Nó de Jonathan Anderson para a Dior Haute Couture SS27 Entre as ferragens e esculturas, a mulher Dior ilumina sem deixar de lado a materialidade

Duas foram as imagens teaser publicadas por Jonathan Anderson em antecipação ao espetáculo Dior Haute Couture SS27, que acaba de acontecer em Paris: uma floresta de ferns e a artista e escultora Lynda Benglis retratada no trabalho, seguida de um videoclipe em que fala da intersecção entre a compreensão do mundo, a união dos diferentes materiais e a personalidade. E as obras de Benglis — inchadas, metálicas, intensamente táteis e cromáticas, expandidas como concreções naturais — tinham certamente inspirado a investigação em volumes e a estética de vários looks desta coleção, em que Anderson refinou e focalizou a sua visão para a Dior Haute Couture.

E talvez seja precisamente este esforço de compreensão, de entrar no espírito da Maison — um processo que anda de mãos dadas com o trabalho sistemático e unificado nas coleções da marca — que deu origem ao tema visual do programa desde o primeiro olhar: o nó. Um motivo decorativo, mas também um problema a desamarrar. Começando pelo grande xale de lã atado à frente que abriu o espetáculo, a peça de vestuário com nós frontais tornou-se um elemento decorativo e estrutural de uma coleção que, em comparação com o passado, deixou de lado um pouco do conceptualismo mais pronunciado do primeiro desfile de Alta Costure. Uma silhueta mais alongada, looks mais focados que tiveram de coexistir com uma preciosidade virtuosa na procura de materiais.

Emergindo da Cachota

A sucessão de looks acompanhou a transição da roupa diurna para a roupa de noite. O primeiro look jogou inteiramente num equilíbrio de texturas: a qualidade líquida das calças e da camisa, o peso total e poroso do grande xale de lã com nós — quase uma escultura têxtil — e finalmente a qualidade metálica do chapéu. Após o segundo look, com outra capa de lã volumosa e atada, chegou uma sequência de vestidos plissados, misturando brilhos metálicos com enfeites florais que, após um cintilante e franjado Bar Jacket, deram lugar a looks que pairavam entre o vestido e o outerwear, fortemente plissados e substanciais.

Nesta altura, com todos os leitmotifs estabelecidos, iniciou-se uma série de variações quase barrocas, construídas sobre os temas do nó, da prega, do metal e da estética floral. Alguns looks, mais ajustados, eram compostos por centenas de pétalas de tule reunidas; um conjunto particularmente bonito — o vigésimo terceiro — era em cetim preto e branco, atado e assimétrico também. Este conjunto (embora houvesse outros exemplos ao longo do espetáculo) demonstrou melhor a visão estética e construtiva que Anderson mantém para a marca, com simplicidade elegante.

Havia casacos cujas lapelas se tornaram um nó ondulado, vestidos de capa plissados vermelhos como sinos de flores, saias iridescentes largas e um vestido de trapézio incrível e limpo cujas bainhas se enrolavam em espirais etéreas. Outros looks com saias de balão de cintura alta feitas de materiais compósitos lembravam mais de perto a arte de Lynda Benglis. Os sacos — todos muito bonitos, divididos entre minaudières, sacos trapezoidais com franjas e embreagens em faux-metal plissado — eram todos surpreendentemente fortes. Os sapatos, entretanto, deram continuidade ao tema botânico e aos enfeites florais já explorados por Anderson em coleções anteriores.

Um Conflito de Materiais

Tem sido notado que este espetáculo revelou, mais claramente do que antes, uma silhueta feminina mais assertiva e sensual. Isto porque a investigação de Anderson sobre materiais e construção — que pode ser decididamente vanguardista e conceptual — continua a atraí-lo para tecidos e texturas que são muitas vezes muito densos e pesados. Estas texturas, combinadas com os nós e arcos volumosos que definem a arquitetura das peças, tendem a sobrescrever em vez de seguir a silhueta natural do corpo. Um conflito de pesos e texturas simbolizado por um longo casaco de bar cujo corpo estava numa espécie de lã pesada e peluda que, ao descer até aos joelhos, tornou-se gradualmente um comboio impalpável.

Assim, tende-se a notar um acúmulo de texturas muito diferentes que aparecem combinadas com uma estratificação de enfeites e técnicas — especialmente em looks adornados com nós substanciais, ou aqueles que são simultaneamente decorados com apliques, abertos na parte de trás e acabados com um grande ventilador; ou mesmo naqueles em que as camadas superiores carregam um certo peso. E, no entanto, a construção e conceção das peças, bem como o trabalho sobre cores e materiais, funcionam melhor quando permitem ao corpo mais liberdade para respirar e revelar-se. Os looks mais simples, aliás, mostraam perfeitamente a sensibilidade de Anderson, parecendo mais diretos e elegantes.

A Dior é uma Maison que, desde a sua criação, nunca poupou em volume ou materiais. Isto é bem conhecido. Mas é também uma Maison que, mesmo dentro dos seus volumes muitas vezes complexos e altamente articulados, celebrou a forma feminina através de uma silhueta muito nítida e precisa. Pode-se sempre ver a mulher por baixo do vestido, por assim dizer — enquanto aqui, em certos looks, a forma humana está totalmente oculta, quase submersa sob materiais requintados e soberbamente trabalhados que, no entanto, “vestem” a mulher em vez de serem usados por ela. Para Anderson, um designer de grande intelecto, o mundo da Dior pode parecer um nó górdio — tão complexo que seria melhor cortá-lo com um único toque de absoluta simplicidade.