Os pavilhões imperdíveis da 61ª Bienal de Arte de Veneza E o que dizem sobre nós

Assistimos à 61ª edição da Bienal de Arte de Veneza, e mais do que qualquer edição recente, esta foi sem dúvida uma das mais agitadas em anos. O tema da 61ª Exposição, In Minor Keys, é uma homenagem direta ao curador Koyo Kouoh, falecido prematuramente: “A alegria da arte autêntica, que tão se assemelha à vida real”, comentou Pietrangelo Buttafuoco, “É uma Exposição permeada pelo espírito, por um sentido de sacralidade que coloca o ser humano de volta ao centro, redescobrindo o que significa existir no mundo reconectando-se com os elementos da terra e olhando mais uma vez para o céu.” Com efeito, a partir dos dias de pré-abertura, a edição de 2026 pareceu profundamente consciente do atual clima sociopolítico e das tensões que o definem, desde o financiamento ameaçado até aos protestos e greves.

Por mais caótico e turbulento que tenha sido, vivenciamos a 61ª Exposição Internacional de Arte de Veneza de uma forma que talvez não acontecesse há anos, e não apenas através das próprias exposições. Enquanto a crítica voltou a ressurgir daqueles que acreditam que a arte não deve ser política e deve absolutamente evitar a política para preservar a sua sacralidade e autenticidade expressiva, que já é um paradoxo em si mesma, este ano as histórias e a humanidade dos artistas não eram apenas sobre fazer arte, mas sobre um modo de viver em toda a sua complexidade em camadas, incluindo o que significa ser cidadão do mundo. Através de uma narrativa curatorial atenta, sincera e profundamente realista, In Minor Keys conseguiu deixar uma marca na paisagem da arte contemporânea.

Pavilhão de Espanha - Los Restos

Habituados como estamos a videoinstalações e ambientes “digitais” imersivos, Los Estédios é uma intervenção ambiental que recupera o analógico através de uma operação que recorda simultaneamente tanto o dinamismo das imagens, que cobrem e invadem inteiramente o espaço, como a obstinada lentidão dos processos mentais necessários para contemplar cada imagem individual. É um convite a uma espécie de feira de pulgas ou wunderkammer idealizado por Oriol Vilanova, artista há muito empenhado na recolha e reactivação de materiais efémeros, aqui acompanhado pelo curador Carles Guerra. O projeto, nascido de vinte anos de coleccionismo obsessivo, reúne postais e fotografias turísticas que contemplam o turismo global e, simultaneamente, replicam a sua dimensão avassaladora.

Uma composição potencialmente infinita de efémeros, desprovida de uma narrativa linear mas profundamente imersiva. Ao entrar no pavilhão, a massa multicolorida e aparentemente sem forma de imagens é indistinguível, mas aproximar-se revela uma lógica organizacional subjacente que as organiza de acordo com temas, cores e grupos semânticos visuais. Desta forma, Los Estejos opera dentro de uma tensão constante entre acumulação e perda. Originalmente destinados a transmitir uma experiência individual, os postais tornam-se relíquias de uma memória fragmentada e instável ao longo do tempo. Reativadas no contexto da Bienal, não recuperam o seu significado original mas geram novos, desafiando os sistemas tradicionais de legitimação cultural ligados às instituições museológicas.

Pavilhão da França — Comme Saturne

O projeto do artista franco-marroquino Yto Barrada, intitulado Comme Saturne e comissariado por Myriam Ben Salah, desenrola-se como um ambiente imersivo onde os têxteis tornam-se dispositivos narrativos e críticos. Enquanto outros pavilhões abraçam formas mais diretas de crítica social e política, o Pavilhão Francês funciona através de um sentimento de mal-estar e reflexão em torno do frágil tecido sociopolítico que todos nós inevitavelmente vestimos. O próprio título já funciona como uma declaração de intenções, evocando o planeta Saturno, governante do temperamento melancólico, pensamento lento e criação paciente. Mas recorda também a terrível sombra da revolução que, como o deus mitológico, acaba por devorar os seus próprios filhos. Yto Barrada traduz esta ambiguidade através do dévoré, técnica têxtil que envolve o uso de ácidos para corroer tecidos e que, dentro de uma poética suspensa entre geração e destruição, dá forma ao espírito da contemporaneidade.

Um retrato multidisciplinar que percorre a complexidade, equilibrando ironia e mal-estar sem se render à paralisia da melancolia: da pipa de pele de cabra suspensa entre o céu e a terra aos tons suaves do pavilhão ocultando uma fragmentação gradual em blocos narrativos; da Sala das Dobras, onde as cortinas de lã reagem lentamente à luz natural branqueando ao longo do tempo e evocando Cronus mitológico, ao Laboratório, um espaço dedicado a derrubar hierarquias e ecoar a Saturnália, e finalmente a Sala de Estudos, um jardim de plantas de tintura desenvolvido pelo artista em Tânger. A exposição culmina na Sala dos Devorados. Aqui, a tensão de um processo químico simultaneamente violento e generativo materializa-se num assalto à própria matéria, fazendo-a desintegrar-se e fragmentar enquanto gera uma estética de erosão e ausência de forma. Um lugar onde a fragilidade emerge enquanto condição política e existencial.

Pavilhão da Grécia - Escape Room

A representar a Grécia está Andreas Angelidakis com o projeto Escape Room, com curadoria de Giorgos Bekirakis. A instalação imersiva enquadra-se na prática híbrida do artista, propondo uma reflexão crítica sobre as formas como interpretamos o passado e habitamos o presente, suspensos entre ruínas clássicas e arquiteturas digitais. Aqui, a gruta de Platão é reimaginada como um ambiente imersivo e habitável que, na era atual de pós-verdade e crescente populismo nacionalista, assume a forma de uma escape room: entre realidade e jogo, experiência coletiva e simulação, dentro de um mundo de imagens saturadas de réplicas digitais e ilusões.

Paralelamente, a instalação examina a história do próprio edifício, inaugurado em 1934, ano marcado pelo encontro entre Hitler e Mussolini em Veneza e o início da perseguição nazi. Angelidakis interpreta os pavilhões nacionais dos Giardini como “grutas coloniais e fascistas congeladas” criadas para transmitir agendas políticas específicas. Através de uma linguagem que mistura o real e o virtual, o artista desafia os visitantes a escapar não só da sala em si, mas também das narrativas propagandísticas e do populismo nacionalista. Um bacanal contemporâneo que traduz uma experiência noturna num espaço paralelo alternativo onde emergem artefactos estranhos: figuras com múltiplos braços suspensos entre a divindade e o avatar, ao lado de elementos que lembram cenários ou relíquias de um mundo instável.

Pavilhão do Japão - Grass Babies, Moon Babies

A viagem imersiva imaginada pelo artista nipo-americano Ei Arakawa-Nash é talvez uma das exposições mais populares nas redes sociais, onde os próprios visitantes passam a fazer parte da exposição e uma performance implícita: um espaço partilhado e interativo pensado para experimentar gestos de cuidado numa perspectiva informal e alegremente kitsch. Todo o pavilhão está orientado para desfocar as fronteiras entre a vida privada e a performance pública. No interior, e em parte também fora do pavilhão, os visitantes são convidados a segurar e transportar uma das 200 bonecas disponíveis, cada uma pesando entre cinco e seis quilos e usando óculos de sol espelhados, enquanto outras bonecas sobem cordas e a arquitetura do pavilhão.

Se tentar trocar a fralda, vai descobrir um código QR que lhe permite reivindicar o seu próprio “poema de fraldas”, coordenado com a “data de nascimento” atribuída à boneca pelo pessoal do pavilhão. Estas datas não são aleatórias mas evocam momentos simbólicos ligados quer às experiências pessoais do artista, tendo-se tornado pai em 2024, quer às dinâmicas sociais que transformaram, e continuam a transformar, o Japão e o mundo.

Pavilhão do Luxemburgo - La Merde

La Merde, sem necessidade de tradução, é a videoinstalação criada por Aline Bouvy ou talvez o epíteto definidor do indivíduo contemporâneo. Com curadoria de Stilbé Schroeder, o trabalho aborda a vergonha como mecanismo social, questionando como os corpos são classificados, tolerados, disciplinados ou relegados às sombras. Tudo através da linguagem dos excrementos. É precisamente o sentimento de vergonha ligado a um ato tão íntimo quanto repugnante, apesar de inteiramente natural, que se materializa num ensaio cinematográfico explorando a vergonha como uma construção social através da figura de um “ser-excremento” que percorre diferentes fases da vida e incorpora tudo o que a sociedade tenta reprimir. Suspensa algures entre o absurdo, o humor grotesco, a familiaridade inexplicável, a repulsão e a empatia, a obra analisa o conceito de “abjeto” através de algo tão universal e ainda tão profundamente ligado à vergonha, transformando o corpo que já não consegue se conter numa poderosa afirmação política e subversiva.

La Merde , que combina filme, composição sonora espacializada e uma arquitetura metálica espelhada, está paradoxalmente alicerçada num corpo de investigação muito sério que se expande para uma reflexão mais ampla sobre a violência e a repressão social. Fá-lo simplesmente através da figura de um grande excremento antropomórfico que fala, caminha e peida como uma marionete, interagindo com outras personagens e “pulverizando” o público. Por mais absurdo que pareça, o filme, exibido em loop contínuo, confronta situações cotidianas em que a moderação é imposta e aprendida através do julgamento coletivo. Tudo isto desenrola-se no interior de uma estrutura semicircular imersiva forrada com superfícies espelhadas que estendem a obra por todo o pavilhão. As reflexões multiplicam os visitantes e mergulham numa dinâmica de observação e julgamento mútuos. A instalação também inclui E.T. The Excremential, um alter ego escultural que funde o corpo do artista com a figura extraterrestre de Spielberg.

Ainda há algo a dizer

Entre os dias de pré-abertura dedicados à imprensa e o primeiro dia oficial aberto ao público, a Bienal de Veneza registou 27,935 participantes acreditados, com um crescimento de 4% face aos dias de pré-abertura de 2024. No dia 9 de maio, primeiro dia oficial da Exposição, chegaram cerca de 10.000 visitantes, com um aumento de cerca de 10% face ao primeiro dia da Bienal Arte 2024. Estes números mostram como a arte contemporânea é capaz de atrair públicos cada vez maiores.

Apesar das inúmeras controvérsias, a arte continua a ser uma ferramenta de expressão e representação. A mudança mental pela qual a arte deve permanecer “abstrata”, desapegada da realidade quase para preservar a sua sacralidade, está, portanto, a ser posta em causa. Isto é evidente a partir dos artistas expostos: cada um deles, com as suas respectivas contribuições curatoriais, lê e interpreta a realidade, devolvendo um fragmento dela na forma de um percurso expositivo. O que emerge da 61ª Bienal de Veneza é precisamente isto: uma pluralidade de vozes e visões que não vêm de um só país, mas de muitos, e em tempos críticos como o presente, uma coleção tão vasta e variada de fragmentos de uma realidade externa é extremamente valiosa, e é importante que seja preservada.

O significado da arte

A Bienal de Arte não pretende ser um tribunal: para ser intelectualmente honesto, são muitas vezes os mesmos espectadores polémicos que acrescentam uma carga judicial às obras de arte. A arte conta, às vezes toma posição, sim, mas não julga. Representa, interpreta e reorganiza mas, acima de tudo, agrega: torna-se um espaço de diálogo em que coexistem harmonias e dissonâncias, no qual a natureza contraditória da contemporaneidade não é um valor a escapar, mas um terreno a percorrer, captando as suas sugestões e o campo de possibilidades que representa.

Talvez, a partir da constelação de visões da 61ª Exposição Internacional de Arte de Veneza, devêssemos aprender algo fundamental: um convite simples, mas não simplista, a fazer uma pausa e a reaprender a observar sem preconceitos. A contemporaneidade é em camadas e complexa, portanto é necessário dar um passo adiante para “redescobrir o sentido de estar no mundo remendo-nos contra os elementos da terra, e olhando novamente para o céu”, como diz Buttafuoco.