Das wegweisende Programm „Brand: New“ von MTV kehrt nach 25 Jahren zurück Massimo Coppolas Tournee beginnt am 21. Februar in Pordenone und erfreut sich großer öffentlicher Erfolge

Für diejenigen, die damit nicht vertraut sind: Die „alte“ Brand: New war eine Kultsendung aus den 2000er Jahren, die jeden Wochentag um 12:30 Uhr auf MTV ausgestrahlt wurde. Anfangs bestand es aus nur einer Stunde ununterbrochener Musik. Seine Einzigartigkeit bestand darin, dass Musikvideos gezeigt wurden, die etwas raffinierter waren als die, die während des Tages ausgestrahlt wurden, wobei ein besonderer Schwerpunkt auf der Hybridisierung von Rock- und Elektromusik lag: ein Zusammenstoß, der zu dieser Zeit noch ein Novum war — teilweise missverstanden — und der erst später Anerkennung fand, insbesondere dank des Erfolgs von Kid A von Radiohead, die nicht zufällig als Hüter der Show galten. Die Musik von Brand New war nicht nur etwas anderes als der Mainstream-Pop von Britney Spears und den vielen Boybands; es war „andere“ Musik, die es wagte, sich als „Musik der Zukunft“ zu präsentieren: ein Soundkonzept, das weit über das hinausging, was zu dieser Zeit bereits als alternative Musik galt — nämlich alternativen Rock, der durch den weltweiten Erfolg von Nirvana populär wurde. In gewissem Sinne könnte man sagen, Brand New bot „eine Alternative zu alternativer Musik“. Aber es gab mehr als nur Musik. Viel mehr.

Was eine ganze Generation junger Millennials faszinierte — die sogenannte MTV-Generation, oder wie Coppola es selbst ausdrückte, „die 4 Salti in der Padella-Generation“ — war die erste „menschliche“ Version der Serie. Mitte 2000 wurde beschlossen, Massimo Coppola als unkonventionellen Gastgeber vorzustellen: etwas zwischen einem umherschweifenden Passanten und einem Freund, dem man sich an der Bar anvertraut. Der Stream der Musikvideos war daher mit kurzen Skizzen durchsetzt, die von einer Sternwarte auf einem anderen Planeten zu stammen schienen, insbesondere angesichts des damaligen Fernsehniveaus der Berlusconi-Ära. Sogar die minimalistische Kulisse der Show — ein halbleeres Studio mit einer grünen Wand im Hintergrund und einem roten Sessel in der Ecke — schien zu einem Paralleluniversum zu gehören. Es hätte überall sein können: im Wohnzimmer eines Raumschiffs oder an einem Ort außerhalb der Zeit. In Wirklichkeit war es jedoch nur ein kleiner Raum in den Studios von MTV Italia, der von einem jungen Philosophieabsolventen in seinen frühen Zwanzigern bewohnt wurde. Seine kurzen Monologe, unterstützt von Alberto Piccinini und Giovanni Robertini, drehten sich um Themen, die Musik mit aktuellen Ereignissen, Politik und Gesellschaft verbanden: Es waren kleine Ausbrüche von (Selbst-) Ironie und Progressivismus, die viele junge Menschen bis spät in die Nacht wach hielten. Es gab kein richtiges Drehbuch — das Gespräch verlief nahtlos vom Persönlichen zum Politischen: von wie man mit jemandem in der Bibliothek flirtet über Big Brother bis hin zu 9/11.

Einige Fans fingen sogar an, ihm Briefe zu schreiben, die regelmäßig in der Sendung gelesen und als Eröffnung oder Reflexion für die folgenden Monologe verwendet wurden. Und es war die Liebe der Fans, die die Rückkehr der Show in ihrer neuen Form ermöglichte. Die Tatsache, dass Brand: New zu gottlosen Zeiten ausgestrahlt wurde, förderte tatsächlich eine Praxis aus der Zeit vor dem Internet, die heute fast liebenswert erscheint: die Folgen mit einem Videorekorder aufzunehmen und sie jederzeit (erneut) anzusehen. Nachdem Coppola das „Comeback“ der Show angekündigt hatte, verschwendete er keine Zeit und bat eingefleischte Fans, Material einzusenden, damit es ein fester Bestandteil der neuen Show werden konnte. Aber es wäre falsch, es als einfache Nostalgie-Operation zu betrachten. Tatsächlich lehnt Coppola diesen Begriff entschieden ab — er sagt, er distanziert sich von seinem früheren Ich und bezeichnet es offen als ein Wiedersehen, ganz im Coppola-Stil. Und es ist wahr: Das neue Brand: New ist in jeder Hinsicht ein seltsamer Raum-Zeit-Kurzschluss. Es ist, als würde ein Videoband in einer Schleife schnell vor- und zurückgespult werden. Die körnigen Clips aus der Vergangenheit sind nur ein Teil der Show, aber ihr Herz schlägt woanders. Die Live-Monologe sind alle „brandneu“ und schaffen das schwierige Kunststück, sich nicht künstlich anzufühlen und gleichzeitig den progressiven und nonkonformistischen jugendlichen Geist beizubehalten, der das ursprüngliche Programm prägte.

Die behandelten Themen sind in unserer Gegenwart verwurzelt und entsprechen genau dem, was man von einer Sendung erwarten würde, die nie ausgestrahlt wurde: Es gibt künstliche Intelligenz, den Spotify-Algorithmus, die Krise des weißen Mannes und natürlich den verfluchten Kapitalismus. Die Perspektive ist immer noch so scharf und ironisch wie eh und je, auch wenn der zur Diskussion stehende Zeitpunkt ein anderer ist. Es gibt auch Kritik an der aktuellen italienischen Politik; irgendwann entstaubt Coppola sogar sein altes Interview mit Giorgia Meloni, das während eines so brillanten Spin-offs, Avere Vent'anni, geführt wurde. Das Vorher und das Nachher gehen jetzt Hand in Hand, als wären sie ein und dasselbe: „Wo waren wir?“ fragt Coppola, sobald er die Bühne betritt, als ob keine Zeit vergangen wäre — oder besser gesagt, als ob Zeit überhaupt nicht existierte. Die Musik, die in der Show zu hören ist, stammt nicht nur aus der Vergangenheit: Sicher, Kid A ist ein Muss, aber es ist nicht genug. Das klangliche Konzept hinter all dem bleibt dasselbe: die Neugier auf die Zukunft am Leben zu erhalten, so wie es die ursprüngliche Show beabsichtigt hatte.

Auf diese Weise schafft das neue Brand: New eine Art neuen Eternalismus, in dem Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft gleichzeitig koexistieren — „eine Art hyperdimensionaler Block, in dem jeder Moment gleichzeitig präsent ist“, um Alan Moore, einen der stärksten Befürworter dieser Philosophie, zu zitieren. Das ist genau der Effekt, den Massimo Coppolas neue Show erzielt, obwohl die Orientierungslosigkeit durch die menschliche Wärme, die sie umgibt, gemildert wird. Das alte Brand: New war ein sicherer Raum, der unzählige Schlafzimmer miteinander verband, meilenweit voneinander entfernt, ein geheimer Tränenkanal, wie ihn sich Safran Foer in Extremely Loud & Incredibly Close vorgestellt hatte, der ein Netzwerk der Einsamkeit verbinden sollte. Die neue Version bringt diese Menschen endlich im wirklichen Leben zusammen, denn, wie Coppola sagt, „gemeinsam Angst zu haben ist besser, als uns alleine zu trösten“. Ohne zu viel zu verraten, endet die Show mit einem neuen Song einer legendären Band, die nach Jahren des Schweigens ein Comeback feiert — ein epischer Track, der besagt, dass nichts ewig währt, aber indem er ihn endlos wiederholt, zieht er einen Bann, der genau das Gegenteil bewirkt und einen weiteren Kurzschluss und einen letzten Blitz der Ewigkeit erzeugt, bevor er uns zurück in unser Leben schickt.