Como os designers asiáticos estão a revolucionar a Haute Couture Nos últimos dias, quatro designers têm focado não no passado mas na celebração cultural

Durante décadas, a Alta Costura Ocidental funcionou como uma máquina simbólica perfeitamente oleada: um sistema construído sobre a celebração do artesanato e o mito da Maison parisiense. No entanto, o mais tardar na Paris Couture Week 2026, quatro designers asiáticos propuseram uma nova linguagem para a Alta Costura, uma que vai além do sistema para se tornar uma ferramenta de auto-narração, diálogo cultural e responsabilidade criativa.

Aqui estão elas.

1. Robert Wun e a pista biográfica

Formado pelo London College of Fashion em 2012, Robert Wun foi o primeiro designer de Hong Kong a andar na passarela parisiense de Alta Costura. A coleção de alta-costura 2026, Valor: O Desejo de Criar e a Coragem de Continuar, é uma parábola existencial dividida em três atos. A primeira, Biblioteca, está inserida numa biblioteca ideal feita de páginas brancas manchadas com tinta preta, as mesmas cores utilizadas nas silhuetas iniciais. É a memória de dias passados a estudar, a desenhar, o início da sua própria carreira. Estas estruturas rígidas são acompanhadas por notas delicadas como borboletas aplicadas e véus transparentes sobre cocar que culminam num vestido de estrutura circular, coberto por pérolas de vidro.

O segundo ato, Luxo: Confrontação da Realidade, encena o embate entre a aspiração criativa e a realidade económica. O sonho inicial colide com faturas, despesas, com as exigências de uma indústria que atribui valor ao produto final de acordo com a sua própria lógica. Os modelos tornam-se suportes de exposição de jóias de veludo: seios pontiagudos, mãos em poses coquete, fios de pedras e pérolas envolvendo o corpo, lembrando que por baixo do objeto há carne viva. O acto final, Valor, assume os contornos de um épico. Ao fundo, relâmpagos e raios anunciam a chegada do herói: o designer que opta por desafiar o sistema, as dificuldades económicas e as suas próprias batalhas internas para defender a sua arte.

2. Miss Sohee e a narração do corpo feminino

Sohee Park continua a fazer o que faz de melhor: exaltar a feminilidade criando uma ponte entre o Ocidente e o Oriente. Nos sumptuosos interiores do Hotel Shangri-La, a coleção 2026 Couture apresenta-se como uma viagem à sua casa de verão no extremo sul da Coreia, com vista para o mar. Folhas de glicínias e incrustações de madrepérola florescem em figuras esbeltas e afiladas; o pavão aparece em vários looks como toucado ou acessório; os motivos azuis sobre um fundo branco, típicos da porcelana Qinghua, são transpostos para um vestido com uma bolsa coordenada.

Embora as silhuetas sejam bastante clássicas e femininas, um pouco ao estilo de Bridgerton mas mais sofisticadas, são amplificadas por elementos cenográficos: ramos de bambu e cerejeira sobem em volta dos modelos, trompe l'œil que emagrecem as figuras, strass e cristais, bordados opulentos e drapeado. Cada look é rico em detalhes: fan-clutches, longas cadeias de miçangas presas a pulseiras de jade.

3. Yuima Nakazato e a ligação com a natureza

Única designer japonesa a apresentar uma coleção de Alta Costura em Paris, Yuima Nakazato encenou uma experiência imersiva, sem música de fundo, sem gráficos sensacionais mas apenas com o ruído branco constante de dois objetos cerâmicos produzidos pelo próprio designer, sentados no chão do presbitério da Catedral Americana.

Segundo a WWD, o designer teria passado 1.500 horas ao longo de seis meses a criar todos os elementos cerâmicos para aplicar nas peças: alguns lembram folhas, outros pedras irregulares, outros ainda parecem cogumelos. As peças, vidradas a branco com contornos dourados e prateados, são aplicadas a bases de tecido que se tornam completamente marginais uma vez que é a cerâmica que desempenha o papel primordial na cobertura do corpo, potencializando-o, habitando-o.

Tecidos e malhas são relegados a papéis coadjuvantes. A génese desta coleção é uma viagem pelas antigas florestas de Yakushima, uma ilha a sul de Kyūshū, no Japão, da qual a coleção procura reproduzir os cedros e as pedras do rio. A paleta de cores é, portanto, reduzida a tons de branco, preto e castanho; em alguns casos, o tecido foi tratado com revestimentos metálicos e amassado como se fosse replicar a aparência da casca.

4. Phan Huy e a arte vietnamita

O mais novo do grupo, Phan Huy fundou a sua maison em 2023. Nascido no Vietname e formado entre a Ásia e a Europa, utiliza a Couture como ferramenta de preservação cultural, transformando-a num arquivo vivo de memórias e inovação. O título da coleção de alta costura 2026, Cành Vàng Lá Ngọc (O Ramo Dourado e a Folha de Jade), lembra as decorações que simbolizam a opulência real vietnamita, uma metáfora para uma nobreza mais cultural do que social.

As referências à tradição vietnamita não são didáticas nem particularmente explícitas, mas filtradas através de uma sensibilidade quase nostálgica. O espetáculo abre com um vestido de seda com flores aplicadas, inspirado na pintura em seda Nupcial Adornment da pintora Mai Trung Thu. Entre as inspirações está também La Grande Odalisque de Ingres, justaposto com Nude de Mai Trung Thu. As costas dos vestidos são quase mais surpreendentes que as frentes: revelam trens pendurados nos ombros com alças frisadas, balançando a cada passo; volumes exagerados e inchados; leques bordados. O artesanato é evidente nas pétalas de voile, com bordas bordadas com contas douradas, que flutuam graciosamente a cada passo.

Qual é a diferença com a Alta Costa “clássica”?

Se os grandes nomes ocidentais da Alta Costura, da Dior à Schiaparelli, usam a Alta Costura como máquina mitológica (exaltação do artesanato, citação histórica e poder simbólico), esses designers asiáticos parecem usá-la como uma ferramenta de auto-narração. Robert Wun encena o conflito existencial do criativo contemporâneo, dividido entre vocação e sobrevivência; Miss Sohee usa o corpo das mulheres como superfície para o diálogo entre o Oriente e o Ocidente; Yuima Nakazato traduz o conhecimento artesanal num terreno para além da moda, transformando o vestido numa instalação artística; Phan Huy restaura à Alta Costura uma dimensão íntima e espiritual, em que a peça não é um troféu, mas uma meios de transmissão cultural.

A diferença não reside tanto na estética, como na intenção. O que emerge é uma diferença substancial: enquanto a Alta Costura ocidental tende a celebrar o sistema representado pela Maison, o património e o sonho do luxo; o destes designers asiáticos parece questionar o próprio processo de criação. O ato criativo nunca é neutro, mas carregado de responsabilidade cultural, emocional e material. O corpo não é apenas um suporte estético, mas um território de diálogo; o material não é apenas decoração, mas um portador de significado.

O risco de ficar preso na zona de conforto existe, especialmente para as mais estabelecidas Miss Sohee e Robert Wun, mas é precisamente a tensão entre identidade, tradição e contemporaneidade que torna o seu contributo para a Couture não só relevante, mas necessário: porque nos lembra que a Alta Costura não é apenas um exercício de estilo, mas uma linguagem viva, capaz de contar histórias que o sistema ocidental muitas vezes