Eine Reise durch die Musik von David Lynch Der Regisseur, der Bilder in Notizen verwandelte

Vor einem Jahr verstarb David Lynch, einer der wenigen Regisseure der Welt, dessen Stil so einzigartig und unnachahmlich ist, dass er ein eigenes Adjektiv — Lynchian — erhielt, das heute allgemein verwendet wird, um die typischen Atmosphären seiner Filme zu beschreiben, zwischen dem Traumhaften und dem Beunruhigenden.

Auf dem Foto zur Ankündigung seines Todes, das am 16. Januar 2025 auf seiner offiziellen Seite veröffentlicht wurde, wurde er mit einer Gitarre abgebildet. Keine Kamera, sondern eine Gitarre. Dies allein reicht aus, um eine Vorstellung davon zu geben, wie tief und instinktiv seine Beziehung zur Musik war. „Musik ist Magie“, fasste der Regisseur einmal zusammen, aber es lohnt sich, sie weiter zu erforschen.

Von der Musik zum Kino

Aus diesem Grund haben wir uns ein Jahr nach seinem Tod entschlossen, ihm durch eine Reise in seine musikalische Welt Tribut zu zollen. Ja, heute können wir mit Sicherheit sagen, dass David Lynch nicht nur einer der größten Filmemacher der Kinogeschichte war, sondern während seiner gesamten künstlerischen Entwicklung auch ein unglaublicher Musikdesigner und auf seine ganz eigene Art ein wahrer Musiker, Komponist und Singer-Songwriter war.

Als Kind hatte Lynch auch eine minimale musikalische Ausbildung: Als Junge begann er, Trompete zu spielen — mehrere Fotos dokumentieren dies —, aber es endete dort. Als junger Erwachsenen-Filmemacher erwies er sich jedoch von Anfang an als begabter Klangexperimentator, auch wenn er sich zu Beginn seiner Filmkarriere natürlich nie als Musiker bezeichnen würde. In einem alten Interview erklärte er: „Ich liebe Sound und experimentiere gerne mit Sound. [...] Ich war schon immer interessiert, obwohl ich überhaupt kein Musiker bin. Aber Klänge tendieren eher zur Musik, und ich liebe diesen Grenzbereich, in dem ich mit Soundeffekten immer näher an Musik tanzen kann.“

Der Einsatz von Soundeffekten und Umgebungsgeräuschen mit musikalischer Sensibilität ist ein grundlegender Aspekt seiner Ästhetik, der ihn von seinen ersten Kurzfilmen an begleitet und sich während des ersten Teils seiner Karriere fortsetzt. Ausschlaggebend in dieser Hinsicht ist sein Treffen mit dem Toningenieur Alan Splet, mit dem er von Ende der 70er bis Anfang der 90er Jahre am Sounddesign all seiner frühen Werke zusammengearbeitet hat.

Das Pfeifen des Windes

Künstlerisch gesehen begann Lynch weder als Regisseur noch als Musiker. Seine erste wahre Liebe zur Kunst war die Malerei. Aber eines Tages wurde ihm klar, dass das Gemälde auf der Staffelei nicht mehr ausreichte. Er wollte es vervollständigen, indem er Bewegung und eine Klanglandschaft hinzufügte: Was er am meisten wollte — würde er sagen — war, „den Wind zu hören“. So entstand sein Wunsch, Regisseur zu werden, und gleichzeitig entstand die Idee des ersten echten Lynch-Sounds: das Pfeifen des Windes, das wir in seinen Filmen so oft gehört haben. Wir hören es deutlich am Anfang und Ende von In Heaven (The Lady In The Radiator Song), dem einzig wahren Song im Soundtrack seines ersten Films Eraserhead.

Der Rest des Soundtracks wurde von Lynch selbst als „industrielle Symphonie“ beschrieben, komponiert mit Splets Hilfe, der stundenlange Windgeräusche aufnahm und sie mit elektrischem Brummen, Metallblechen und funktionierenden Maschinen kombinierte, um, wie vom Regisseur gewünscht, die klangliche Hölle einer Industriestadt einzufangen. Dieses Klangerlebnis sollte das sogenannte Industrial-Genre beeinflussen und den Grundstein dafür legen, das später von Bands wie Throbbing Gristle und Einstürzenden Neubauten oder, in eher ambientennahen Bereichen, von Coil und Tim Hecker entwickelt wurde.

Die kreative Partnerschaft mit Angelo Badalamenti

Eine weitere grundlegende Begegnung für Lynchs musikalische Entwicklung fand mit dem in Sizilien geborenen Komponisten Angelo Badalamenti statt. Sie trafen sich am Set von Blue Velvet (1986), wo Badalamenti ursprünglich als Gesangstrainer für Isabella Rossellini engagiert wurde und ihr half, den Titeltrack zu singen, der den gesamten Film inspirierte, Bobby Vintons Blue Velvet.

Die Affinität zwischen Lynch und Badalamenti war jedoch so groß, dass Letzterer schließlich den gesamten Filmsoundtrack komponierte. Es gab nur ein kleines Problem: Lynch kannte die Sprache der Musiktheorie nicht und beschränkte sich daher darauf, die Szenen, Farben und Gefühle zu beschreiben, die Badalamenti dann in Klaviernoten übersetzen musste. Diese zunächst überraschende Technik verfestigte sich im Laufe der Jahre und gipfelte im absoluten Meisterwerk des Twin Peaks-Soundtracks.

Aber um das zu erreichen, fehlte ein weiteres grundlegendes Stück: die ätherische Stimme von Julee Cruise. Lynch hätte Elizabeth Fraser eigentlich vorgezogen, die vom Dream Pop fasziniert war, nachdem sie im Projekt This Mortal Coil ihr Cover von Song To The Siren von Tim Buckley gehört hatte. Er hätte alles getan, um sie in Blue Velvet zu haben, aber da das Budget knapp wurde, krempelte Lynch die Ärmel hoch und versuchte, mit Badalamenti etwas Ähnliches zu kreieren. Das Ergebnis ist ihr erster echter Song, den sie zusammen geschrieben haben: Mysteries of Love — Musik von Badalamenti und Text von David Lynch.

Eine klassische Anekdote ist Lynchs Beschreibung, wie das Stück klingen sollte, an Badalamenti: „Spiel es wie der Wind, Angelo. Es sollte ein Lied sein, das auf dem Meer der Zeit schwimmt.“ An Stelle von Fraser sang Julee Cruise, eine alte Bekannte von Badalamenti, deren Stimme — wenn möglich — noch ätherischer und traumhafter klingt als die ursprüngliche Inspiration. Alle drei waren so begeistert, dass sie weiterhin an der Theatershow Industrial Symphony No. 1 und Julee Cruises nächsten beiden Alben, Floating Into The Night (1989) und The Voice of Love (1993), zusammenarbeiteten. Vor allem im Kult-Soundtrack von Twin Peaks.

Zwischen Musik und Storytelling

Ohne auf die epochale Wirkung einzugehen, die die Serie im Fernsehen hatte, betonen wir, wie viel von dieser Wirkung auch auf den fantastischen Soundtrack zurückzuführen ist, der erneut vom renommierten Duo Lynch-Badalamenti komponiert wurde, mit der sparsamen Ergänzung von Julee Cruises Stimme, die in drei emotional starken Tracks verwendet wurde: The Nightingale, Into The Night und Falling. Die Instrumentaladaption des letzteren sollte zum eindrucksvollen und unvergesslichen Eröffnungsthema der Serie werden, das den Zuschauer/Zuhörer in ein tiefes Gefühl von Frieden, Nostalgie und romantischer Sehnsucht versetzen kann: Die absteigenden Akkorde sind analog zum Akt des Verliebens und in Lynchs Welt zum Akt des physischen und metaphysischen Fallens.

Das Herzstück ist jedoch das Laura Palmer Theme, das Mädchen, um das sich das Geheimnis der Serie entwickelt. Badalamenti erzählte in einem Video von dem Moment, in dem das Stück geboren wurde: Lynch beschrieb, was Badalamenti sich vorstellen sollte, um die Noten zu extrahieren, zuerst langsam und dunkel, „wie in einem Wald in der Nacht, umgeben von Wind und Tieren“, dann plötzlich eine himmlische Öffnung, das Erscheinen eines Mädchens in der Ferne, das die Melodie auf dem Fender Rhodes immer höher steigen lässt, bis sie den Höhepunkt erreicht, dann Fender zurück in die Dunkelheit. Zu diesem Zeitpunkt ist Musik wirklich magisch und ihr Erfolg war bemerkenswert.

1992 kam ein weiterer Wendepunkt mit Fire Walk With Me (1992) — dem Prequel zu Twin Peaks: Hier gilt Lynch als Sounddesigner und beschreibt nicht mehr nur Songs oder schreibt Texte wie in der Vergangenheit, sondern komponiert zum ersten Mal auch die Musik selbst. So entstand sein erstes Rock-Instrumental mit dem Titel The Pink Room: langsam, hypnotisch und sinnlich, wie die Szene, die es im Film begleitet.

Tätigkeit als Sounddesigner

Lynchs Arbeit als Sounddesigner konsolidierte sich in nachfolgenden Filmen, insbesondere Lost Highway (1997) und Mulholland Drive (2001). Ersteres enthält einen beeindruckenden Soundtrack, der neben Badalamentis Orchestrierungen auch eine Auswahl von Titeln enthält, die von Trent Reznor von Nine Inch Nails (zukünftiger Oscar-Preisträger) kuratiert wurden. Reznor erzählte, dass er den Track Driver Down auf der Grundlage der skurrilen Anweisungen erstellt hatte, die Lynch ihm gab, ähnlich den Methoden, die er bei Badalamenti verwendete. Konkret soll Lynch ihm für die Schlussszene gesagt haben: „Das Geräusch einer Kiste, aus der dir Schlangen zischen ins Gesicht springen“. Lost Highway ist auch der Film, in dem Lynch endlich seinen Traum verwirklichte, den heiß ersehnten *Song to the Siren* von This Mortal Coil in eine Szene von schillernder Schönheit zu integrieren.

In Mulholland Drive (2001) manipuliert Lynch Badalamentis Orchestertracks so, wie er es für richtig hält, um die gewünschten beunruhigenden Effekte zu erzielen. Zusätzlich zu ihren Instrumentalstücken enthält der Film auch eine atemberaubende Version von Crying von Roy Orbison, gesungen auf Spanisch von Rebekah Del Rio (Llorando), und andere Tracks (Go Get Some, Mountains Falling) von Bluebob (2001), Lynchs erstem echten Musikprojekt, wo er zusammen mit dem erfahreneren John Neff Gitarre spielt. Hier hören wir Lynchs unkonventionelle Avantgarde-Gitarre — eine Parker Fly von 1997, auf halbem Weg zwischen Gitarre und Synthesizer.

Solokarriere

Zu diesem Zeitpunkt musste Lynch nur noch singen. Offiziell tat er dies mit dem Soundtrack seines letzten Films INLAND EMPIRE (2006). Lynch schrieb nicht nur zwei hervorragende Tracks, Ghost of Love und Walking in the Sky, sondern sang sie auch selbst, wobei er seine Stimme durch verschiedene Effekte veränderte, da traditioneller Gesang nicht seine Stärke war. Der Film markierte die Loslösung von Badalamentis Führung und eröffnete eine neue Gesangskollaboration mit der Alien-Sängerin Chrysta Bell, die den besten Song des Sets (Polish Poem) spielte und mit der Lynch bis kurz vor seinem Tod zusammenarbeiten sollte. Lynch sang auch auf den Alben Danger Mouse und Sparklehorse The Dark Night Of The Soul (2009), wo er nicht nur die Grafiken und Videos des Projekts betreute, sondern auch als Sänger auf einigen Tracks auftrat: dem ergreifenden Star Eyes (I Can't Catch It) und dem beunruhigenden Titeltrack.

Zu diesem Zeitpunkt war Lynch wirklich bereit, alleine in die Welt der Musik einzutauchen. 2011 veröffentlichte er sein erstes echtes Soloalbum, Crazy Clown Time, und zwei Jahre später folgte The Big Dream (2013). Beide Alben sind besonders düster (könnte es auch anders sein?) , mit einem rohen, industriellen Blues-Sound, der manchmal spärlich ist. Was ihr Funkpotenzial einschränkte, war weniger die dunkle Atmosphäre als Lynchs Stimme, die der Aufgabe nicht immer gewachsen war. Die Tracks, die am meisten auffallen, sind die, die von zwei echten Sängern aufgeführt werden: Pinky's Dream in Crazy Clown Time, gesungen von Karen O von den Yeah Yeah Yeahs, und I'm Waiting Here mit Lykke Li in The Big Dream.

Lynchs musikalische Reise wurde 2017 mit der Rückkehr von Twin Peaks fortgesetzt, wo er mit dem Sounddesigner Dean Hurley zusammenarbeitete und die Bang Bang Bar als Mittel nutzte, um jede Episode mit Auftritten verwandter Künstler abzuschließen (insbesondere der Dream Pop von Chromatics und Au Revoir Simone und die Rückkehr von Rebeka Del Rio und Julee Cruise). Die Reise gipfelt in dem 2024 mit Chrysta Bell Cellophane Memories veröffentlichten Album. Die letzten Strophen des letzten Tracks — Sublime Eternal Love — fassen seine musikalische Poetik zusammen: Und aus dem Geräusch wurde Musik/Und die Noten hatten ein Gefühl. David Lynch ist nicht mehr bei uns. Aber zum Glück ist immer Musik in der Luft.