Como “Ripley” derrube a estética de La Dolce Vita Ainda a década de 1960, ainda Itália mas numa chave neo-noir

Durante anos, circulam nos moodboards do Instagram fotos do set de The Talented Mr. Ripley de Anthony Minghella e Plein Soleil de René Clement. Ambos os filmes (um dos anos 60 e outro de 1999) escolheram contar a história de um dos personagens mais fascinantes da literatura do século XX, Tom Ripley, através da beleza idílica da Itália do pós-guerra: pense nas praias da Costa Amalfitana, passeios de Vespa pelas ruas de Roma e Nápoles, terraços com vista para o mar e o traje preparado de americanos ricos em férias perpétuas. Uma estética mediterrânica tão bem retratada pelas duas primeiras adaptações cinematográficas lendárias que o novo projeto de Steven Zaillian para a Netflix, a série Ripley, protagonizada pelo espectacular Andrew Scott, não conseguiu replicar. Então, a estratégia era completamente diferente: porque não fazer da história o neo-noir sombrio que realmente é, em vez de focar na beleza do cartão postal? O efeito de reversão é surpreendente: preservando toda a beleza de Atrani (e outros locais como Nápoles, Roma, mas também a deslumbrante villa de Dickie Greenleaf, que na verdade está localizada em Capri), a decisão de transformar todo o show em preto e branco captura efetivamente a perspectiva de Ripley, onde a Itália representa não apenas o sonho de uma vida melhor mas também o palco para fraudes e assassinatos, quase uma sombra espelho torcido e torcido da sua própria mente.

A parte mais bonita é que, na sequência do sucesso do fenómeno cinematográfico de Cortellesi, Ther's Still Tomorrow, que se passa nos anos 50, Ripley parece inspirar-se não só nos clássicos noirs americanos mas também nos filmes neorrealistas produzidos naquela época. O efeito final é retratar uma espécie de negativo fotográfico do clássico Dolce Vita, que inverte parcial ou totalmente o novo estereótipo que domina grande parte da produção audiovisual americana recente com a sua obsessão por histórias italianas e italianas. De Me Chame Pelo Seu Nome, passando por The White Lotus, a filmes muito menos emocionantes como Omen — The Dawn of Prophecy, Book Club: The Next Chapter, The Equalizer 3, A Haunting in Venice, Mafia Mom, Fast X, Missão: Impossível, Ferrari, qualquer James Bond com Craig, House of Gucci, e assim por diante, o cinema americano parece estar fixado na Itália, especialmente no Sul. Para além da beleza geográfica, a razão é provavelmente económica, como afirma diretamente do site oficial da Cinecittà: "A Lei 220 de 14 de novembro de 2016, 'Regulação do cinema e do audiovisual', tornou a ferramenta de crédito fiscal muito mais funcional para produções nacionais e internacionais, que podem agora tirar proveito de consideráveis benefícios fiscais optando por rodar o seu filme em Itália”, e essencialmente qualquer pessoa que filmar em Itália pode deduzir 40% das despesas de produção dos impostos sobre o filmagens produzidas em Itália. Isto levou certamente a um aumento dos conteúdos filmados no país, a angariar muita publicidade, mas também levou os cineastas americanos a fixarem-se numa forma de retratar o nosso país: a da Dolce Vita, com cores quentes, praias sonhadoras, aldeias históricas onde a vida é vivida como era, e toda aquela vibração nostálgica do estilo Slow Living.

Agora, a perspectiva excepcional de Ripley obtida simplesmente por escolher observar estas belas paisagens em preto e branco não só transforma aldeias históricas e becos num ambiente vagamente perturbador, estranho e labiríntico — mas também restaura essa sensação de dureza, decadência e atraso radical à Itália naqueles anos, um lugar quase bárbaro em comparação com os Estados Unidos intocado pela guerra. Além disso, a escolha do preto e branco paradoxalmente alinha ainda melhor com o tom estético do Dolce Vita de Fellini, um filme que não idealizou a Itália mas queria retratar as suas muitas contradições gritantes, mas cujo título veio identificar o otimismo desprovido de sombras que varreu o país durante o boom económico e a era Technicolor. Certamente, não faltam idealizações a Ripley: ao avançar a linha do tempo da história de 1955 para 1961, Zaillian permite que Ripley testemunhe uma performance de Mina cantando The Sky in a Room in a Room em Nápoles — talvez a única “americanização” da série, dada a completa implausibilidade de um concerto de Mina em plena luz do dia nas ruas de Nápoles e a escassez de sincronização labial. Mas é um voo de fantasia que podemos conceder. E mesmo que fique por saber se Ripley alcançará o sucesso estratosférico de outras produções da Netflix (preto e branco ainda é um obstáculo para muitos telespectadores), deve ser reconhecido não só por ser uma adaptação quase demasiado fiel do livro, exceto pelo casting um tanto irrealista de uma personagem menor que quebra ligeiramente a suspensão da descrença, mas também por finalmente levantar a questão de que existem realmente outras maneiras de dizer a Itália história, e especialmente para usar os seus cenários como um trampolim para a expressão pessoal e não como um grande nivelador que achata tudo à bidimensionalidade de um cartão postal.