„Ich habe nicht nur Kleidung hergestellt, ich habe Körper kreiert“ - Interview mit Sébastien Meunier Über Martin Margiela, Ann Demeulemeester und vor allem sich selbst

Einen Körper anziehen. Dies ist der grundlegende Akt, der dem Betrieb einer Branche zugrunde liegt, die allein in Italien über 102 Milliarden Euro pro Jahr generiert: das Ankleiden eines Körpers. Und so bestimmt es seine Wahrnehmung und kreiert eine ganze Erzählung durch ein materielles Medium, manchmal sogar eine Welt, wenn wir bereit sind, sie zu sehen. So entdeckten Frauen in den schwungvollen 60ern Miniröcke und eroberten ihre sexuelle Befreiung zurück, und wie Männer mit derselben Funktion 30 Jahre später dasselbe Kleidungsstück entdeckten. Aber alles beginnt mit dem Körper, damit, wie viel wir verbergen oder enthüllen wollen, mit der Wahrnehmung, die wir bei anderen hervorrufen wollen, indem wir ihn auf die eine oder andere Weise kleiden. Für Sébastien Meunier war das von Anfang an der Fall, und es war nicht nur der Körper, der im Mittelpunkt von allem stehen musste; es war sein eigener Körper, eine obsessive Suche, die während seiner Studienzeit begann, mit dem Sieg seiner mageren Punk-Jungs beim Hyères Festival 1998. Von seiner Rolle als Leiter der Herrenmode bei Martin Margiela bis hin zur kreativen Leitung bei Ann Demeulemeester hat die Arbeit des französischen Designers im Laufe der Jahre verschiedene Nuancen angenommen, manchmal subtiler und romantischer, und kreuzte sich seit über zwei Jahrzehnten mit der belgischen Mode und ihren anonymen Meistern. Heute kehrt diese jugendliche Besessenheit zurück — weil sie nie wirklich verschwunden ist — mit seiner gleichnamigen Marke und einem Studio, das sich von Arte Povera inspirieren lässt, von einem Arbeitsoverall, der nach Belieben montiert und demontiert werden kann und mit Drucken geschmückt ist, die die wichtigsten Momente in Meuniers Biographie markieren. „Meine Arbeit ist viel sinnlicher als bei Ann und Martin“, sagt der Designer und spricht von den türkisfarbenen Wänden seines Heimstudios aus, hinter ihm ein imposantes Marmorkreuz, ein Foto von Marina Abramović und Ulay, die sich gegenseitig anschreien, und ein Ständer mit bedruckten T-Shirts. Auf einer steht „Holy Shit“, auf einer anderen „Eine Rose ist eine Rose“, und auf einer anderen ist das Bild eines Satyrs zu sehen, das während einer Reise mit Margiela selbst nach Pompeji aufgenommen wurde („Damals habe ich mich in Italien verliebt“, gesteht er). Das Gespräch war reichlich; der Versuch, es zusammenzufassen, ist eine notwendige Sünde, aber in dieser sich ständig ändernden Atmosphäre, umgeben von den Erinnerungsstücken seines Lebens und der Kapselkollektion, die ein neues Kapitel markiert, offenbarte sich Meunier als Designer, als Mann, wieder als Junge, immer auf die „instinktivste Art und Weise“, die möglich ist.

Sie haben über die stark autobiografische Absicht gesprochen, die hinter Ihrer gleichnamigen Marke steckt. Jahrelang hast du deine Vision an zwei Maisons weitergegeben, die Modegeschichte geschrieben haben, und vielleicht hast du deine Vision mit der eines bereits etablierten Hauses vermischt. Wie fühlt es sich an, eine Marke mit absoluter Freiheit zu kreieren?

Ich habe mich nie wirklich unwohl gefühlt, für eine andere Marke zu arbeiten und deren Codes zu integrieren. Aber für mich mit 50 ist es interessanter, meine Marke neu zu kreieren, weil ich zu einer persönlicheren Arbeitsweise zurückkehren und über meine Erfahrungen, meine Sexualität und meine Obsessionen sprechen kann. In der Vergangenheit habe ich das auf sehr großzügige, aufrichtige Weise getan, ohne mich einzuschränken. Ich trat auf, ich habe vor 25 Jahren einen androgynen Mann vorgestellt, der eine Denkweise präsentiert hat, die es in der Mode noch nicht gab. Heute bin ich glücklich, weil meine Vorstellung von Mann oder Frau ihren Weg in das System gefunden hat, aber in diesen Jahren habe ich für andere Marken gearbeitet und mich zu dem Thema vielleicht konzeptioneller ausgedrückt. Meine Vision ist jedoch instinktiv.

In einem Interview für Vogue Greece aus dem Jahr 2021 sagtest du: „Ich möchte, dass meine Mädchen meine Jungen beschützen. „Dieser Satz blieb bei mir hängen.

Ich habe immer die Schutzkraft von Frauen und eine größere Fragilität bei Männern gesehen. Mir gefiel die Idee, dass es die Mädchen waren, die die Jungen verteidigten, die ich angezogen habe, und nicht umgekehrt. Ich kann nicht mit Sicherheit sagen, dass meine Marke in diese Richtung gehen wird, weil sie sich ständig weiterentwickelt, aber ich weiß, dass ich diesmal nicht möchte, dass es Unterschiede zwischen Herren- und Damenbekleidung gibt. Aber wenn man einer Frau und nicht einem Mann ein Kleidungsstück anzieht, hat das natürlich nicht die gleiche Wirkung, es vermittelt nicht das gleiche Gefühl. Am Ende passt sich jedes Stück der Person an, die es trägt.

Ich spüre in diesem Projekt ein größeres Gefühl von „Sexualität“ als in der Vergangenheit.

Meine Arbeit ist viel sexueller als bei Ann und Martin. Ich glaube, Martin war sich der sinnlichen Energie bewusst, die ich einem Kleidungsstück verleihen konnte, und er war froh, dass ich angefangen habe, für ihn zu entwerfen, weil er seiner Welt ein bisschen mehr Sexualität verleihen wollte. Und ich glaube, Ann hat im Laufe der Zeit auch diese Seite von mir entdeckt. Als ich für sie gearbeitet habe, gab es immer diese Spannung, die ich in jedes Stück einzubringen versuchte. Am Ende habe ich diesen Aspekt noch weiter vorangetrieben und versucht, Dinge zu tun, die ich nicht für mich selbst getan hätte, vielleicht weil es zu früh oder nicht der richtige Zeitpunkt war.

Du sagtest: „Martin gefiel meine Körperwahrnehmung.“ Ein Bewusstsein, das möglicherweise mit der Vorstellung von Performance zusammenhängt, die für die Marke in diesem Moment wirklich wichtig ist, von Ihrer Leidenschaft für Ballett, die Ihre Arbeit bei Ann Demeulemeester mit Nijinsky maßgeblich inspiriert hat, bis hin zu Ihrer Zusammenarbeit für schwule Propaganda mit der Künstlerin Slava Mogutin. Immer verschiedene Arten, einen Körper zu verstehen.

Alles begann mit meiner ersten Kollektion für das Hyères Festival. Ich hatte diese Obsession mit dem Körper, also musste ich bei der Herstellung von Kleidungsstücken unbedingt einen nachbilden, fast konzeptionell. Ich habe nicht nur Kleidung hergestellt, ich habe Körper kreiert. Da waren diese mageren Punk-Jungs, mit rotem und schwarzem Leder bezogen, mit gut definierten Muskeln, die eine fast pornografische Spannung vermittelten. Das spiegelte sich auch im Schmuck wider: Ich habe viele Stücke gemacht, die von Knochen inspiriert waren. Ich war besessen von dem Körper, in gewisser Weise sogar von meinem eigenen. Wahrscheinlich, weil ich jung war und meine Sexualität erforschte. Heute können Menschen über soziale Medien ihre Körperlichkeit leicht ausdrücken. Zu dieser Zeit war das nicht möglich, also musste ich dieses Bedürfnis durch die Models sublimieren. Aber ich wollte mich auch zeigen, und ich erinnere mich, dass ich einmal beschlossen habe, mich selbst zu modeln, indem ich mich vor dem Publikum an- und auszog, um die gesamte Kollektion zu präsentieren. Aber dann, nachdem wir es mit dem Team besprochen hatten, wurde uns klar, dass es mehr als 20 Minuten dauern würde, zu lang für eine Show. Am Ende reduzierte ich die Zeit auf zehn Minuten, mietete zwei Models und behielt das An- und Ausziehen bei. Später begann ich, das Konzept der Performance in der Mode zu erforschen, arbeitete mit Choreografen und Künstlern zusammen und fotografierte und druckte Teile meines Körpers auf Einladungen und Kleidungsstücken. Ich begann Mode als eine Form der Performancekunst zu sehen.

Sie haben in diesem Interview oft Besessenheit erwähnt. Ich glaube, die wichtigsten kreativen Köpfe unseres Jahrhunderts oder sogar der Welt sind in gewissem Sinne genau aus Besessenheit so. Also, was sind deine Obsessionen?

Es stimmt, ich denke, dass ein kreativer Geist im Allgemeinen etwas wiederholt und es auf seine eigene Weise wiederholt, weil das Leben eines Designers oder Künstlers gewissermaßen davon abhängt. Es gibt dieses starke Gefühl der Dringlichkeit, und genau das macht es zu einer Obsession: weil es ein Gedanke ist, der einem ständig in den Sinn kommt, eine Handlung, die man nicht anders kann, als zu tun. Indem Sie diese Dringlichkeit ausdrücken, können Sie manchmal mit anderen Menschen in Kontakt treten und etwas teilen, das Sie auf herkömmliche Weise nicht ausdrücken könnten. Vielleicht ist das in gewisser Weise meine Sprache, meine Art zu sprechen. Mode ist das einzige, was ich wirklich kann. Meine Bedenken spiegeln sich in meinen Kleidungsstücken wider.

Ich dachte an die Aufführung von „Homme Sandwich“ von 2005, bei der Models verschiedene stilisierte Charaktere darstellten, von denen jeder eine Papiertüte über dem Kopf hatte, auf dem dein Gesicht in verschiedenen Formen bedruckt war. Sie selbst sind als Superman verkleidet durch die Show gegangen: Auf Ihrer Tasche stand „größenwahnsinnig“. Sie haben über die Idee gesprochen, Ihren Körper als kreative Notwendigkeit zu entlarven. Ein Konzept, das dem Geist der Marken zu widersprechen scheint, mit denen Sie über zwanzig Jahre zusammengearbeitet haben und die ein ganzes Narrativ auf Anonymität aufgebaut haben. Das Dilemma war schon immer, ob man sich als Designer exponieren soll oder nicht, aber mit dem Aufkommen der sozialen Medien scheint das Thema noch komplizierter geworden zu sein, oder?

Das ist eine interessante Frage, weil sie ein Thema berührt, das mich sehr beschäftigt. Ich habe mit Leuten gearbeitet, die es vorziehen, anonym zu bleiben, aber ich wollte mich in erster Linie durch meine Kleidung ausdrücken, wahrscheinlich weil ich nicht wusste, wie ich mich anders ausdrücken sollte. Nach zwanzig Jahren der Zusammenarbeit mit dieser Art von Designern wurde mir klar, dass ich auch gerne im Schatten arbeite, ohne Aufmerksamkeit wie ein Star oder ein Influencer zu suchen. Ich will nur durch meine Kleidung zu mir selbst finden, wie ein Autor, der in seinen Büchern über sich selbst spricht. Ich fühle mich in den sozialen Medien sehr unwohl, obwohl ich sie gleichzeitig faszinierend und gefährlich finde. Ich denke, sie sollten ein Ausdrucksmittel sein, aber keine Verpflichtung, sich bekannt zu machen. Als ich jung war, gab es diese Gelegenheit nicht, und manchmal bin ich ein bisschen neidisch auf die jungen Leute von heute, die sich so einfach präsentieren können. Aber wenn ich diese Abkürzung gehabt hätte, hätte ich vielleicht nicht das Bedürfnis verspürt, mich durch Kleidung auszudrücken. Es ist wichtig, Schwierigkeiten zu haben, die dich zwingen, mehr darüber nachzudenken, was du tust, und dich in dem, was du ausdrückst, stärker machen.

Kann die Selbstbeschränkung neue Möglichkeiten für die eigene Kunst schaffen?

Ich habe immer versucht, mir freiwillig Einschränkungen aufzuerlegen, und ich finde viel Inspiration in Arte Povera. Ich habe immer an Drucken gearbeitet, ohne den Computer zu benutzen. Noch heute verwende ich es nicht oft, außer für E-Mails. In diesem Sinne bin ich sehr altmodisch; ich arbeite immer noch mit Fotokopien, Ausschnitten und der manuellen Rekonstruktion von Bildern. Ich zeichne nur, wenn es nötig ist, nicht weil es mir besonders viel Spaß macht. Ich arbeite mit dem, was mir zur Verfügung steht, und fühle mich bei neuen Technologien oft unwohl.

Die letzten Fragen, die ich dir stellen möchte, sind ein bisschen nostalgisch. Was ist Ihre liebste Erinnerung an Ann Demeulemeester und Ihre Zusammenarbeit?

Als ich sie zum ersten Mal traf, war es im Maison Guiette in Antwerpen. Wir haben stundenlang geredet, viel länger als erwartet. Wir gingen sogar zusammen essen — Falafel in einem Kebab-Laden in Antwerpen — und am Ende brachten sie mich zum Bahnhof. Ich war noch im Zug, als Patrick Robyn, ihr Mann, mich anrief und sagte, sie wollten mit mir arbeiten. Sie stellte mir PJ Harvey und Patti Smith vor, und das Le Corbusier House, ein UNESCO-Weltkulturerbe, wurde bald zu meinem Studio. Es war der Beginn einer unglaublichen Erfahrung, einer Zusammenarbeit, die zehn Jahre dauerte.

Und was ist mit Martin Margiela?

Martin. Meine schönste Erinnerung ist die Arbeit mit ihm. Ich denke, er ist die großzügigste Person, die ich je in meiner Karriere getroffen habe. Während der Treffen versammelte sich das Team um den Tisch und jeder von uns stellte seine Ideen für die Saison vor. Er würde natürlich seine Vision teilen, aber wir haben auch beigetragen, was wir bei unseren Recherchen entdeckt hatten, ohne eine genaue Richtung zu haben, der wir folgen sollten. Es gab absolute Freiheit, uns auszudrücken, und plötzlich nahm alles Gestalt an, mit dem Beitrag aller. Ich hatte nie das Gefühl, dass er uns eine bestimmte Richtung auferlegt hat. Vielmehr ermutigte er uns, unserer Kreativität freien Lauf zu lassen und uns unserer Sensibilität voll bewusst zu sein. Mit nur wenigen Worten gelang es ihm immer, uns in die richtige Richtung zu lenken, natürlich die, die er sich gewünscht hatte, aber es lag eine gewisse Magie in der Art und Weise, wie er es tat. Ich hatte nie Schwierigkeiten, mit ihm zu arbeiten; er war immer großzügig und spannungsfrei, was in der Modewelt selten ist.