Zwischen Mode und Kunst: Marina Yees stille Revolution Die Kreativität der Designerin wird in der Ausstellung in der Sofie Van De Velde Gallery untersucht
Sie war die rätselhafteste und am wenigsten bekannte Figur unter den berühmten Antwerpener Sechs, die heute die Protagonisten der großen Ausstellung sind, die vom MoMU in Antwerpen organisiert wird. Marina Yee hat Mode schon immer als eine Sprache erlebt, die es zu durchqueren gilt, und ihr Weg war einer der radikalsten und am schwierigsten einzuordnenden unter den Sechs.
Seit ihrer Kindheit hat sich Yee eher von Intuition als vom Zeichnen leiten lassen. Trotz ihres Illustrationstalents arbeitet sie am liebsten direkt am Mannequin: Es ist der Kontakt mit dem Stoff, das Volumen eines vorhandenen Kleidungsstücks, das die endgültige Form bestimmt. Ihre Hände „denken“, bevor ihr Verstand es tut. Stecknadeln, Falten und Schichtungen werden zu Werkzeugen, um eine Idee festzuhalten, die in Echtzeit entsteht. Eine Methode, die in den letzten Jahren natürlich und ausgereift erscheint, aber das Ergebnis jahrzehntelanger Forschung ist.
Ausbildung und frühe Jahre
Nach ihrer Ausbildung an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen war ihr Einstieg in das Modesystem alles andere als marginal. Ab 1983 arbeitete sie für den belgischen Hersteller Bassetti, zunächst an der Seite von Dirk Bikkembergs und dann unabhängig, auch in Zusammenarbeit mit der Lederwarenmarke Gruno & Chardin. 1986 lancierte sie zusammen mit Miyoshi Hobo die Marke Marie und präsentierte die Kollektionen auf der British Designer Show in London. Es war der Moment, in dem sich Antwerpen auf der internationalen Bühne etablierte, aber selbst dann folgte Yee ihrem eigenen Weg.
Der Umzug nach Paris 1988, zusammen mit Martin Margiela nach seinem Debüt, markierte einen weiteren Wendepunkt. Es war aber auch der Beginn einer Distanz: 1990 kehrte sie nach Belgien zurück und zog sich freiwillig aus dem System zurück. Sie entwarf Theaterkostüme, eröffnete ein Café in Brüssel und verwandelte Innenräume in Ausdrucksräume. Es war eine erste, bewusste Abweichung von der Mode als Branche. Als sie zurückkehrte, tat sie dies zu ihren eigenen Bedingungen. Ab Ende der 1990er Jahre arbeitete sie für Lena Lena, eine belgische Marke für Damenmode in Übergrößen, und entwickelte längliche und geschichtete Silhouetten, schmale Schultern und V-Ausschnitte in einer essentiellen Farbpalette aus Weiß, Cremeweiß und Indigoblau. Eine Weiblichkeit, die zwischen Verführung und Strenge schwebt und immer von einer materiellen Spannung durchzogen wird. Gleichzeitig entwarf sie auch die Damenlinie für Bikkembergs, distanzierte sich jedoch später, da sie erkannte, dass sie nicht den Rhythmen und der kommerziellen Logik der Branche entsprach.
„Ihr gefiel nicht, wie schnell Mode war“, sagt Rafael Adriaensens, ihr Partner und Freund, der ihr Archiv organisiert hat. „Sie hat geschaffen, geschaffen, geschaffen. Sowohl Kleidungsstücke als auch Kunstwerke.“ Eine kontinuierliche Praxis, aber losgelöst vom Kalender, was sie erneut dazu veranlasste, sich zurückzuziehen, um andere Sprachen zu erkunden: Malerei, Collage, Objekte, Grafik. Textilien blieben von zentraler Bedeutung, aber als Material, das gerettet, wiedergewonnen und verarbeitet werden musste. 2005 begann sie auch in Tournai, Gent und Den Haag zu unterrichten, wobei sie einen unkonventionellen Ansatz beibehielt: Sie drängte die Schüler aus ihrer Komfortzone und bevorzugte Spiel, Fehler und Intuition. Ihre Rückkehr zur Mode erfolgte viel später, fast schüchtern.
2017 kreierte sie eine Kapselkollektion für den asiatischen Markt und 2021 gründete sie zusammen mit Adriaensens die M.Y. Collection. Hier fand ihre Vision endlich eine stabile Form: radikales Upcycling, bestehende Kleidungsstücke wurden in Unikate verwandelt, konzeptionelle Details versteckten sich in der Konstruktion von Kragen, Revers und Manschetten. Der kreative Prozess wurde zu einer Geste der Reduktion, zu einem Werk der Subtraktion statt der Akkumulation. Yee hat jahrzehntelang viele zeitgenössische Überlegungen zur Zirkularität und zum Wert der Unvollkommenheit vorweggenommen. Aber ihre Arbeit auf eine nachhaltige Praxis zu reduzieren, wäre einschränkend: Es ist eher eine kritische Geste gegenüber der Idee der Neuheit in der Mode. Jedes Kleidungsstück trägt eine Erinnerung in sich, eine Vergangenheit, die nicht gelöscht, sondern sichtbar gemacht wird.
Die Ausstellung in der Galerie Sofie Van De Velde
„Sie war Designerin, aber auch Künstlerin. Als ich das Studio betrat, sah ich außergewöhnliche Assemblagen und Gemälde... aber sie traute sich nicht, sie zu zeigen „, erinnert sich Adriaensens. Eine Zurückhaltung, die ihre visuelle Produktion lange im Schatten hielt, was nun endlich in der Ausstellung in der Galerie Sofie Van de Velde (bis 10. Mai) zum Vorschein kommt, die auf natürliche Weise mit der Installation im ModeMuseum in Dialog tritt. Diese Spannung zwischen Mode und Kunst zieht sich durch ihre gesamte Karriere. Neben ihrer Arbeit an Kleidung entwickelte Yee eine ebenso intensive visuelle Praxis, die lange Zeit unsichtbar blieb. Genau diese Dimension taucht heute in der Ausstellung in der Galerie Sofie Van de Velde auf, in der man ihre Welt der Zeichnungen, Collagen, persönlichen Notizen und wiederhergestellten Objekte betritt, die zu neuem Leben erweckt wurden.
Zeitungsfragmente, zerrissene Fotos, Stecknadeln, gefundene Materialien: minimale Elemente, die zu Visionen fragiler Schönheit werden, die niemals endgültig sind. In den ausgestellten Werken, wie ihrer Interpretation von Vermeers Mädchen mit dem Perlenohrring, die durch weiße Pinselstriche verhüllt ist, kommt Yees Ablehnung polierter Perfektion zum Vorschein. Ihre Arbeiten wirken oft unvollendet, offen, fast so, als würden sie noch atmen. Es sind „Inspirationsstücke“, die ständig mit ihrer Mode in Dialog treten: Möbel aus Metallbügeln und Federn oder einzigartige Kleidungsstücke, die so dicht mit Stecknadeln und Post-its verziert sind, dass sie als „tragbare Kunst“ gelten. Die Ausstellung ist nicht nur eine Hommage an einen Protagonisten der belgischen Mode, sondern auch eine Einladung, in eine Welt einzutreten, in der der Prozess wichtiger ist als das Ergebnis.
Eine Welt aus handschriftlichen Notizen und einer ästhetischen Kohärenz, die jeden Trend herausfordert. „Marina wusste, wie man aus dem absoluten Chaos etwas Wunderbares schafft“, sagt Rafael Adriaensens, ihr Partner und Verwalter eines Archivs, das sich als viel größer herausstellte als erwartet: ein Schatz an Zeichnungen, Installationen und Assemblagen, der in ihrer Antwerpener Wohnung gefunden wurde und bald im ersten Buch gesammelt werden wird, das dieser außergewöhnlichen Künstlerin gewidmet ist. Diese Monografie umfasst über vierzig Jahre Arbeit zwischen Mode und Kunst, zwischen Zeichnungen, Collagen und Silhouetten, um die Vision eines Designers zu vermitteln, der sich immer einer Kategorisierung widersetzte. Ihr Tod am 1. November 2025 unterbrach abrupt ihre Reise. Aber mehr als ein Ende, was sich heute abzeichnet, ist die Kontinuität einer Praxis: frei, kohärent, stur unabhängig. Eine Entwicklung, die, wenn man sie heute noch einmal liest, nicht nur zukunftsweisend, sondern auch notwendig und voller Inspiration erscheint.
