Wie werde ich Produktdesigner NM3, Older Studio, Duccio Maria Gambi e Situér Milano erzählen ihre Geschichte

Der Mensch schuf den Pflug und erfand das Produktdesign, ein Beruf, der heute eine Vielzahl englischsprachiger Titel trägt, die sich ständig ändern und vermehren. Der Beruf wurde geboren, um dem menschlichen Bedürfnis gerecht zu werden, Werkzeuge für den Alltag herzustellen, obwohl er sich im Laufe der Zeit zu künstlerischen Horizonten entwickelt hat, die sich zunehmend von der Idee des Nützlichen entfernen. Heute erstreckt sich die Rolle über ein Spektrum, das von der Veranstaltung bis zur Kunst reicht. Eine Art professioneller Mix, der sich jedes Jahr im April in der Stadt Mailand abspielt und der Auftakt zu einer Veranstaltung von kolossalem Ausmaß ist. Das Fuorisalone erweitert seine Reichweite mit jeder Ausgabe, sowohl physisch, indem es über die Randviertel der Stadt hinausgeht, als auch konzeptionell, indem es immer mehr Menschen einbezieht. Sie nennen es Design Week, aber in diesen Tagen geht es um Kino, Mode, Nachhaltigkeit und Politik. Themen, die zeigen, dass Kreativität selbst in einem fragmentierten Sektor wie Design ein Kommunikationsmittel für eine Botschaft sein kann, die viel tiefer geht als Schönheit um ihrer selbst willen. Wir haben vier Kreative gefragt : „Wie wird man Produktdesigner?“ , Folgendes haben sie uns erzählt.

M3

Die Geschichte von NM3 beginnt in den Hallen des Politecnico di Milano, nach dem Treffen von Nicolò Ornaghi und Francesco Zorzi. Nach der Gründung von Raumplan, einem Zine, das sich der Kuration und Ausstellungsgestaltung widmet, schloss sich der Fotograf Delfino Sisto Legnani zusammen mit einigen Kollegen (die später das Giga Design Studio gründeten) dem Team an. Das Trio kam in NM3 mit „einem sehr praktischen Bedürfnis“ zusammen, erzählen sie uns. „Es war die Notwendigkeit, ein Ausstellungsdesign zu haben, das der Idee, dass man, wenn man kein Geld hat, alles mit Schrott macht, einigermaßen Rechnung trägt.“ Das wichtigste stilistische Merkmal des Mailänder Kollektivs kam in ihrer ersten Zusammenarbeit zum Vorschein, als sie, um Archivstücke von Kartell und Alessi auszustellen, beschlossen, eine Reihe von Installationen und Möbeln aus Stahl zu entwerfen. „Zu der Zeit waren sie wirklich billig“, erinnern sich die drei, „von da an haben wir gesehen, dass dieses System mehr oder weniger funktioniert, also haben wir drei oder vier Jahre später die Idee des Ineinandergreifens aufgegriffen und es zu dem weiterentwickelt, was heute die Ästhetik der Marke ist.“ Heute umfasst ihr Lebenslauf Kooperationen mit Marken und Institutionen wie adidas, Sunnei, Aspesi, Ferrari, Axel Arigato, der Biennale von Venedig und Alcova, aber sie sind immer noch stolz auf ihre „handwerkliche“ Herkunft. „Wir wurden ohne Investitionen geboren, ohne zu viel Planung, wir haben alle andere Jobs gemacht, aber wir waren daran interessiert, eine Geschichte zu erzählen und zusammen zu sein“, erklären sie. Als Antwort auf „Wie wird man Produktdesigner?“ das Trio kommt direkt zur Sache. „Wie bei allen Dingen: Weil du daran glaubst und weil du dir den Hintern aufreißt, ist das eine Wette, die du mit dir selbst eingehst“, stellen sie fest. „Man erfindet von einem Tag auf den anderen ein Produkt, das es vorher nicht gab, und dann muss man die Leute davon überzeugen, es zu kaufen.“ In Bezug auf die Eigenschaften, die sie zum Erfolg geführt haben, reagieren sie mit Zuversicht: „Entschlossenheit und Initiative. Wir sind gute Designer, wir wissen, was uns gefällt und was wir kommunizieren wollen.“

Zu den Ratschlägen von NM3 für Neueinsteiger gehört, „zuerst die Branche zu befragen und auszuwählen, mit wem Sie zusammenarbeiten möchten“. Weil der Erfolg von NM3 sowohl auf der Einheit und Entschlossenheit der Gründer als auch auf der Unterstützung basiert, die sie im Laufe der Jahre erhalten haben. „Mehr als die Stadt waren es die Menschen, die uns beeinflusst haben“, sagen sie. „Leute, die das Risiko eingegangen sind, uns zu veröffentlichen, als wir noch keine Mitarbeiter hatten und sehr kleine Dinge machten, oder die uns geholfen haben, indem sie ihr Kundenportfolio geteilt haben. Das sind die Dinge, die wirklich helfen.“ Diese Design Week präsentiert NM3 am Samstag, den 20. April, von 14 bis 23 Uhr eine neue Installation in den Räumen der Cocktailbar Bene Bene in der Via Morgagni und feiert erstmals am Freitag, den 19., zusammen mit seiner Community im Club Night Opal.

ÄLTERES STUDIO

Letizia Caramia und Morten Thuesen lernten sich in den Ateliers von Alexander McQueen kennen, bevor sie 2013 OLDER lancierten. Die Marke produziert Uniformen und nachhaltige Gebrauchsdesigns für das Gastgewerbe, wie Michelin-Sterne-Restaurants und luxuriöse Cocktailbars, aber auch Kunstprojekte wie die „Furniform“, ein Cabrio-Outfit, das die Grenzen zwischen Kleidung und Möbeln auslotet, oder „Buclicolo“, eine handbemalte Garderobe, die in diesen Tagen auf der Design Week präsentiert wird. Nach der Gründung der Marke in Paris zog das Duo nach Mailand, um zu ihren Wurzeln zurückzukehren und aus großer Liebe zur Architekturgeschichte der Stadt. Der Name OLDER verkörpert die Philosophie der Marke, die sich dem Design verschrieben hat, das die Fähigkeit beweist, gut zu altern, und ihre Mission, die Abfallreduzierung in den Mittelpunkt zu stellen. Die ersten Schritte von OLDER als Unternehmen, das versuchte, gegen das konsumorientierte Modesystem zu schwimmen, waren nicht einfach. Neben dem Ehrgeiz, so erzählen uns die beiden Designer, habe ihnen auch Selbstbestimmung zum Erfolg verholfen. „Am Anfang wurde es überhaupt nicht als cool angesehen, aber wir hatten eine ziemlich klare Vorstellung davon, was wir kommunizieren wollten“, verraten sie. „Auch wenn es ein einfaches T-Shirt ist, kann man durch Storytelling viel Innovation schaffen.“

Caramia und Thuesen sagen, was sie dazu veranlasste, maßgeschneiderte Uniformkollektionen für große Institutionen wie Noma in Kopenhagen, Matter and Shape, Jacquemus, Alcova und die Tate Modern (und bald auch NSS) zu signieren, war der Wunsch, sich auszudrücken. Genauer gesagt, um das Gefühl der Frustration gegenüber der Modeindustrie auszudrücken und zu zeigen, wie sie systematisch gegen all ihre Werte vorging. „Für uns war es immer organisch, man muss geduldig sein und auch lernen, den Prozess zu genießen“, fügen sie hinzu. „OLDER ist autobiografisch, es ist, als ob die Uniformen aus einem Gespräch zwischen uns beiden entstanden wären.“

Duccio Maria Gambi

Die Designs von Duccio Maria Gambi bereisten auch Europa, bevor sie nach Italien zurückkehrten. Branchenkenner bezeichnen seine Produktionen als sammelbare Unikate, die an der Schnittstelle von Kunst und Design angesiedelt sind. Sie bestehen hauptsächlich aus imposanten Steinskulpturen, die aus kontrastierenden Kombinationen bestehen. Für Gambi ist Design manchmal eine Form von „Besitz“, manchmal ein „Dienstleistungsjob“. Seine Auseinandersetzung mit Stein, erklärt er, sei das Ergebnis seiner Faszination für das Material, einer hitzigen Diskussion zwischen der Unbeweglichkeit von Stein und der Wandelbarkeit der Kreativität. Der florentinische Kreative verfolgt die Meilensteine, die seine Karriere am meisten geprägt haben, und erinnert sich daran, dass er sich zunächst zur niederländischen Avantgarde hingezogen fühlte, später aber in Paris das Konkrete entdeckte. „Ich mochte Beton schon immer, weil er sich in der Umgebung aufdrängt, wegen seiner Geometrie“, sagt Gambi, der uns erzählt, dass er in der französischen Hauptstadt nicht nur einen Raum gefunden hat, um ein neues künstlerisches Interesse zu wecken, sondern auch einen Ort, an dem er sich mit anderen Künstlern auseinandersetzen konnte. Zurück in Florenz, erzählt er uns, habe er sich von der Symmetrie der Architektur und der Naturlandschaften der Stadt inspirieren lassen. Seine Arbeiten befinden sich in den Räumen der Galleria Luisa Delle Piane, um in Zusammenarbeit mit Designern wie Gherardo Felloni und Massimo Giorgetti mit der Modewelt zu sprechen. Zu den jüngsten Projekten gehört, dass Gambi seine Skulpturen in Drucke für eine neue Kollektion mit MSGM umgewandelt hat, ein Projekt, das ihn dazu brachte, die Ähnlichkeiten zwischen Innen- und Bekleidungsdesignern zu entdecken. Beide verbindet, wie Gambi feststellt, „eine Sensibilität für die Materialforschung, für die Beziehung zwischen Funktion und Ästhetik“. Obwohl er anerkennt, dass Modemarken Kommerzialität oft Vorrang vor Innovation einräumen, erkennt er an der Schnittstelle der beiden Welten immer noch unendliche Möglichkeiten. Nach dem kürzlichen Start der Zusammenarbeit mit MSGM präsentiert der Designer auf dieser Design Week zusammen mit Studio Leggero den konzeptionellen Raumteiler Separér, eine Kollektion aus Muranoglas und Holz namens CLAUDE, mit Secondome und Studio Effe von Rossana Orlandi sowie eine Lampe aus der INCAL-Kollektion in Don't get too comfortable im Circolo in der Via della Spiga.

Heute leitet Gambi Spazio Territorio, eine Ausstellungswerkstatt in Florenz, in der er seine Werke zusammen mit anderen Künstlern präsentiert. Er erzählt uns, dass der Name „die Idee einer fließenden Grenze ausdrückt, eines Raums, der sich wie ein Behälter verändert, der sich je nachdem, was sich darin befindet, variiert“. Obwohl Spazio Territorio es immer noch für experimentell hält, hat es bereits mehrere Ausstellungen veranstaltet, die aufstrebenden Designern gewidmet sind. Eine Gelegenheit, bei der der toskanische Designer seine Verbindungen und sein Wissen nutzen konnte, um einige neue Gesichter in der Branche zu fördern und zu unterstützen. Um diesen Job zu erledigen, rät Gambi, sich über das Design hinaus inspirieren zu lassen, sich völlig den Inputs der übrigen Welt zu öffnen und zu vermeiden, den Regeln des Algorithmus zu folgen, der Kreativität „abflacht“. „Dann ist da noch die Offenheit für die Wahrnehmung, es ist wichtig, wirklich an das zu glauben, was man fühlt, und dann zu versuchen, es bestmöglich zu zeigen“, fügt er hinzu. „Jetzt ist es sehr einfach, seine Arbeit zu zeigen, es geht darum, eine kohärente Geschichte zu präsentieren.“

SITUÉR MILANO

Die Boutiquen und Ausstellungsräume, in denen sich die Regale von Situér Milano befinden, zeichnen sich durch eine dynamische und farbenfrohe Ausstrahlung aus. Die Geschichte der Marke reicht bis in die 1960er Jahre zurück und begann mit dem Möbelunternehmen Castellani. Situérs Identität ist in der Vergangenheit verankert, aber es war eine künstlerische Revolution, die sie zum Erfolg brachte. Erst das Hinzufügen von Farbe, dann das „Situér Fold“, eine spezielle Schweißtechnik, die den Möbeln der Marke eine charakteristische Bewegung verleiht, prägte die Identität des Studios. Das grundlegende Ziel des Unternehmens ist „das Streben nach einer perfekten Balance zwischen Ästhetik und Funktion“, sagen uns die Mitbegründer Biagio Castellani und Federica Paoli. Sie erinnern sich, dass eine der Hauptschwierigkeiten, mit denen sie bei Situér konfrontiert waren, paradoxerweise darin bestand, den Start eines neuen Projekts innerhalb eines bereits etablierten Unternehmens zu bewältigen. „Es war sicherlich wichtig, in einem größeren Unternehmen wie Castellani geboren zu werden. Wir schätzten ihre Handwerkskunst und ihre Tradition in der Metallbearbeitung, aber wir mussten uns auch einem Prozess des Übergangs und Wandels stellen.“

„Für uns ist die des Designers eine Mission“, erklären Castellani und Paoli, überzeugt, dass der Erfolg ihrer Idee genau die Entscheidung war, sich dem Metall zu widmen. „Wir können allen, die den Weg des Designers einschlagen wollen, vermutlich raten, bei einem Material oder einem Prozess vertikal vorzugehen“, schlagen sie vor. Diese Design Week hat sich die Marke dafür entschieden, den Showroom zu nutzen, um die Beziehung zwischen Natur und Design anhand der Farben der Erde zu erkunden. Um die Rückkehr des „Situér Folds“ auf den Salone del Mobile zu feiern, hat das Studio die Räume der historischen Brera-Floristen- und Cocktailbar Fioraio Bianchi Caffè eingerichtet.

Im Jahr 2024 kann der Beruf eines Produktdesigners nicht mehr auf die Definition beschränkt werden, die ihm gegeben wurde. Ein Produkt entsteht in der Tat, aber um es herum spielen zahlreiche Faktoren eine Rolle, die seine Geschichte und Funktion beeinflussen. Auf unserer Suche nach dem Weg, Produktdesigner zu werden, haben wir versucht, klare Antworten auf eine Frage zu finden, die es aber letztlich nicht gibt. In diesem Sinne bestätigt der Umfang der Design Week, wie Design alle kulturellen Sphären durchdringt und dass jedem erfolgreichen Produkt die Notwendigkeit zugrunde liegt, die Vorurteile der Branche in Frage zu stellen, um sie zu perfektionieren. Denn Design feiert nicht nur Ästhetik und Kreativität (was manchmal ausreicht), sondern dient auch dazu, die richtigen Fragen aufzuwerfen.