — eine echte persönliche Marke, die Ihre Werte kommuniziert.“

Für Simone Riva, Architektin und Professorin an der Nuova Accademia del Design, sollten Schwierigkeiten nicht ignoriert, sondern analysiert werden. „Die heutige Einzelhandelswelt ist komplex und erfordert eine 360-Grad-Vision. Es reicht nicht aus, zeichnen zu können oder gute Ideen zu haben. Es gibt Dutzende hochspezialisierter Persönlichkeiten, die synergetisch zusammenarbeiten müssen: vom Lichtdesign bis zur Raumbeduftung, von der datengesteuerten Vertriebsstrategie bis hin zur behördlichen Sicherheit. Ein junger Designer, der lernt, diese unterschiedlichen Fähigkeiten zu koordinieren, hat ein enormes Wachstumspotenzial.“ Laut Riva gibt es bei den jungen Nachwuchsprofilen zwei Hauptlücken: Einerseits mangelnde Beziehungsfähigkeit — die Fähigkeit, im Team zu arbeiten, zuzuhören, konstruktiv zu diskutieren, gemeinsame Lösungen zu finden und zu verhandeln — und andererseits begrenzte Kenntnisse über Materialien und Produktionstechniken. „Es ist die Materialseite, die oft fehlt, dieses tiefe Verständnis für die Grenzen und Möglichkeiten eines Materials, die ständige Neugier darauf, was sich auf dem Fertigungsmarkt ändert, und auf neue Technologien. Ohne dieses solide Fundament besteht die Gefahr, dass Design nur eine Idee auf dem Papier bleibt, anstatt greifbare und funktionale Realität zu werden.“

Aber heute gibt es noch ein anderes Element, das die Spielregeln auf den Kopf stellt und Fähigkeiten neu definiert: künstliche Intelligenz. Visentin ist sich in diesem Punkt klar: „Junge Designer sollten KI nicht fürchten, sondern lernen, sie als mächtigen Verbündeten zu nutzen. Es ist ein Tool, das einen enormen Mehrwert schaffen kann, insbesondere in strukturierteren Unternehmenskontexten, in denen die Prozessoptimierung entscheidend ist. Wenn Sie wissen, wie es funktioniert und wie Sie es in Ihren Arbeitsablauf integrieren können, können selbst in den traditionellsten Branchen Chancen eröffnet werden.“ Die Botschaft ist klar: Im zeitgenössischen Design ist die isolierte und „romantische“ Figur des „kreativen Genies“, das alleine arbeitet, einer neuen professionellen Identität gewichen. Junge Menschen müssen lernen, in Teams zu arbeiten, sich effektiv zu präsentieren, sich agil in digitalen Welten zurechtzufinden, aber auch über eine solide, aktualisierte und interdisziplinäre visuelle Kultur verfügen. Es geht nicht darum, zwischen extremer Spezialisierung oder generischer Vielseitigkeit zu wählen: Es geht darum, eine starke persönliche Vision zu entwickeln, die in der Lage ist, sich mit anderen Disziplinen und den innovativsten Tools zu verbinden.

Dieses Bedürfnis nach Konkretheit und Bewusstsein wird noch deutlicher, wenn man das Modesystem betrachtet. Mode gehört heute zu den attraktivsten und am meisten diskutierten Branchen — auch dank des zunehmenden Einflusses der sozialen Medien, die nur ihre glänzende Fassade zeigen — und ist heute eines der beliebtesten Ziele für Kreative. Aber ist es wirklich ein inklusiver und meritokratischer Sektor oder nur eine Fata Morgana, verpackt in Glitzer und Influencer? Laut Giorgio Ripamonti, der kürzlich seinen Abschluss als Modedesigner am Politecnico di Milano gemacht hat, ist die Antwort klar und ernüchtert: „Heute ist die Arbeit in der Modebranche in Mode gekommen. Die sozialen Medien vermitteln ein utopisches Bild, in dem alles in Reichweite zu sein scheint und in dem der Ruhm gleich um die Ecke ist. Aber die Realität sieht radikal anders aus: Es ist ein extrem wettbewerbsintensives Umfeld voller Aspiranten, in dem, ich würde sagen, es ist nicht elitär, sondern skrupellos selektiv. Und die Auswahl ist brutal.“ Ripamonti erinnert sich, dass sie zwischen 2016 und 2018 durch das Sneaker-Phänomen angefangen haben, sich für Mode zu interessieren, als sie zu einem Symbol sozialer Zugehörigkeit geworden waren, zu einer wahren ästhetischen Sprache. Daher die Neugier auf das Produkt, das Zeichnen, die ersten Versuche, eine Amateurmarke zu gründen, und schließlich die Entscheidung, sich an der Universität einzuschreiben. „Während meiner Reise wurde mir klar, dass Leidenschaft allein nicht ausreicht, egal wie stark sie ist. Es erfordert tägliche Opfer, Transparenz in den Absichten und eine große Fähigkeit, Druck und Enttäuschung auszuhalten. Jeder möchte auffallen, aber nicht jeder akzeptiert den gnadenlosen Wettbewerb, die scharfe Kritik und die Misserfolge, die ein wesentlicher Bestandteil des Weges sind. Für mich ist der Traum immer noch lebendig, brennend, aber ich weiß, dass dies in absoluten Zahlen nicht der Weg für mein ganzes Leben sein wird. Es ist die Arbeit meines Lebens, aber nicht unbedingt für immer.“

Neben der Ästhetik wird das Modesystem heute von komplexen Dynamiken dominiert, die algorithmische Sichtbarkeit, das Erzählen von Markengeschichten und den Aufbau einer Unternehmensidentität betreffen. Aber oft suchen die großen Konzerne — wie LVMH oder Kering — eher nach Ausführenden kreativer Richtlinien als nach echten Visionären, mehr nach der Effektivität gut durchdachter Marketingkampagnen als nach ästhetischen Störungen, die zu echten Innovationen fähig sind. Das Ergebnis? Wenig Originalität, viel Homogenisierung und eine obsessive Jagd nach dem aktuellen Trend, der Kreativität erstickt. In einem solchen Kontext könnten junge Menschen wirklich der Schlüssel zu einer neuen Phase der Innovation und Authentizität sein, aber sie haben Schwierigkeiten, Platz zu finden. Die Universitäten sind zunehmend überfüllt und bilden Talente aus, aber die Zahl der echten Aufstiegschancen ist nach wie vor gering, und obwohl das Modestudium zum Mainstream geworden ist, bleibt es eine gigantische Aufgabe, tatsächlich in das System einzusteigen und Spuren zu hinterlassen. So finden in Italien diejenigen mit einer unkonventionellen Stimme oft mehr Platz anderswo, in aufstrebenden Mode- und Designhauptstädten wie Berlin, Barcelona, Shanghai oder Seoul. Weil Mailand zwar von zentraler Bedeutung für Luxus und Tradition ist, aber immer noch zu stark an etablierte Modelle gebunden ist, um das Neue anzunehmen.

Was braucht es dann wirklich, um heute im Design erfolgreich zu sein? Kein absolutes Talent, das nur ein Ausgangspunkt ist, sondern eine klare persönliche Vision. Eine solide, aktualisierte visuelle Kultur, die mehrere Disziplinen umfasst. Starke Beziehungsfähigkeit, Teamfähigkeit und Verhandlungsfähigkeit. Und die unermüdliche Bereitschaft, auch außerhalb kanonischer Pfade zu lernen. Design — ob Produkt, Interieur oder Mode — erfordert dasselbe: Hartnäckigkeit, unersättliche Neugier und den Mut, sich einen Raum zu schaffen, auch wenn der Markt gesättigt scheint und es keinen zu geben scheint. Wenn Sie mit Professoren sprechen und den Stimmen derer zuhören, die wirklich versuchen, es zu schaffen, stellen Sie fest, dass die Frage „Und was mache ich jetzt?“ ist zum stillen Schrei einer ganzen Generation von Kreativen geworden, die einem schwierigen Ideal nachjagen. Design ist immer noch ein Traum, ja, aber er muss jeden Tag mit Pragmatismus und Leidenschaft neu geschrieben werden, ohne die Bedeutung einer Support-Community zu vergessen — nicht zufällig, dieser Artikel wurde mit Unterstützung von Gaia Turboli geschrieben, die kürzlich ihren Abschluss in Modestyling und Kommunikation gemacht hat.