Uma obsessão que não pode morrer, entrevista a An Vandevorst Sobre o que resta da criatividade, o advento das redes sociais e da moda que muda

Um trecho de camas de hospital em ferro forjado e raparigas dormindo em meias transparentes, saias jutas e cardigãs em tons pastel, destacando-se em contraste com a brancura dos lençóis. Cada um deles acorda do sono e anda pela passarela, excepto um que, enquanto espera a sua vez, adormeceu. Estamos em 1999, e An Vandevorst e Filip Arickx, que se conheceram há poucos anos nas salas de aula da Academia Real de Belas Artes de Antuérpia, apresentam a sua segunda coleção num espectáculo-espetáculo destinado a entrar para a história, tanto pelo seu encanto ingénuo como pelo seu poder narrativo. Apesar de estarem apenas no início, as inspirações que os acompanharão para os próximos vinte anos já estão todas lá: Joseph Beuys, a Cruz Vermelha, a religião, os cavalos e acessórios equestres, rebites, lingerie, uniformes, e notas de fetichismo. Uma mistura de referências que se repete como uma batida de bateria, uma obsessão que não pode desaparecer, mas sempre de uma nova forma, deixando espaço para admiração. Hoje, a marca já não existe, por escolha própria dos fundadores, mas no anonimato dos áridos cenários rurais, na automação do luxo silencioso e feeds do Instagram, a moda está mais nostálgica do que nunca — não tanto para uma era histórica bem definida, mas para aquela maneira peculiar de trabalhar onde uma peça de roupa poderia nos transportar para um universo, tornar-se a porta-voz de um sistema estético e de valores e transcender a banalidade do realidade. Os códigos estéticos moviam-se num equilíbrio entre masculino e feminino, sagrado e profano, construção e desconstrução — os legados da escola belga: uma mistura incomparável e irrepetível que agora é almejada no meio das ruínas de um sector que, em vez disso, se desvia perigosamente para o anonimato. Falámos de obsessão e performance, sobre o que resta da criatividade e como protegê-la, sobre o advento das redes sociais e da indústria em mudança, bem como o seu papel como assessora na Polimoda, com An Vandevorst numa conversa que durou mais de uma hora.

A primeira pergunta é sobre os elementos recorrentes nas vossas criações. Li uma entrevista antiga em que disseste que colecionava mobiliário hospitalar, esse é um detalhe que me chamou a atenção: parece que não é só inspiração, mas obsessão.

É muito curioso que me perguntem isso, porque tenho usado muito a palavra obsessão ultimamente, especialmente com estudantes ou pessoas que me pedem conselhos, porque acredito firmemente que é a obsessão que nos dá o impulso, que determina uma necessidade. Pelo menos é assim que funciona para mim: as obsessões controlam a minha vida e obscurecem a linha entre a vida, o trabalho e a paixão. Não há distinção. E acho que quem quer estar nesta profissão tem de confrontar a questão: “É isso mesmo que eu quero fazer? Posso viver sem esta urgência, este desejo de criar?” Se está obcecado, não tem escolha.

E o mobiliário hospitalar?

Costumava ter um armazém, um grande estúdio em Antuérpia, onde guardávamos todo o mobiliário que usávamos para showrooms ou apresentações. Agora mantemo-los em casa, juntamente com outros móveis que guardamos para a próxima ocasião especial.

Por falar em ocasiões especiais, os teus espectáculos foram sempre verdadeiras performances e não apenas uma linha simples de corpos a andar na passarela. Penso no SS00, onde as jovens vestidas com tecidos transparentes moviam-se simultaneamente em trajetórias diferentes antes de mergulharem nas águas da piscina Oberkampf em Paris. Ou SS07, onde as raparigas imitavam as freiras jansenistas com a boca coberta de almofadas de algodão branco para evitar matar acidentalmente insetos ou qualquer outro ser vivo apenas respirando. E depois o SS16, no qual os modelos eram recolhidos em motos pela porta dos bastidores e circulavam o edifício antes de serem lançados no pátio da Faculdade de Medicina de Paris Descartes. A performance, criando uma narrativa e uma experiência que permanece uma memória viva na mente do espectador, tem sido um elemento distintivo do seu trabalho ao longo dos anos. Mas como é que a performance se encaixa na nossa perceção de uma peça de vestuário?

A moda é uma linguagem; é a história que queremos contar, e a nossa linguagem e história têm sido fortes desde o início. A visualidade é crucial. Uma peça de roupa tem de cumprir certos critérios para ser vestível, caso contrário, não é realmente roupa. O verdadeiro desafio é colocá-lo num quadro que seja atrativo, encontrar uma nova forma de olhar para aquela peça. Afinal, um par de calças continua a ser um par de calças, mas a forma como o apresenta muda completamente a sua perceção.

E qual é o papel que a música desempenha neste processo?

É um elemento chave da narrativa, outra das minhas obsessões.

Em 1998, para o teu primeiro programa, daste a cada modelo uma cassete contendo três canções: Wild is the Wind de David Bowie, Superstar do Sonic Youth, e I've Never Been to Me de Charlene. Em cada uma das suas coleções, a música foi escolhida com precisão cirúrgica para completar a narrativa em que a própria música desempenha um papel crucial. Se tivéssemos de escolher três faixas para essa fita hoje, para dar aos modelos para cantarolarem enquanto caminham na passarela, quais seriam elas?

Depende da história. Escolher três músicas sem uma história é muito difícil, mas provavelmente seria música electrónica. Às vezes acho uma faixa, por exemplo, demasiado masculina ou demasiado fria, quase militar, e depois tento fazê-la soar mais sedutora ou feminina. Gosto de criar esta tensão com a música, e é uma abordagem muito semelhante ao método que uso para uma coleção ou uma peça de roupa específica. É sobre brincar com contrastes às vezes. Recolho pistas incansavelmente, arquivo-as num software específico e organizo-as. Faço-o de forma muito ingénua, muito simples, mas funciona para mim.

Relativamente à sua formação, sempre mencionou o Antwerp Six como uma referência para as gerações subsequentes de designers. O que realmente determinou a ascensão da moda belga?

Creio que o segredo reside no facto de nunca termos tido um grande apoio financeiro. Procurámos sempre soluções criativas, em exposições, vendas, criação de coleções, chegar ao público, permanecendo fiéis à nossa visão, sem seguir ou analisar tendências. Por exemplo, esta foi uma das razões pelas quais parámos, porque tudo se tornou demasiado baseado na análise de mercado. Os clientes começaram a ir aos showrooms com os seus PCs, o Filip e eu olhamos um para o outro e perguntámo-nos: “O que está a acontecer?” Os compradores costumavam entrar, ou amavam ou odiavam a coleção, e depois compravam-na ou não. Costumavam seguir o seu instinto. Depois o instinto transformou-se em marketing, merchandising, todas aquelas palavras... e pensamos que as novas gerações eram melhores nisso. Percebemos também que as ferramentas de storytelling nos programas permaneciam, mas não os ambientes de storytelling. E a partir desse momento, decidimos que era hora de parar, que tínhamos gostado muito, mas era hora de fazer outra coisa.

E como acha que as redes sociais têm contribuído para esta “perda de inocência”?

Naquela altura, quando começámos, gastávamos muito dinheiro num agente de imprensa e organizávamos desfiles de moda em Paris para mostrar o nosso trabalho ao mundo. A grande vantagem das redes sociais é que pode ser visível num instante. Podem ser uma ótima ferramenta, e pode controlá-los: pode gerir facilmente o que publica e a que ritmo. Outro aspeto que mudou ao longo dos anos é a relação entre a marca e o consumidor final, uma confiança cega que se perdeu definitivamente. O cliente veria as poucas peças que os compradores selecionavam para elas nas lojas, sem perceber que havia uma coleção 20 vezes maior atrás daquelas peças de roupa. O consumidor final nunca teve oportunidade de ver toda a coleção. Agora, através das redes sociais, toda a gente tem acesso a desfiles de moda — literalmente todos — e é tão simples como procurar uma peça no Google, clicar e dizer: “Eu quero”. Mas acontece que a loja não comprou aquela peça em particular, seja porque não podiam ou porque não havia orçamento para comprar toda a coleção. Assim, as lojas estão stressadas porque já não sabem o que comprar. Depois, há a questão dos designers, que é outro grande problema para toda a indústria. Os designers seniores às vezes lutam para encontrar um lugar porque as marcas contratam designers juniores ou celebridades para criar as coleções. Mas todas as marcas precisam de um esforço coeso para traduzir a história de um desfile em peças de vestuário consistentes. Hoje, temos a percepção de que a moda é apenas entretenimento, mas não é; a moda é sobre roupas.

Que conselho dá aos seus alunos?

No final do ano letivo, proponho novas ideias ou ajustamentos para o próximo ano, (com base nas minhas observações do ano que chegou ao fim e no feedback que recebemos dos docentes), para tornar os cursos fortes, coerentes e mantê-los atualizados. Juntamente com Massimiliano (Giornetti) e o coordenador, fazemos os novos programas. Quando começa o novo ano letivo explico a toda a equipa de professores a visão dos cursos e que alterações são feitas. Depois, a partir de novembro, venho quando os programas já estão a decorrer para dar o meu feedback e ter uma visão geral. É bom trabalhar e criar num ambiente criativo como o Polimoda, porque é como mover-se numa espécie de bolha. Senti o mesmo durante o meu tempo na Academia. Era o meu lugar seguro. Temos todo o tempo e espaço para explorar a si próprio, e podemos aprender muito com outros alunos e professores. É uma troca constante.

Que conselho dá aos seus alunos?

Aconselho os alunos a não fazerem copiar-colar, a encontrarem a sua própria voz. Como disse antes, a moda é uma linguagem, e é preciso aprender a falar, a expressar-se, a perceber como chegar a uma forma, como a forma e o corpo interagem um com o outro. É preciso absorver, absorver, absorver. E acima de tudo, precisa aprender a ver oportunidades, especialmente aquelas que já estão a cruzar o seu caminho.