“Holanda” e a estética dos subúrbios dos EUA no cinema À medida que o filme estrelado por Nicole Kidman é lançado no Prime Video, um lembrete de que nem tudo o que brilha é ouro

Em filmes como a Holanda, a premissa com que o espectador começa é que nada é o que parece. Sob o verniz de conforto e tranquilidade da cidade, deve haver necessariamente um segredo, que então forma a base da intriga da história, acabando por quebrar as crenças e a sensação de segurança dos protagonistas, à medida que lentamente emergem do seu próprio engano. No entanto, o filme escrito e dirigido por Mimi Cave, regressando ao Prime Video depois de estrear em 2022 com Fresh, tem algo inusitado: a sua resolução não diz respeito ao local que dá título ao filme, mas sim à esfera pessoal do protagonista. Quando confrontado com tais operações, normalmente é todo o castelo de cartas que desmorona, revelando um backstage cheio de escândalos e segredos. Desta vez, porém, é simplesmente a existência de Nancy, interpretada por Nicole Kidman, que desmorona, deixando intacta a aura idílica da Holanda, Michigan. Uma solução que derrube o que o cinema muitas vezes nos ensina: a necessidade de prestar atenção não só à vida privada dos personagens principais mas também ao seu entorno. Normalmente, é uma máscara usada por toda uma cidade, uma vila, uma aldeia, ou mesmo apenas um bairro, escondendo dinâmicas silenciosas que influenciam o quotidiano (extra) ordinário dos seus habitantes. É por isso intrigante ver onde a Holanda de Mimi Cave leva, apesar de um débâcle final que não se deve ao desrespeito às regras do género mas sim a um ritmo vacilante que não ajuda o espectador. Nicole Kidman foi uma escolha adequada para o papel da protagonista — ela viveu em cidades e sociedades improváveis com regras impostas várias vezes no grande ecrã, do mundo impecável de The Stepford Wifes à claustrofobia de autor de Dogville de Lars Von Trier.

O primeiro título é um remake da adaptação cinematográfica de 1975 The Stepford Wives, baseada no romance homónimo de Ira Levin e dirigido por Frank Oz em 2004. Kidman interpreta Joanna, uma executiva e produtora de televisão que escapa a um perigo que a leva a mudar-se para Stepford, Connecticut, onde logo percebe que todas as mulheres da cidade são quase idênticas. Em Dogville, a situação não é tão encantadora. Embora exista um enigma subjacente e inquietante, a sensação de perigo é imediatamente mais aparente, com a violência a tornar-se evidente após um período inicial de semi-silêncio. Mas é o conceito de circuito fechado que caracteriza um tipo de filme pensado para prender o protagonista, deixando o público a esperança de uma fuga. Um cenário reconfortante onde, pouco a pouco, os sinais começam a emergir. O mesmo engano que Wanda Maximoff criou na série da Disney WandaVision, exceto que, nesse caso, o truque era principalmente para ela.

Por vezes, a decisão de definir estes ambientes é simplesmente criar um forte contraste com os temas ou narrativas dos filmes. Outras vezes, é para trazer à tona questões que muitas vezes deixamos fervendo por baixo, apenas para explodir mais tarde. Entre os casos emblemáticos de pequenas cidades ou famosos subúrbios americanos usados como pano de fundo para histórias sombrias está o Blue Velvet, que abre com a icónica cerca branca e rosas vermelhas, símbolos da paz e tranquilidade de uma realidade americana que, na verdade, apenas mascara a podridão de uma história que David Lynch desvenda através do sexo, violência e boate — muito parecido com os comensais e tortas de maçã de Twin.. A nível metafórico, o caso mais recente é Don't Worry Darling, que foi comparado a The Stepford Wives with Nicole Kidman, desta vez protagonizado por Florence Pugh num cenário dos anos 50, interpretando a esposa e dona de casa quintessenciais — uma era frequentemente escolhida para tais narrativas.

Presa numa rotina que começa a rachar, a realizadora Olivia Wilde, com um guião de Katie Silberman, constrói um mistério em torno da protagonista Alice/Florence Pugh, ocultando o abuso e a coerção. Um cativeiro em que a luta pela igualdade de género é totalmente apagada, e que a personagem deve recuperar, anestesiada e repentinamente jogada de volta à vida real, percebendo que tudo o que está a viver é uma farsa sexista e misógina. Em Don't Worry Darling, o confinamento é imposto por outros, enquanto no caso de The Village de M. Night Shyamalan, é a própria comunidade que tomou medidas para se proteger, levando alguns moradores a questionarem o que é real ou não no seu enclave isolado e pastoral. É certamente um engano, especialmente para a protagonista Ivy Walker (Bryce Dallas Howard), mas é também a escolha de uma vida alternativa — uma em que nem todos podem ter concordado em participar.

Se encontrássemos um título mais próximo da Holanda de Mimi Cave, seria o Suburbicon de George Clooney, lançado em 2017 e escrito por Joel e Ethan Coen, protagonizado por Matt Damon e Julianne Moore. No filme com Nicole Kidman, revela-se que a vida da protagonista é realmente bastante feliz, se não pelo segredo indescritível do seu marido (interpretado por Matthew Macfadyen), sendo a cidade em última análise um lugar de paz onde, no entanto, não está claro o que é real ou não. O mesmo acontece no Suburbicon. Ainda é evidente que a bondade e o convívio excessivo do subúrbio americano devem necessariamente ocultar uma distorção — a mesma que Tim Burton tornou visível através da presença de seu Edward Mãos de Tesoura no subúrbio americano dos anos 70. No filme de Clooney, isto transforma o homem comum de Damon num pai que faria qualquer coisa para proteger a sua família, mas ainda mais os seus próprios interesses. Enquanto o filme retrata uma xenofobia tácita e rastejante como base da sua história, vemos o protagonista Gardner Lodge/Matt Damon agir para seu próprio benefício, puxando as cordas de uma narrativa inspirada em Hitchcockian. A questão continua a mesma: nunca confie no que parece ser perfeito. Pode haver uma conspiração — ou mesmo um assassinato — à espreita por baixo.