Wie „Ripley“ die Ästhetik von La Dolce Vita auf den Kopf stellt Immer noch die 1960er Jahre, immer noch Italien, aber im Neo-Noir-Ton

Seit Jahren kursieren Fotos vom Set von The Talented Mr. Ripley von Anthony Minghella und Plein Soleil von René Clement auf den Instagram-Moodboards. Beide Filme (einer aus den 60ern und der andere aus dem Jahr 1999) entschieden sich dafür, die Geschichte einer der faszinierendsten Figuren der Literatur des 20. Jahrhunderts, Tom Ripley, anhand der idyllischen Schönheit Italiens der Nachkriegszeit zu erzählen: Denken Sie an die Strände der Amalfiküste, Vespa-Fahrten durch die Straßen von Rom und Neapel, Terrassen mit Blick auf das Meer und die adrette Kleidung wohlhabender Amerikaner im ewigen Urlaub. Eine mediterrane Ästhetik, die in den ersten beiden legendären Verfilmungen so gut dargestellt wurde, dass Steven Zaillians neues Projekt für Netflix, die Serie Ripley, mit dem spektakulären Andrew Scott in der Hauptrolle, nicht replizieren konnte. Die Strategie war also eine ganz andere: Warum nicht die Geschichte zu dem dunklen Neo-Noir machen, der sie wirklich ist, anstatt sich auf die Schönheit der Postkarte zu konzentrieren? Der Umkehreffekt ist verblüffend: Obwohl die ganze Schönheit von Atrani (und anderen Orten wie Neapel, Rom, aber auch der atemberaubenden Villa von Dickie Greenleaf, die sich tatsächlich auf Capri befindet) bewahrt wurde, fängt die Entscheidung, die gesamte Show in Schwarz-Weiß zu drehen, effektiv Ripleys Perspektive ein, in der Italien nicht nur den Traum von einem besseren Leben, sondern auch die Bühne für Betrug und Morde darstellt, fast schattenhaft und verdreht Spiegel seines eigenen Geistes.

Das Schönste daran ist, dass Ripley nach dem Erfolg von Cortellesis Filmphänomen There's Still Tomorrow, das in den 1950er Jahren spielt, nicht nur von klassischen amerikanischen Noirs inspiriert zu sein scheint, sondern auch von den in dieser Zeit produzierten neorealistischen Filmen. Das Endergebnis besteht darin, eine Art fotografisches Negativ des klassischen Dolce Vita abzubilden, das das neue Stereotyp, das einen Großteil der jüngsten amerikanischen audiovisuellen Produktion mit seiner Besessenheit von Italien und italienischen Geschichten dominiert, teilweise oder vollständig umkehrt. Von Call Me By Your Name über The White Lotus bis hin zu weit weniger aufregenden Filmen wie Omen — The Dawn of Prophecy, Book Club: The Next Chapter, The Equalizer 3, A Haunting in Venice, Mafia Mom, Fast X, Mission: Impossible, Ferrari, jedem James Bond mit Craig, House of Gucci usw. scheint das amerikanische Kino auf Italien fixiert zu sein, insbesondere auf den Süden. Abgesehen von der geographischen Schönheit ist der Grund wahrscheinlich wirtschaftlicher Natur, wie es direkt auf der offiziellen Cinecittà-Website heißt: „Das Gesetz 220 vom 14. November 2016, ‚Regulierung von Kino und audiovisuellem Film', hat das Instrument der Steuergutschrift für nationale und internationale Produktionen viel funktionaler gemacht, die nun von erheblichen Steuervorteilen profitieren können, wenn sie sich dafür entscheiden, ihren Film in Italien zu drehen“, und praktisch jeder, der in Italien dreht, kann 40% der Produktionskosten von den Steuern auf das in Italien produzierte Filmmaterial abziehen Italien. Dies hat sicherlich zu einer Zunahme der im Land gedrehten Inhalte geführt und viel Aufmerksamkeit auf sich gezogen, aber es hat auch amerikanische Filmemacher dazu veranlasst, sich auf eine Art der Darstellung unseres Landes zu fixieren: die des Dolce Vita mit warmen Farben, verträumten Stränden, historischen Dörfern, in denen das Leben so gelebt wird, wie es einmal war, und all der nostalgischen Atmosphäre des Slow Living-Stils.

Jetzt verwandelt Ripleys außergewöhnliche Perspektive, die sich einfach dadurch ergibt, dass er diese wunderschönen Landschaften in Schwarz und Weiß betrachtet, nicht nur historische Dörfer und Gassen in eine vage beunruhigende, fremde, labyrinthische Umgebung, sondern gibt auch das Gefühl von Härte, Verfall und radikaler Rückständigkeit in Italien dieser Jahre zurück, einem fast barbarischen Ort im Vergleich zu den vom Krieg unberührten Vereinigten Staaten. Darüber hinaus passt die Wahl von Schwarz und Weiß paradoxerweise noch besser zum ästhetischen Ton von Fellinis Dolce Vita, einem Film, der Italien nicht idealisierte, sondern dessen viele eklatante Widersprüche darstellen wollte, dessen Titel jedoch den schattenlosen Optimismus kennzeichnete, der das Land während des Wirtschaftsbooms und der Technicolor-Ära erfasste. Natürlich mangelt es Ripley nicht an Idealisierungen: Indem er die Geschichte von 1955 auf 1961 vorverlegt, ermöglicht Zaillian Ripley, Zeuge einer Aufführung zu werden, in der Mina The Sky in a Room in Naples singt — vielleicht die einzige „Amerikanisierung“ der Serie, angesichts der völligen Unplausibilität eines Mina-Konzerts am helllichten Tag auf den Straßen Neapels und des Mangels an Lippensynchronisation. Aber das ist ein Höhenflug, den wir gewähren können. Und auch wenn abzuwarten bleibt, ob Ripley den stratosphärischen Erfolg anderer Netflix-Produktionen erreichen wird (Schwarz-Weiß ist für viele Zuschauer immer noch eine Hürde), muss man zugeben, dass es sich nicht nur um eine fast zu originalgetreue Adaption des Buches handelt, bis auf die etwas unrealistische Besetzung einer Nebenfigur, die die Suspendierung des Unglaubens leicht durchbricht, sondern auch dafür, dass es endlich die Frage aufwirft, dass es tatsächlich andere Möglichkeiten gibt, Italiens Geschichte zu erzählen, und vor allem, um seine Szenarien als Es ist eher ein Sprungbrett für den persönlichen Ausdruck als ein großartiger Nivellierer, der alles auf die Zweidimensionalität einer Postkarte platt macht.