Museen begrüßen mehr Mode als je zuvor Von New York bis Saudi-Arabien hat das Kuratorium eine neue Welt entdeckt, die es zu erkunden gilt

Am 21. November wurde im Saudischen Nationalmuseum in Riad die Ausstellung Christian Dior, Designer of Dreams eröffnet und die Besucher auf eine Reise durch die kreative Geschichte der französischen Maison entführt. Nach erfolgreichen Aufführungen im Brooklyn Museum in New York und im Victoria & Albert Museum in London ist die Ausstellung nun in Saudi-Arabien angekommen und fördert den Dialog mit der Kultur des Gastlandes. Dieser kulturelle Austausch inspirierte die Kuratorin Florence Müller und die Szenografin Nathalie Crinière zur Gestaltung mehrerer Räume. Unter diesen ist ein Zimmer von der Stadt Al-'Ula inspiriert und mit Kleidungsstücken dekoriert, die an die Farben der Sonne und der Wüste erinnern, während ein anderer die natürliche Umgebung Riads — sein Name auf Arabisch bedeutet „Die Gärten“ — durch eine maßgeschneiderte Szenografie huldigt. In den letzten Jahren haben Modeausstellungen ein deutliches Wachstum verzeichnet. Museen, die traditionell historischen oder künstlerischen Ausdrucksformen vorbehalten waren, widmen sich zunehmend einer Disziplin, die bis vor kurzem auf Schaufenster oder exklusive Laufstegveranstaltungen beschränkt war.

Olivier Flaviano bemerkte während seiner Amtszeit als Direktor des Yves Saint Laurent Museum in Paris und heute Leiter der La Galerie di Dior, des ständigen Museums der Pariser Maison, dass „Mode zunehmend der Öffentlichkeit zugänglich wird, und ich glaube, dass Mode in gewisser Weise selbst zu einer Kunst wird. Dank dieser großen Ausstellungen tragen wir dazu bei, den Status der Mode zu erhöhen.“ Diese zunehmende Interaktion mit den Ausstellungsräumen unterstreicht die Absicht der Modewelt, sich zu demokratisieren und sie einem breiteren Publikum zugänglich zu machen, das traditionell ausgeschlossen war. Die Einbindung von Mode in kulturelle Räume und ihre anschließende Zugänglichkeit scheinen ebenfalls eine natürliche Weiterentwicklung der Rolle zu sein, die Glamour im Laufe der Zeit eingenommen hat. Mode ist weit davon entfernt, nur funktional oder ein Symbol für Prestige und Status zu sein, sondern verwandelt sich heute in einen Spiegel des sozialen Wandels und etabliert sich als bedeutendes kulturelles Phänomen. Die Ausstellung Real Clothes, Real Lives, die im vergangenen September in der New York Historical Society eröffnet wurde, ist ein Beispiel dafür. Die Ausstellung umfasst über zweihundert Jahre Geschichte, die anhand von Kleidungsstücken für Frauen erzählt wird, und zeigt, wie ein Kleidungsstück die Gewohnheiten und Visionen bestimmter Epochen widerspiegeln kann. „Jeder Faden und jedes Stoffstück, das in dieser Ausstellung gezeigt wird, bietet wichtige Hinweise auf die Frauen, die diese Kleidungsstücke trugen“, erklärt Anna Danziger Halperin, stellvertretende Direktorin der New York Historical Society. So wird die Länge eines Rockes zum Symbol einer bestimmten historischen Epoche, während die Silhouette einer Jacke Informationen über den sozialen Status des Trägers preisgibt.

Kreativ orientiert sich Mode zunehmend an einer künstlerischen Disziplin, wobei Kollektionen zum Produkt einer Erzählung und zum Ausdruck der Fähigkeit eines Designers werden, Geschichten zu erzählen. Zum Beispiel Gabrielle Chanel. Das Fashion Manifesto, das dem französischen Designer gewidmet ist und bis zum 24. November im V&A Museum in London und später in der Power Station of Art in Shanghai ausgestellt wurde, zeichnet die Entwicklung der Pariser Maison nach und zeigt, wie ihr historisches kreatives Archiv das zeitgenössische Design weiterhin beeinflusst. Der Präsident der Marke, Bruno Pavlovsky, betrachtete Chanels Kontinuität in der Erzählung und bemerkte: „Ich glaube, dass es in der heutigen Welt sehr wichtig ist, dasselbe Thema aus verschiedenen Perspektiven anzusprechen und dieselbe Geschichte auf verschiedene Weise zu erzählen. Das ist auch die Kreativität, die Chanel seit langem konsequent praktiziert.“ Dank der Museumsräume gelingt es der Mode, ihre konzeptionelle Dimension zu verstärken und die Grenzen der Schneiderei und der Geschäftsbeziehungen mit Kunden zu überschreiten, um sich als universelle Sprache zu etablieren.

Im Jahr 2024 waren zahlreiche Museumsausstellungen der Mode gewidmet. Im Vereinigten Königreich war das V&A neben der Ausstellung, die Coco Chanel gewidmet war, auch Diva zu Gast. Sie zeigte charakteristische Looks internationaler Entertainment-Ikonen wie Tina Turner, Cher und Rihanna sowie Naomi In Fashion, eine Ausstellung, die Supermodel Naomi Campbells Karriere anhand einiger ihrer ikonischsten Fotos nachzeichnet und bis zum 6. April 2025 zu sehen ist. In den Dovecot Studios in Edinburgh war Andy Warhol: The Textiles zu sehen, das der jüngsten Entdeckung von Kleidungsstücken gewidmet ist, die der amerikanische Künstler zu Beginn seiner Karriere entworfen hatte. In den Vereinigten Staaten präsentierte das Fashion Institute of Technology (FIT) in New York auch faszinierende Ausstellungen wie Statement Sleeves, in denen es um prominente Ärmel geht, und Africa's Fashion Diaspora, in der die afrikanische Diaspora anhand der Mode erzählt wird. New York verzeichnete auch große Erfolge am MET Costume Institute mit Women Dressing Women, einer Ausstellung, die Designerinnen des 20. und 21. Jahrhunderts gewidmet ist, und Sleeping Beauties: Reawakening Fashion, dem Thema der letzten MET-Gala.

Der Erfolg der MET-Gala mit ihren großen Ausstellungen hat der Mode Gelegenheit gegeben, ihr künstlerisches Angebot zu überdenken. Einerseits haben die Museumsräume neue Möglichkeiten eröffnet, mit VICs in Kontakt zu treten (Very Important Clients, ein Segment der Luxuskunden, das zwar nur einen kleinen Prozentsatz der Weltbevölkerung ausmacht, aber einen erheblichen Teil des Markenumsatzes ausmacht); andererseits hat der Ruhm der MET Gala auch zur Wiederentdeckung historischer Archive beigetragen. Diese Wiederentdeckung ist eine Rückkehr zu den ursprünglichen Absichten eines Modehauses und seiner ästhetischen Identität sowie eine Einladung, seine Relevanz in der Modeindustrie und Populärkultur neu zu bewerten. Ausstellungen werden oft von Kaffeetischbüchern begleitet — Sammlerstücke, die den konzeptionellen Wert der Kleidungsstücke und Ideen symbolisieren, die hinter Glasvitrinen ausgestellt sind. In dieser neuen Dimension ist das Tragen eines Kleidungsstücks nur noch ein Teil der Erfahrung, der vielleicht nicht mehr unbedingt erforderlich ist. Stattdessen wird die Fähigkeit, seine Teilnahme durch den Kauf von Sammlerstücken in Museumsshops oder den Besuch von Ausstellungen, Konferenzen und anderen exklusiven Veranstaltungen zu demonstrieren, zum wahren Beweis für die Zugehörigkeit zur Modewelt.