Alle Musikkünstler, mit denen Guadagnino zusammengearbeitet hat Und die Bedeutung von Musik im Kino des Regisseurs, von Io sono l'amore bis Queer

Seit gestern läuft Queer, der neueste Film von Luca Guadagnino, der auf dem 1985 erstmals erschienenen gleichnamigen Roman von William S. Burroughs basiert, in den italienischen Kinos. Mit Daniel Craig als Alter Ego des amerikanischen Schriftstellers in der Hauptrolle spielt Musik eine Schlüsselrolle, fast so, als wäre sie eine eigene Figur. Das ist nichts Neues für diejenigen, die mit der Filmografie des Regisseurs vertraut sind. Wie Carlo Valeri in der neuesten Ausgabe von Linus, die ausschließlich dem italienischen Filmemacher gewidmet ist, schrieb, „scheint in der gesamten Filmografie von Guadagnino jedes Musikstück eine scharfsinnige, intime und theoretische Funktion zu erfüllen, die niemals nur dekorativ oder trivial didaktisch ist.“ Bei den Filmfestspielen von Venedig erklärte der Regisseur selbst einmal: „Der passive Umgang mit Musik ist eine Todsünde für jeden Filmemacher“ und fügte hinzu: „An dem Tag, an dem ich etwas mache, bei dem Musik nur als Hintergrundgeräusche verwendet wird, gehe ich in die Schweiz und lasse mich sterben.“

Guadagnino erlebte 1987 seine erste kinomusikalische Offenbarung, als er auf dem Weg zu The Last Emperor von Bertolucci getroffen wurde, dessen Soundtrack von einem außergewöhnlichen Trio komponiert wurde: David Byrne (Talking Heads), Cong Su und Ryuichi Sakamoto. Die zweite, viel jüngere Offenbarung kam 2005, als er in die Musik von John Adams einführte, die er nie aufgab: Der große amerikanische Komponist, Pulitzer-Gewinner 2003, wird von Guadagnino seit seinem Debütfilm I Am Love ausgiebig verwendet. Offenbar begann alles mit einer Kopie von Naïve and Sentimental Music, die von einem Sony-Manager, mit dem er zusammenarbeitete, geschenkt wurde. Um seine Faszination zu erklären, erklärte der Regisseur in einem langen Interview mit Pitchfork, dass Adams' Musik „die Fähigkeit besitzt, die Realität, die Geschichte der Realität, die Geschichte der Vereinigten Staaten zu interpretieren und sogar die Grenzen der Musik zu verstehen, sodass sie zu einer klugen Erkundung der menschlichen Identität und der politischen Beziehung wird, die uns alle verbindet“.

Er verliebte sich jedoch nicht in nur einen Komponisten. Im Laufe seiner Karriere hat Guadagnino das Schreiben von Originalmusik verschiedenen raffinierten Musikern anvertraut, die größtenteils einen (Indie-) Rock-Hintergrund haben, aber in der Lage sind, Genregrenzen zu überschreiten — wie Sufjan Stevens, Oscar-nominiert für den Soundtrack von Call Me By Your Name (2017), und Thom Yorke von Radiohead, der die Musik für Suspiria (2018) komponierte. Eine gesonderte Erwähnung gilt dem klassischen Komponisten Dev Hynes, besser bekannt unter seinem Künstlernamen Blood Orange, einem Projekt, das R&B-Texturen und dampfförmige 80er-Synths verbindet. Ursprünglich nur kontaktiert, um in einer Konzertszene bei Locomotiv in Bologna aufzutreten, komponierte er schließlich den gesamten Soundtrack für Guadagninos TV-Serie We Are Who We Are und schaffte es, zwei scheinbar ferne Welten miteinander zu verbinden — Schubert und Philip Glass auf der einen Seite und Avantgarde-R&B auf der anderen Seite.

Später knüpfte Guadagnino eine enge Beziehung zu zwei Musikern, die zu Filmkomponisten wurden: Trent Reznor und Atticus Ross — jeweils Leiter und Produzent von Nine Inch Nails —, die zu Säulen der Branche wurden und zwei Oscars für die Soundtracks von The Social Network (2010) und Soul (2021) gewannen. Mit ihnen komponierte Guadagnino Originalmusik für seine neuesten Werke — Bones and All (2022), Challengers (2024) und jetzt Queer (2025). Ihre Zusammenarbeit wurde so eng und intim, dass sie sogar zusammen einen eigenen Song schrieben: Compress/Ripress für den Challengers-Soundtrack. Diese Synergie führte zu etwas Erstaunlichem in allen drei Werken. In Bones and All stachen zwei Schlüsselelemente heraus: eindringliche, beunruhigende Synth-Tracks, die den Zuschauer in die Horror-Atmosphäre des Films eintauchen lassen, und ein wiederkehrendes Akustikgitarren-Thema, das sich neben den Charakteren und ihrer intimsten Beziehung entwickelt: I'm With You (A Way Out), I'm With You (You Seem Nice), I'm With You und schließlich I'm With You (Always).

In Challengers hingegen bestand die zentrale Idee darin, den Tennisplatz, auf dem der Großteil des Films spielt, in eine Art metaphorische Tanzfläche zu verwandeln, auf der die drei Protagonisten „tanzen“ konnten. Wie David Foster Wallace in Infinite Jest erklärte, ist Tennis eine Art Tanz. Guadagninos überzeugende Intuition bestand darin, dieses Konzept mit Techno-Musik in hoher Lautstärke aufzupeppen, wie bei einer Rave-Party, die den beschleunigten Herzschlag der Spieler und das rasende Hin und Her des Balls widerhallte. Da die Geschichte auch eine Ménage à trois ist, bestand das andere Schlüsselelement darin, alles zutiefst sexy wie einen erotischen Tanz zu gestalten. Reznor erinnerte sich in einem Interview mit GQ daran, wie Guadagnino darauf bestand, dass sich die gesamte Musik um drei Schlüsselwörter dreht: „Unendliches homoerotisches Verlangen“.

Ein Dreiklang, der auch das Sounddesign des neuesten Queer zu leiten scheint, einem Film, der die Geschichte eines romantischen und psychotropen Abenteuers eines ausschweifenden Mannes erzählt, der verzweifelt nach einem Liebhaber für die Nacht und einer magischen Droge fürs Leben sucht. Das musikalische Endergebnis von Reznor und Ross ist hier jedoch deutlich düsterer als in Challengers oder einer ihrer früheren Filmarbeiten: Alles klingt traumhafter, fast gespenstisch, eine Art leicht jazzgetränkte Ambient-Musik, bewusst übermäßig sentimental — genau wie die Erzählung des Protagonisten. Die meisten Tracks haben eine gedämpfte Atmosphäre, als wäre alles in einen gespenstischen Schleier untröstlicher Traurigkeit gehüllt. Schließlich sprechen die Titeltitel für sich: The Saddest Man in the World, Love Would Shatter, Thinking is not enough, Place of Failure usw. — alles Zitate aus der letzten Seite von Burroughs Tagebuch, das zwei Tage vor seinem Tod 1997 geschrieben wurde — Songs, die aus einer Handvoll romantischer und nostalgischer melodischer Phrasen entstanden sind. Dies zeigt sich besonders in der Leadsingle Vaster Than The Empires, die zwei besonders ergreifende Zitate aus dem von Caetano Veloso gesungenen Tagebuch enthält. Die erste stammt von einem Freund, der Burroughs als den traurigsten Mann der Welt beschrieb: „Wie kann ein Mann, der sieht und fühlt, alles andere als traurig sein?“ Burroughs schreibt. Das zweite, das nebenan erwähnt wird, stammt aus dem Gedicht To His Coy Mistress von Andrew Marvell aus dem 17. Jahrhundert: „Unsere Liebe wird größer als Imperien und langsamer wachsen.“ Es ist derselbe Rhythmus und dieselbe überwältigende Liebesfülle, die den gesamten Soundtrack durchziehen, dessen letzter Track LOVE auch das letzte Wort in Burroughs Tagebuch war: „Das natürlichste Schmerzmittel, das es gibt“. Genau wie Musik.