„Das Problem mit Design ist heute die Verbindung“, Interview mit Patrick Abbattista von DesignWanted Was unterscheidet wahre Talente von jemandem, der einfach gelernt hat, den Algorithmus zu manipulieren?
Bilder, hyperreale Renderings, Sprachen, die sich gegenseitig jagen, und Gemeinschaften, die innerhalb von drei Schriftrollen geboren und gestorben sind. Wie viel Platz bleibt uns bei dieser totalen Überbelichtung wirklich noch, um eine Identität aufzubauen, die nicht nur ein digitales Asset ist? Das Risiko besteht heute darin, ein Projekt mit seinem sozialen Inhalt zu verwechseln und dabei zu vergessen, dass eine erkennbare Ästhetik nicht unbedingt mit einer klaren Richtung übereinstimmt. Aus dieser Panne heraus beginnt unser Gespräch mit Patrick Abbattista, dem Gründer von DesignWanted. Abbattista schuf nicht nur eine Plattform, er baute eine Brücke zwischen Ideen, Menschen und der Industrie und versuchte 2026 das zu tun, was vielleicht das Schwierigste war: Verbindungen herzustellen, die nicht an der Oberfläche des Bildschirms enden.
Mit ihm haben wir Design aus einer hybriden Perspektive — zwischen Redaktion und Strategie — untersucht, um zu verstehen, was echte Talente von denen unterscheidet, die einfach gelernt haben, mit dem Algorithmus umzugehen. Denn wenn Social Media alles sichtbarer gemacht hat, hat es nicht alles klarer gemacht. Wenn überhaupt, ist das Problem vielleicht nicht ein Mangel an Kreativität, sondern die Schwierigkeit, eine authentische Stimme und ein authentisches Verständnis zu finden, noch bevor entschieden wird, was für ein Design man sein möchte, was für eine Person man sein möchte.
Denken Sie, dass Design gelernt hat, besser zu kommunizieren, oder gibt es immer noch eine Lücke zwischen dem, was Designer kreieren, und dem, was die Öffentlichkeit wahrnimmt?
Meiner Meinung nach haben die meisten Designer immer noch nicht wirklich gelernt, wie man kommuniziert. Und zum Teil ist es verständlich: Wer Designer werden will, tut das, weil er designen will, nicht weil er sich mit Kommunikation auseinandersetzen will. Allerdings gibt es heute einige sehr interessante Fälle von jungen Designern, die es geschafft haben, eine Community rund um ihre Arbeit aufzubauen. Ich denke zum Beispiel an einen engen Freund, Deniz Aktay, einen deutschen Designer, der während Covid begann, Renderings online zu posten und Hunderttausende von Followern erreichte und schließlich mit mehreren Unternehmen zusammenarbeitete.
Kommunikation ist aber auch Einstellungssache. Ich spreche nicht nur von der technischen Seite — Verwaltung sozialer Medien, Produktion von Inhalten —, sondern auch von Netzwerken, von dem Wissen, wie man sich innerhalb von Veranstaltungen und innerhalb des Designsystems bewegt. Es ist etwas, das sich von selbst ergeben muss, wenn Sie wirklich möchten, dass Ihr Projekt gesehen wird. Ich glaube also, es gibt noch viel zu tun, aber eine gewisse Lücke wird wahrscheinlich immer bestehen bleiben: Entwerfen und Kommunizieren sind zwei verschiedene Fähigkeiten, auch wenn sie untrennbar miteinander verbunden sind.
Ihr Hintergrund liegt in Marketing und Kommunikation, nicht im Design. Wie hat diese externe Perspektive die Art und Weise beeinflusst, wie Sie Design beobachten und erzählen?
Als Außenseiter ins Design zu kommen, war wahrscheinlich mein größter Vorteil. Als ich anfing, etwa 2008, hatte ich sofort Kontakt zu den großen Namen der Branche, denn das redaktionelle Projekt, an dem ich arbeitete, war zu einem Partner wichtiger internationaler Realitäten wie dem Red Dot Design Award und vielen anderen geworden. Ich saß mit etablierten Designern und Unternehmen an einem Tisch, aber da ich (noch) nicht zu ihnen gehörte, sprach ich mit allen auf die gleiche Weise, getrieben von einer spontanen Neugier. Dadurch konnte ich sehr einfache, manchmal sogar naive Fragen stellen, die mich oft direkt zum Kern des Projekts führten.
Da ich keine ehrfürchtige Angst hatte, die von meinem Hintergrund und meinem begrenzten Wissen über die wichtigsten Kennzahlen der Branche geprägt war, fiel es mir leichter, menschliches Einfühlungsvermögen zu entwickeln, noch bevor ich beruflich Kontakte knüpfte. In gewisser Weise ist dieser Ansatz bei DesignWanted geblieben: Wir wollten nie nur Ikonen oder nur aufstrebende Talente feiern. Das Projekt liegt uns am Herzen, unabhängig davon, wer es unterschreibt. Dadurch entsteht eine Art redaktionelle Meritokratie: Ein junger Designer kann neben einer Marke wie Flos oder Cassina vorgestellt werden, was für echte Sichtbarkeit und Glaubwürdigkeit sorgt. Als Kommunikator konnte ich eine kritische Distanz zur Branche wahren und sie aus einer neutralen Perspektive betrachten.
Mit dem Format Ideas for Business haben Sie eine redaktionelle Plattform in eine Art offene Innovationsinfrastruktur verwandelt. Wie wichtig ist es heute, Verbindungen zwischen aufstrebenden Designern und Unternehmen herzustellen? Und wonach suchen Marken wirklich, wenn sie diese Ausschreibungen eröffnen?
Ideas for Business basiert auf einer sehr einfachen Beobachtung: Es gibt unzählige Ideen. Heute produzieren Designer zwischen traditionellen Renderings und Tools für künstliche Intelligenz ständig Konzepte und Projekte. Gleichzeitig suchen viele Unternehmen nach neuen Ideen, wissen aber nicht immer, wo sie zu finden sind. Viele Designer haben mich oft gebeten, sie mit Unternehmen in Kontakt zu bringen. Ich habe es getan, wenn es möglich war, aber mir wurde klar, dass ein strukturierter Raum geschaffen werden muss, der es der Community ermöglicht, auf diese Möglichkeiten zuzugreifen.
Einerseits ermöglichen wir Unternehmen, sich mit einer globalen und verteilten Kreativität zu verbinden. Andererseits geben wir Designern die Möglichkeit, ihre Ideen Marken zu präsentieren, mit denen sie sich sonst nie auseinandersetzen würden. Unternehmen suchen nach anderen Dingen: nach neuen Perspektiven, neuen Ideen, aber auch nach einer kulturellen Positionierung. Eine internationale Ausschreibung zu eröffnen bedeutet, neuen Generationen von Designern und der globalen kreativen Gemeinschaft Aufmerksamkeit zu schenken. Es bedeutet, mit denen zu sprechen, die morgen Ihre Gesprächspartner sein werden.
Es ermöglicht ihnen auch, Vorschläge aus verschiedenen kulturellen Kontexten zu erhalten. Ein brasilianischer Designer könnte beispielsweise ein Produkt oder Material ganz anders interpretieren als ein europäischer Designer. Diese kulturelle Kontamination ist äußerst wertvoll.
Viele junge Designer haben heute Schwierigkeiten, ihren Platz in der Branche zu finden. Welche Eigenschaften zeichnen aus Ihrer privilegierten Sicht die Talente aus, die es schaffen, sich zu entwickeln, wirklich aus?
Die wichtigste Eigenschaft ist eine: Identität. Die Designer, die ich gesehen habe, hatten von Anfang an eine sehr klare Vorstellung davon, wer sie waren und welche Botschaft sie der Welt vermitteln wollten. Ich erinnere mich an zwei brasilianische Designer, die ich vor vielen Jahren getroffen habe, Rodrigo Brenner und Maurício Noronha, Gründer des Studios Furf. Als ich sie traf, waren sie praktisch unbekannt, aber sie hatten eine unglaubliche Klarheit in ihrer Herangehensweise. Diese Identität hat sich im Laufe der Zeit nie geändert, und heute sind sie zu einem hoch anerkannten Studio geworden.
Neben der Identität sind zwei weitere Dinge erforderlich: Ausdauer und die Fähigkeit, sich selbst zu kommunizieren. Im Design, wie in vielen anderen Bereichen, ist Ablehnung Teil der Reise. Der Unterschied liegt darin, konstruktiv zu reagieren: zu verstehen, was nicht funktioniert hat, sich anzupassen und gleichzeitig den eigenen Grundprinzipien treu zu bleiben. Schließlich gibt es Kommunikation. Ob es uns gefällt oder nicht, wenn ein Unternehmen heute einen Designer bewertet, schaut es sich oft auch sein Instagram-Profil oder seine Online-Präsenz an, um die Gesamtbotschaft zu verstehen, die er vermittelt. Wenn Sie in irgendeiner Weise nicht sichtbar sind, besteht die Gefahr, dass Sie nicht existieren. Und wie können Sie mit jemandem zusammenarbeiten, von dem Sie nicht einmal wissen, dass er existiert?
In den letzten Jahren ist Design in den Medien und sozialen Plattformen zunehmend sichtbar geworden. Denken Sie, dass diese Exposition die Designkultur wirklich erweitert hat, oder besteht die Gefahr, dass daraus ein rein ästhetisches Erlebnis wird, das schnell konsumiert werden muss?
Wie alles hat es Vor- und Nachteile. Als ich anfing, im Designbereich zu arbeiten, dachten viele Leute, Design sei etwas Seltsames und Teures. In Wirklichkeit ist Design Projekt, Funktion, Ästhetik, aber nicht nur Ästhetik. Soziale Medien haben dazu beigetragen, Design zu verbreiten und zugänglicher zu machen. Das Problem ist, dass soziale Plattformen von Natur aus visuell und zweidimensional sind, sodass die Menschen oft nur das Bild des Produkts erhalten.
Deshalb brauchen wir redaktionelle Plattformen, die in der Lage sind, die Geschichte eines Projekts ausführlich zu erzählen. Es reicht nicht aus, ein Objekt zu zeigen: Wir müssen erklären, warum es existiert, wie es sich entwickelt, welches Problem es löst oder welche Gelegenheit es bietet. Letztlich ist Design vor allem eine Frage der Empathie. Aus meiner Sicht haben großartige Designer die außergewöhnliche Fähigkeit, sich in die Lage anderer Menschen zu versetzen. Das macht ein Projekt wirklich zeitlos, denn es wird zum Ausdruck und zum Werkzeug eines Kollektivs, nicht nur zu einer stilistischen Übung.
Wenn Sie sich die Zukunft der Designmedien in den nächsten zehn Jahren vorstellen müssten, welche Rolle werden sie Ihrer Meinung nach bei der Gestaltung der Richtung des zeitgenössischen Designs spielen?
Es ist schwierig, Vorhersagen zu treffen, da die Technologie die Art und Weise, wie wir kommunizieren, ständig verändert. Neue Plattformen generieren neue Sprachen und Formate: TikTok ist ein klares Beispiel aus den letzten Jahren. Ich spüre, dass die physische Dimension wieder an Bedeutung gewinnen wird. Kleinere Veranstaltungen, gezieltere Interaktionsmomente, vielleicht sogar gedruckte Publikationen, die jedoch mit einem klaren Ziel erstellt wurden, nicht nur zur Papierherstellung.
Auf jeden Fall glaube ich, dass es nicht so sehr um die Kanäle geht, sondern darum, warum wir kommunizieren. Die Kanäle werden sich ständig ändern, aber die Kernfrage bleibt dieselbe: Was ist die Botschaft und warum teilen wir sie? Wenn wir das aus den Augen verlieren, riskieren wir, nur Lärm zu erzeugen. Ich interessiere mich für Sound, nicht für Lärm. Wenn morgen der beste Weg, um mit der Community in Kontakt zu treten, eine physische Veranstaltung oder eine neue Plattform ist, werde ich mich anpassen. Was zählt, ist, dass die menschliche und empathische Verbindung im Mittelpunkt des Designs bleibt.
Am Ende ist Abbattistas Fazit klar: Gute Ideen zu haben, reicht nicht mehr aus. Und, Spoiler, zu wissen, wie man sie gut für Instagram verpackt, reicht auch nicht aus. In einer Landschaft voller Referenzen und bereits zurückgelegter Wege liegt der Unterschied in der Fähigkeit, Präsenz und Absicht aufzubauen, und Design wird wieder zu einer Praxis, die echte Präsenz erfordert. Es geht nicht um Stil oder Online-Performance, sondern um Fokus und Empathie. Patrick Abbattista bringt Wörter wieder in den Mittelpunkt, die vielleicht weniger „glamourös“ klingen, aber entscheidend sind: Identität, Prototyp, Verbindung. So etwas, das nach Workshops riecht, wie Hände, die Materialien berühren, wie Fehler, die im wirklichen Leben gemacht wurden.