Cabaré fantasmagórico de John Galliano para Margiela Finalmente, um pouco de fantasia

Vivemos em tempos áridos, extremamente áridos, quase desertos. Como disse Leon Talley: “Há uma fome de beleza” e, a essa fome, acrescentamos, uma recente seca criativa profunda que nos aprisionou coletivamente no mundano e trivial dos “princípios básicos elevados”. Este ano, tanto em Paris como em Milão, a moda parecia doentia de realismo, acostumada a refletir sobre o presente e os seus problemas francamente mundanos, a criar metáforas para as redes sociais e a vender roupas que eram apenas elas mesmas. Infelizmente, não há nada mais vulgar do que o presente — apenas porque estamos nele. Numa moda em que até a identidade é uma estratégia comercial (parafraseando o recente artigo de Carlo Mazzoni sobre a Lampoon), era necessário um espetáculo verdadeiramente artístico e teatral capaz de criar esse “sonho”, que para muitos ainda é a principal característica de uma indústria que, mais do que a própria moda, lida com roupas de luxo. É por isso que o último programa de John Galliano para a Maison Margiela, um espetáculo de Alta Costura ou “Artesanal” como a casa o define, sacudiu literalmente os pilares da Terra para todos os presentes e até para os ausentes. Um crítico de cinema descreveu há anos o filme Exotica de Atom Egoyan como um “aquário turvo onde nadam os fantasmas do desejo humano”, e um espetáculo semelhante é o que encerrou, numa nota muito alta (acompanhado pela música de Lucky Love e Hometown Glory de Adele, uma canção sobre a pobreza e beleza dos subúrbios), a Semana da Alta Costura em Paris.

Encenado durante a primeira lua cheia do ano sob a Pont Alexandre III, entre nevoeiro, faróis a gás e uma sensação de submundo decadente, inspirado nas musas sombrias do início do século XX de Kees van Dongen e nas fotografias crepuscular de Brassaï, o triunfo de Margiela superou a soma das suas partes individuais. Curiosamente, precisamente para este desfile, pode-se falar de moda mas não de roupa: as bonecas burlescas, os marginalizados caminhando contraídos pelo frio em casacos fechados e contorcidos, os Junos e ninfas doentias que teriam agradado Baudelaire estavam vestidos apenas com espartilhos e vestidos Belle Époque de organza completamente transparente. A maquilhagem assemelhava-se à de inquietantes bonecos de porcelana ou rostos manchados de óleo, penteados desgrenciados e chapéus expressavam um tormento romântico, um gosto pelo drama e beleza inerentes a cada decadência. Os corpos amplos e nus, confinados dentro dos espartilhos, foram expostos como se aquelas peças vintage tivessem sido devoradas pelas mariposas até atingirem a sua alma mais fina e intangível, a sensualidade perturbadora e fúnebre combinada, e até uma sensação surreal do grotesco que apagava alguns rostos e delineava os seios das modelos com pinceladas impressas no tecido das meias pintadas — havia nada consolador e tranquilizador nesta pista, nenhuma afetação de energia e dinamismo, nenhum falso otimismo. Era um conto noir, um mistério parisiense digno de Eugene Sue, um conceito finalmente desvinculado da obsessão de descrever, comentar e reagir ao presente.

Voltando a Baudelaire, o mais amaldiçoado e parisiense de todos os poetas, e ao seu poema Danse Macabre, que poderia ter servido de acompanhamento perfeito ao espetáculo, seria fácil associar o verso eterno "Ô charme d'un néant follement attifé! “com este desfile de esqueletos e carne nua, com este remix de morte e desejo. É justo e sacrossanto que a moda, enquanto reino da criatividade humana, atravesse todas as tonalidades da paleta emocional, mesmo as mais cruas e perturbadoras. Durante demasiado tempo, habituámo-nos a conceber a moda como um luxo em si mesma, e marginalizámos as vozes dos mais “malditos” designers, como Jun Takahashi, que teve de pedir desculpa por usar borboletas no seu último programa; Henri Alexander Levy e o seu mundo maravilhosamente corrompido; Ziggy Chen, e assim por diante. Durante anos, a indústria da moda, inclinada às necessidades do comércio, teve de falar ao público em termos sempre positivos e soalheiros, renunciando a um leque de emoções humanas tão viscerais como sombrias. Estes foram os anos da “década da suavidade”, dominada tanto por Galliano como por McQueen, onde ainda se podia estetizar o mal sem ofender a probidade e a sensibilidade moral impecável do público — se anseia por uma passarela que o comprove, vá ver a passarela SS99 transgressiva de Andrew Groves ou as macabras apresentações de Carol Christian Poell. A moda gosta de cultivar sonhos, de facto, mas esqueceu-se de visitar os seus pesadelos.

A melhor parte, no entanto, é que a mensagem de Galliano, a atmosfera que criou, a narrativa que estabeleceu, tão distante da terrível e plastificada prosa da narrativa corporativa, seria compreensível mesmo para aqueles que não tivessem as ferramentas críticas ou o pano de fundo cultural e artístico necessário para decifrar todos os seus elementos. Havia muita técnica em jogo no espetáculo: as peças de organza transparentes e as meias pintadas acima, mas também os tecidos e texturas de lã ilusionisticamente impressos em seda, as cortinas de látex em que Gwendoline Christie estava envolvida. Para além da atmosfera que será elogiada por mil outras vozes, a Couture esteve totalmente presente e na sua forma mais subtil, “mágica” e deslumbrante. Muitas canetas sentimentais ou idealistas vão derramar rios de tinta sobre a nostalgia, sobre a trágica comercialização da moda de hoje, sobre o desejo de que a moda volte a ser a grande máquina dos sonhos do passado. Não os escutem: os seus corações os cegam, e estas considerações distraem do que é realmente importante. Nomeadamente, que Galliano demonstrou como, ainda hoje, existe o espaço para explorar os reinos sombrios e os lados mais sombrios da imaginação humana — só que ninguém quer explorá-lo.