Die ludomusikalische Dystopie von Black Mirror 7 Von der generativen Musik von Brian Eno und Autechre bis Radiohead

Jedes Mal, wenn eine neue Staffel von Black Mirror veröffentlicht wird, wird eine Debatte darüber geführt, wie gut es der Serie gelungen ist, die Ängste unserer Zukunft darzustellen, die in Wirklichkeit unserer Gegenwart immer näher kommen. Nach den am weitesten verbreiteten Meinungen unter Insidern belebt diese neue Staffel das Schicksal von Charlie Brookers Serie wieder, die nach einem rasanten Start nach dem Wechsel zu Netflix zunehmend an Wert verloren hatte und vor allem in den letzten beiden Staffeln unerwartete Tiefststände an Enttäuschungen erreichte. Kritikern zufolge scheint eine Stärke dieser siebten Staffel eine engere Verbindung zu unserer Gegenwart zu sein. Wie immer, da es sich um eine Anthologie-Serie handelt, gibt es unterschiedliche Meinungen darüber, welche Folgen in ihrer Absicht mehr oder weniger erfolgreich sind, aber das bestätigt nur, dass die Ängste, die wir für am besorgniserregendsten halten, von Person zu Person unterschiedlich sein können und wie Black Mirror es schafft, ein ziemlich breites Spektrum abzudecken.

Eine der am meisten diskutierten und umstrittensten Folgen dieser neuen Staffel ist Plaything, wahrscheinlich aufgrund ihres Endes, das mehreren Interpretationen offen steht. Die Handlung ist ziemlich einfach: Ein Mann (gespielt vom ehemaligen Doctor Who Peter Capaldi) wird wegen Mordes verhaftet, aber im Laufe des Verhörs kommt der beunruhigendste Aspekt des Falls zum Vorschein. Zuerst wird enthüllt, dass der Mörder früher als Rezensent für ein großes Videospielmagazin gearbeitet hat, dann betritt ein alter Bekannter von Black Mirror die Szene, der Programmierer von Bandersnatch, Colin Ritman, der Erfinder eines revolutionären neuen Videospiels, das der Protagonist vorhören soll. Nur ist es kein traditionelles Videospiel, sondern — in Ritmans eigenen Worten — die ersten Lebensformen der Geschichte mit einer vollständig digitalen Biologie. Der Spieler muss sich zunächst um diese digitalen Lebensformen kümmern, wie eine weiterentwickelte Version von Tamagotchi, und sie dann autonom wachsen und sich entwickeln lassen. Der junge Rezensent stellt eine starke Verbindung zu den Thronglets (so der Name des Spiels) her und fügt immer mehr technologische Verbesserungen hinzu, bis über einen USB-Anschluss an seinem Nacken eine physische und neuronale Verbindung zu ihnen hergestellt wird, sodass die Kreaturen freien Zugang zu seinem Gehirn haben. Schließlich stellt sich heraus, dass seine eigentliche Mission darin besteht, diese Verbindung auf die gesamte Weltbevölkerung auszudehnen, um Menschen zu besseren Menschen zu machen. Dieses Ziel wurde dank seiner Verhaftung erreicht, die ihm Zugriff auf den Zentralcomputer der Polizei gewährt.

Die Tatsache, dass all dies durch die Ausbreitung eines Schalls geschieht, ist kein Zufall. Während der gesamten Episode wird ein Klangsubtext vermittelt, der ganz explizit auf das anspielt, was Valerio Mattioli in einem von Minimum Fax veröffentlichten Essay provokativ als die Musikgeschichte unseres Aussterbens bezeichnete. Mattioli erzählt vom Aufstieg dreier grundlegender Figuren der elektronischen Musik in den letzten dreißig Jahren: Aphex Twin, Autechre und The Boards Of Canada. Abgesehen von letzterem gehören die anderen beiden zu den musikalischen Protagonisten dieser Black Mirror-Episode. Experten auf diesem Gebiet werden sicherlich bemerkt haben, dass die Episode sowohl visuell als auch klanglich voller musikalischer Referenzen im Zusammenhang mit der sogenannten IDM (Intelligent Dance Music) ist. Was die Grafik angeht, so findet das Treffen zwischen dem Spieleentwickler Colin Ritman und dem Protagonisten der Geschichte in einem mit Schallplatten übersäten Büro statt, in dem man ein riesiges Aphex Twin-Poster und Eckpfeiler des Genres wie Incunabula (1993) und Amber (1994) von Autechre, Tied Up (1994) von LFO, Blue Room (1992) von Orb und die beiden Warp-Label-Compilations — den führendes IDM-Label — betitelt (eher unursprünglich) Künstliche Intelligenz und Künstliche Intelligenz II. Das sind nur die offensichtlichsten, aber die Rekordjagd nach Musik-Nerds könnte sicherlich noch weiter gehen.

Aus klanglicher Sicht ist die Episode minimal, aber wir können immer noch das berühmte M-Ziq Theme von Mike Paradinas (auch bekannt unter dem Alias μ-ZIQ) und mindestens ein paar Tracks — Evil Surrounds und Dystopian Vector, Pt. 2 — von Pye Corner Audio, dem retrofuturistischen Elektronikprojekt des britischen Musikers Martin Jenkins, hören. Der Abspann wird dagegen vom Klassiker We Have Explosive des Duos The Future Sound of London begleitet. Aber der Höhepunkt — der Moment, in dem der Protagonist die gesamte Entwicklung der digitalen Lebensformen erklärt — wird von einem symbolischen Autechre-Track mit dem Titel Eutow von ihrem dritten Album Tri Repetae begleitet. Um die tiefere Bedeutung dieser musikalischen Wahl vollständig zu verstehen, müssen wir zur Geburt der englischen Kybernetik und zu den Anfängen von Brian Enos Ambient-Musik zurückkehren.

1977 wurde Brian Eno (der sich selbst als „Nicht-Musiker“ bezeichnet) von Stafford Beer kontaktiert, einem der führenden Experten für Kybernetik und Nachfolger des britischen Wissenschaftlers Ross Ashby (Autor wichtiger Texte wie Eine Einführung in die Kybernetik und Design for a Brain). Wie der Philosoph Andrew Pickering in seinem Buch The Cybernetic Brain (2010) erklärt, wurde die englische Kybernetik auf dem Gebiet der Neurowissenschaften geboren und ihr Hauptforschungsgebiet war das menschliche Gehirn. Noch vor Ashby hatte der Neurophysiologe Grey Walter — der 1953 das erfolgreiche Buch The Living Brain veröffentlichte — die elektrische Aktivität des Gehirns identifiziert und begonnen, sein Verhalten auf der Grundlage eines dichten Netzwerks von „Stimulus-Reaktion“ -Verbindungen zu untersuchen. Dies veranlasste ihn, ein elektromechanisches Modell des Gehirns selbst — ein echtes synthetisches Gehirn — zu entwickeln, das er Machina Speculatrix nannte. Im Wesentlichen war es eine Art primitives — oder vielleicht genauer gesagt, alternatives — Modell der künstlichen Intelligenz im Vergleich zu den heute verwendeten, dessen Hauptmerkmal ihre völlige Unvorhersehbarkeit war.

Auf technischer Ebene kannten die Kybernetiker — zuerst Walter, dann Ashby und Beer — ihre Maschinen und ihre einzelnen Komponenten sehr gut. Dies reichte jedoch nicht aus, um das Verhalten des gesamten Systems zu verstehen, das unvorhersehbare Eigenschaften aufwies, als ob es ein Eigenleben oder eine Art künstliche Intelligenz hätte. Auf der Grundlage dieses theoretischen Modells entwickelte Brian Eno das, was er später als generative Musik bezeichnen würde, also Musik, die sich, wenn sie einen anfänglichen Input gegeben hat, auf unvorhersehbare Weise autonom entwickelt — oder in Pickerings Worten, „die Konstruktion musikalischer Welten, die unvorhersehbare Eigenschaften aufweisen können“. Es handelt sich also nicht um eine Nachahmung von etwas, das bereits existiert — wie moderne KIs, die sich von kulturellen Produkten „ernähren“, die zuvor von Menschen geschaffen wurden, und diese kombinatorisch überarbeiten —, sondern um etwas anderes. Es gibt keine großen menschlichen Datensätze, um die Maschine zu füttern, nur ein paar erste Eingaben. Ein primitives Beispiel für generative Musik sind It's Gonna Rain und Come Out, zwei Titel, die in den 1960er Jahren von Steve Reich „komponiert“ wurden. Er spielte zwei Kassetten mit derselben Phrase gleichzeitig auf zwei verschiedenen Geräten ab: Im Laufe der Zeit führten technische Unterschiede zwischen den Geräten dazu, dass die Bänder aus der Phase verschwanden und den Inhalt veränderten. Brian Eno hat einen Großteil seiner Ambient-Musik auf diesen Prinzipien aufgebaut und seit Jahrzehnten Interviews gegeben und an diesen Musikformen gearbeitet, wie sein neuestes Album Aurum zeigt, das im März 2025 veröffentlicht wurde.

Schüler von Brian Eno und gleichzeitig Fahnenträger einer neuen musikalischen Welle sind genau Autechre, die in Black Mirror zu sehen sind. Die beiden in Manchester lebenden Musiker — Sean Booth und Rob Brown — griffen Enos Vermächtnis in den 90er Jahren auf und machten es zu ihrem Aushängeschild auf einer einzigartigen künstlerischen Reise, die sich kontinuierlich weiterentwickelt hat, hin zur Geburt einer Art automatischer (nomöser) Musik, in der sich Songs selbst komponieren und völlig außer Kontrolle geraten. Die wesentliche Qualität ihrer Musik — erklärt Mattioli in Ex Machina — ist ihre absolute Künstlichkeit, ihre unbestreitbare Kälte. Um es mit seinen ebenso eindrucksvollen wie beunruhigenden Worten zu sagen: „Jedes Autechre-Album ist ein thermotonaler Wegpunkt, der, Veröffentlichung für Veröffentlichung, die Temperatur um ein paar Grad senkt, ein kopfüber Fortschritt in Richtung Verlust der verbleibenden menschlichen Wärme, eine Rasse, die blind den arktischen Atem eines Erzfossils aus der Zukunft vermittelt.“ Es ist also schwer, etwas Passenderes für die spielerisch-musikalische Dystopie zu finden, die in der fraglichen Black Mirror-Episode dargestellt wird.

In der Mainstream-Musik waren Radiohead with Kid A (2000) die ersten, die ihren Sound mit der Elektronik von Autechre und anderen Warp-Künstlern hybridisierten. Die ersten Anzeichen einer musikalischen Dystopie waren jedoch bereits in ihren früheren Alben vorhanden, wenn auch in geringerem Maße. In diesem Zusammenhang stellten einige Reddit-Nutzer eine weitere Ähnlichkeit zwischen dem Ende der Black Mirror-Episode und dem Ende des Videos zu Just by Radiohead fest: Der Mini-Kurzfilm von Jamie Thraves wird oft als das zweideutigste Musikvideo der Geschichte angesehen und zeigt einen Passanten, der ohne ersichtlichen Grund auf dem Boden liegt. Die Leute versammeln sich um ihn, machen sich Sorgen und fragen, was passiert ist, aber der Mann erwidert, dass er nicht verraten kann, warum er zusammengebrochen ist, und wiederholt, dass es besser ist, dass sie es nicht wissen. Nach langem Beharren enthüllt der Mann schließlich sein Geheimnis, aber wir Zuschauer hören es nicht; für das Publikum bleibt es also ein ungelöstes Rätsel. Das einzige, was uns am Ende bleibt, ist eine am Boden zusammengebrochene Menschenmenge und eine Frage — genau wie am Ende der Black Mirror-Episode. Der Regisseur der Episode, David Slate, ist unter anderem dafür bekannt, dass er auch bei vielen Musikvideos Regie geführt hat, darunter auch solche für mehrere elektronische Musiker. Zufall? Vielleicht nicht.