Todos os artistas musicais com quem Guadagnino trabalhou E a importância da música no cinema do realizador, de Io sono l'amore a Queer

Desde ontem, Queer, o mais recente filme de Luca Guadagnino baseado no romance homónimo de William S. Burroughs publicado pela primeira vez em 1985, está nos cinemas italianos. Estrelado por Daniel Craig como o alter ego do escritor americano, é uma obra em que a música desempenha um papel fundamental, quase como se fosse uma personagem própria. Isto não é novidade para quem conhece a filmografia do realizador. Como escreveu Carlo Valeri no último número da Linus, inteiramente dedicado ao cineasta italiano, “em toda a filmografia de Guadagnino, cada peça musical parece cumprir uma função perceptiva, íntima e teórica, nunca meramente decorativa ou trivialmente didática.” No Festival de Veneza, o próprio realizador declarou certa vez: “O uso passivo da música é um pecado mortal para qualquer cineasta”, acrescentando: “No dia em que eu faço algo em que a música é usada apenas como ruído de fundo, vou para a Suíça e deixar-me morrer”.

Guadagnino teve a sua primeira epifania cinematográfica em 1987, atingida na estrada de The Last Emperor por Bertolucci, cuja banda sonora foi composta por um trio excepcional: David Byrne (Talking Heads), Cong Su e Ryuichi Sakamoto. A segunda epifania, muito mais recente, surgiu em 2005, apresentando-o à música de John Adams, que nunca abandonou: o grande compositor americano, vencedor do Pulitzer em 2003, tem sido amplamente utilizado por Guadagnino desde o seu filme de estreia I Am Love. Aparentemente, tudo começou com uma cópia da Música Naïve and Sentimental, dotada por um executivo da Sony com quem trabalhava. Tentando explicar o seu fascínio, o realizador afirmou numa longa entrevista à Pitchfork que a música de Adams “tem a capacidade de interpretar a realidade, a história da realidade, a história dos Estados Unidos, e compreender até os limites da música para se tornar uma exploração astuta da identidade humana e da relação política que nos une a todos”.

No entanto, não se apaixonou por apenas um compositor. Ao longo da sua carreira, Guadagnino confiou a escrita de música original a vários músicos refinados, principalmente com um fundo de rock (indie), mas capaz de transcender as fronteiras do género — como Sufjan Stevens, indicado ao Oscar para a banda sonora de Call Me By Your Name (2017), e Thom Yorke do Radiohead, que compôs a música para Suspiria (2018). Uma outra menção vai para o compositor clássico Dev Hynes, mais conhecido pelo seu nome artístico Blood Orange, um projeto que mistura texturas R&B e sintetizadores vaporosos dos anos 80. Inicialmente contactado apenas para aparecer numa cena de concertos na Locomotiv em Bolonha, acabou por compor toda a banda sonora da série de televisão We Are Who We Are, de Guadagnino, conseguindo fundir dois mundos aparentemente distantes — Schubert e Philip Glass de um lado, e R&B de vanguarda do outro.

Mais tarde, Guadagnino estabeleceu uma forte ligação com dois músicos que se tornaram compositores de cinema: Trent Reznor e Atticus Ross — respetivamente líder e produtor de Nine Inch Nails — que se tornaram pilares da indústria, ganhando dois Óscares pelas bandas sonoras de The Social Network (2010) e Soul (2021). Com eles, Guadagnino compôs música original para as suas últimas obras — Bones and All (2022), Challenger (2024), e agora Queer (2025). A sua colaboração tornou-se tão próxima e íntima que até escreveram uma canção original juntos: Compress/Ripress para a banda sonora dos Challenger. Esta sinergia resultou em algo surpreendente em todas as três obras. Em Bones and All, dois elementos-chave se destacaram: sintetizadores viscerais e inquietantes que imergem o espectador na atmosfera de terror do filme, e um tema recorrente de guitarra acústica evoluindo ao lado das personagens e a sua relação mais íntima: I'm With You (A Way Out), I'm With You (Always).

Já em Challenger, a ideia central era transformar o campo de ténis, onde decorre a maior parte do filme, numa espécie de pista de dança metafórica para os três protagonistas “dançarem”. Como David Foster Wallace explicou em Infinite Jest, o ténis é uma espécie de dança. A intuição vencedora de Guadagnino foi aumentar este conceito com música techno tocada em alto volume, como uma festa rave ecoando o batimento cardíaco acelerado dos jogadores e o frenético vai-e-vem da bola. Uma vez que a história também é um ménage à trois, o outro elemento chave era tornar tudo profundamente sexy como uma dança erótica. Reznor lembrou numa entrevista à GQ como Guadagnino insistiu que toda a música gira em torno de três palavras-chave: “Desejo homoerótico sem fim”.

Uma tríade que também parece guiar o design sonoro do último Queer, um filme que conta a história da aventura romântica e psicotrópica de um homem dissoluto, procurando desesperadamente um amante para a noite e uma droga mágica para a vida. No entanto, o resultado musical final de Reznor e Ross aqui é decididamente mais sombrio do que nos Challenger ou em qualquer um dos seus trabalhos anteriores no cinema: tudo soa mais onírico, quase fantasmagórico, uma espécie de música ambiente levemente infundida no jazz, deliberadamente excessivamente sentimental — tal como a narração do protagonista. A maioria das faixas tem uma atmosfera abafada, como se tudo estivesse envolto num véu fantasmagórico de tristeza inconsolável. Afinal, os títulos das faixas falam por si: The Saddest Man in the World, Love Wourly Shatter, Thinking is not suficient, Place of Failure, etc. — todas citações da última página do diário de Burroughs, escrita dois dias antes da sua morte em 1997 — canções nascidas de um punhado de frases melódicas românticas e nostálgicas. Isto é especialmente evidente no single principal Vaster Than The Empires, que apresenta duas citações particularmente pungentes do diário cantado por Caetano Veloso. A primeira vem de um amigo que descreveu Burroughs como o homem mais triste do mundo: “Como pode um homem que vê e sente ser tudo menos triste?” Burroughs escreve. O segundo, anotado ao lado, é tirado do poema do século XVII To His Coy Mistress de Andrew Marvell: “O nosso amor crescerá mais vasto que os impérios e mais devagar”. É o mesmo ritmo e escopo avassalador de amor que permeia toda a banda sonora, cuja faixa final LOVE foi também a última palavra no diário de Burroughs: “o analgésico mais natural que existe”. Tal como a música.