Wie die HiFi-Kultur zur neuesten Obsession von Mode und Kunst wurde Von den Straßen von Kingston zu den Galerien von London

Die Hi-Fi-Kultur, die nicht nur als HiFi-Audio, sondern als Verehrung des Soundsystems als Objekt, Architektur und Ritual verstanden wird, ist der neueste Kult, der die kreative Oberschicht erobert hat. Was in den 1950er Jahren als demokratische und radikale Geste auf den staubigen Straßen Jamaikas geboren wurde — mit selbstgebauten Lautsprechertürmen laute Musik in die Gemeinden gebracht, um dem Mangel an Tanzsälen entgegenzuwirken — ist heute ein luxuriöses Accessoire, ein Symbol, das in Flagshipstores und Ausstellungsräumen ausgestellt wird, um das Besuchererlebnis zu verbessern.

Die Wiederentdeckung des Soundsystems begann heute mit der Verbreitung japanischer Hörbars in Europa, ein Phänomen, das in globale Metropolen von London bis Mailand eingedrungen ist. Diese minimalistischen Räume bieten ein fast heiliges Hörerlebnis (Deep Listening von Vinyl), umgeben von tadellosen Audiosystemen, machen das Musikhören von Hintergrundgeräuschen zu einem bewussten Ritual. Dieses Phänomen hat Audiogeräte — Röhrenverstärker, Vintage-Plattenspieler und vor allem imposante Lautsprecher — von einem Nerd-Hobby zu einem Element der Innenarchitektur und des Lifestyles gemacht.

Das Soundsystem in der Kunst als politisches Statement

Die Wiederbelebung der Soundsysteme ist auch eine späte Hommage an die Wurzeln der Audiokultur, die mit der Windrush Generation nach Großbritannien kam und die Underground-Musikszene mit dem schweren, rippenkitzelnden Bass begründete, der ganze Generationen beeinflussen sollte, von Dub bis Jungle. Aber die wahre Weihe der Soundsysteme kam, als Lautsprecherstacks in die Tempel der Hochkultur stürmten. Künstler wie Peter Doig integrierten ganze Soundsysteme in ihre Ausstellungen, wie beispielsweise House of Music in der Serpentine Gallery, und verwandelten Galerien in immersive Hörräume.

Theaster Gates hat auch Schallplatten und musikalisches Teilen zu einem zentralen Bestandteil seiner Aufführungen gemacht, eine Provokation, die die tellurische Energie des Basses und die Ethik des Teilens in den aseptischen Raum des Museums einbringt. Projekte wie das Kollektiv Black Obsidian Sound System aktualisieren diese Klangarchitektur als Gemeinschaftsressource und queeren Raum und definieren ihr radikales Potenzial neu.

Die Klangästhetik in der Mode

Die Mode konnte dem Statussymbol von Audiosystemen nicht gleichgültig gegenüberstehen, denn Hi-Fi ist die perfekte Verkörperung von diskretem und performativem Luxus. Virgil Abloh, vor seiner Zeit als Designer DJ, hatte diese Konvergenz vorhergesagt und Persönlichkeiten wie Devon Turnbull beeinflusst (dessen OJAS-Projekt akustisch perfekte Hörräume gebaut hat), während Luxusmarken heute High-End-Audiosysteme wie echte Skulpturen anbieten.

Vor Kurzem arbeitete Valentino mit Terraforma für das Atelier Sonoro zusammen, einen Hörraum im zweiten Stock der Madison Avenue-Boutique der Marke, während Celine unter der kreativen Leitung von Hedi Slimane bei ihren Shows oft auf leistungsstarke Audiosysteme setzte, wie im Fall von SS22. Das Lautsprecher-Stack ist zum Äquivalent einer künstlerischen Installation geworden, ein Zeichen dafür, dass die Marke nicht nur auf visuelle, sondern auch auf klangliche Ästhetik eingestellt ist.

Anzeichen eines analogen Widerstands

Der Aufstieg der HiFi-Kultur hat zwei Gründe: Einerseits spiegelt sie den wachsenden Einfluss von Kreativen afro-karibischer Herkunft in Kunst und Mode wider, aber auch die Bereitschaft der Branche, aus radikalen Kulturgeschichten zu schöpfen (obwohl sie oft ihre Widerstandsdimension sterilisieren). Andererseits ist die Investition in ein leistungsstarkes Audiosystem in einer Zeit, die von Bildschirmen und der sofortigen Befriedigung durch Kopfhörer dominiert wird, der ultimative Akt des analogen Widerstands. Es ist die Wahl, Raum, Zeit und erhebliche Kosten einer physischen und kollektiven Erfahrung zu widmen.