Eine Besessenheit, die nicht aussterben kann, Interview mit An Vandevorst Über das, was von Kreativität übrig bleibt, das Aufkommen sozialer Medien und Mode, die sich verändert

Ein Stück schmiedeeiserner Krankenhausbetten und schlafende junge Mädchen in durchsichtigen Strümpfen, eng anliegenden Röcken und pastellfarbenen Strickjacken, die im Kontrast zum Weiß der Laken stehen. Jeder von ihnen erwacht aus dem Schlaf und läuft über den Laufsteg, bis auf eine, die, während sie darauf wartet, dass sie an der Reihe ist, tatsächlich eingeschlafen ist. Es ist 1999, und An Vandevorst und Filip Arickx, die sich nur wenige Jahre zuvor in den Klassenzimmern der Royal Academy of Fine Arts in Antwerpen kennengelernt hatten, präsentieren ihre zweite Kollektion in einer Performance-Show, die sowohl wegen ihres naiven Charmes als auch wegen ihrer erzählerischen Kraft in die Geschichte eingehen wird. Obwohl sie erst am Anfang stehen, sind die Inspirationen, die sie in den nächsten zwanzig Jahren begleiten werden, bereits alle da: Joseph Beuys, das Rote Kreuz, Religion, Pferde und Reitzubehör, Nieten, Dessous, Uniformen und ein Hauch von Fetischismus. Eine Mischung von Referenzen, die sich wie ein Trommelschlag wiederholen, eine Obsession, die nicht aussterben kann, aber immer in einer neuen Form, die Raum für Staunen lässt. Heute existiert die Marke nicht mehr, nach eigener Wahl der Gründer, aber in der Anonymität der kargen Landschaften, in der Automatisierung von leisem Luxus und Instagram-Feeds ist Mode nostalgischer denn je — nicht so sehr für eine klar definierte historische Ära, sondern für diese eigenartige Arbeitsweise, bei der ein Kleidungsstück uns in ein Universum entführt, zum Sprecher eines Ästhetik- und Wertesystems wird und die Banalität der Realität transzendiert. Die ästhetischen Codes bewegten sich in einem Gleichgewicht zwischen männlich und feminin, heilig und profan, Konstruktion und Dekonstruktion — den Hinterlassenschaften der belgischen Schule: eine unvergleichliche und unwiederholbare Mischung, nach der man sich jetzt inmitten der Ruinen eines Sektors sehnt, der stattdessen gefährlich in Richtung Anonymität tendiert. Wir sprachen über Besessenheit und Leistung, darüber, was von Kreativität übrig bleibt und wie man sie schützen kann, über das Aufkommen der sozialen Medien und die sich verändernde Branche sowie über ihre Rolle als Beraterin bei Polimoda, mit An Vandevorst in einem Gespräch, das mehr als eine Stunde dauerte.

Die erste Frage bezieht sich auf die wiederkehrenden Elemente in Ihren Kreationen. Ich habe ein altes Interview gelesen, in dem Sie gesagt haben, dass Sie Krankenhausmöbel sammeln. Das ist ein Detail, das meine Aufmerksamkeit wirklich erregt hat: Es scheint, dass es nicht nur Inspiration ist, sondern Besessenheit.

Es ist wirklich merkwürdig, dass du mich das fragst, weil ich das Wort Besessenheit in letzter Zeit oft verwende, besonders gegenüber Studenten oder Leuten, die mich um Rat fragen, weil ich fest davon überzeugt bin, dass Besessenheit einem wirklich den Antrieb gibt, die ein Bedürfnis bestimmt. Zumindest funktioniert das bei mir so: Obsessionen kontrollieren mein Leben und verwischen die Grenze zwischen Leben, Arbeit und Leidenschaft. Es gibt keinen Unterschied. Und ich denke, jeder, der diesen Beruf ausüben möchte, muss sich der Frage stellen: „Will ich das wirklich tun? Könnte ich ohne diesen Drang, diesen Wunsch, etwas zu erschaffen, leben?“ Wenn du besessen bist, hast du keine Wahl.

Und was ist mit den Krankenhausmöbeln?

Früher hatten wir ein Lagerhaus, ein großes Studio in Antwerpen, in dem wir alle Möbel aufbewahrten, die wir für Ausstellungsräume oder Präsentationen verwendeten. Jetzt behalten wir sie zu Hause, zusammen mit anderen Möbeln, die wir für den nächsten besonderen Anlass aufbewahrt haben.

Apropos besondere Anlässe, Ihre Shows waren schon immer echte Aufführungen und nicht nur eine einfache Reihe von Körpern, die auf dem Laufsteg liefen. Ich denke an SS00, wo junge Frauen in durchsichtigen Stoffen sich gleichzeitig auf verschiedenen Flugbahnen bewegten, bevor sie in das Wasser des Oberkampf-Bades in Paris eintauchten. Oder SS07, wo Mädchen jansenistische Nonnen nachahmten und ihren Mund mit weißen Wattepads bedeckten, um zu vermeiden, versehentlich Insekten oder andere Lebewesen durch bloßes Atmen zu töten. Und dann SS16, bei der Modelle auf Motorrädern von der Hintersteigtür abgeholt wurden und das Gebäude umkreisten, bevor sie im Innenhof der medizinischen Fakultät von Paris Descartes abgesetzt wurden. Performance, das Erschaffen einer Erzählung und eines Erlebnisses, das dem Betrachter in lebendiger Erinnerung bleibt, war im Laufe der Jahre ein charakteristisches Element Ihrer Arbeit. Aber wie passt Leistung in unsere Vorstellung von einem Kleidungsstück?

Mode ist eine Sprache; es ist die Geschichte, die wir erzählen wollen, und unsere Sprache und Geschichte waren von Anfang an stark. Visualität ist entscheidend. Ein Kleidungsstück muss bestimmte Kriterien erfüllen, um tragbar zu sein, andernfalls handelt es sich nicht wirklich um Kleidung. Die eigentliche Herausforderung besteht darin, es in einen attraktiven Rahmen zu stellen und eine neue Sichtweise auf das Kleidungsstück zu finden. Schließlich bleibt eine Hose eine Hose, aber die Art und Weise, wie Sie sie präsentieren, verändert ihre Wahrnehmung völlig.

Und welche Rolle spielt Musik in diesem Prozess?

Es ist ein Schlüsselelement der Erzählung, eine weitere meiner Obsessionen.

1998, für deine erste Show, hast du jedem Model eine Kassette mit drei Songs gegeben: David Bowies Wild is the Wind, Sonic Youths Superstar und Charlenes I've Never Been to Me. In jeder Ihrer Sammlungen wurde Musik mit chirurgischer Präzision ausgewählt, um die Erzählung zu vervollständigen, in der die Musik selbst eine entscheidende Rolle spielt. Wenn du heute drei Tracks für das Band auswählen müsstest, um sie den Models zum Summen zu geben, während sie auf dem Laufsteg laufen, welche wären das?

Das hängt von der Geschichte ab. Drei Songs ohne Geschichte auszuwählen ist wirklich schwierig, aber es wäre wahrscheinlich elektronische Musik. Manchmal finde ich einen Track zum Beispiel zu maskulin oder zu kalt, fast militärisch, und dann versuche ich, ihn verführerischer oder femininer klingen zu lassen. Ich mag es, diese Spannung mit Musik zu erzeugen, und das ist eigentlich ein sehr ähnlicher Ansatz wie die Methode, die ich für eine Kollektion oder ein bestimmtes Kleidungsstück verwende. Manchmal geht es darum, mit Kontrasten zu spielen. Ich sammle unermüdlich Tracks, archiviere sie in einer bestimmten Software und arrangiere sie dann. Ich mache das sehr naiv, sehr einfach, aber es funktioniert für mich.

In Bezug auf Ihre Ausbildung haben Sie die Antwerp Six immer als Referenz für nachfolgende Generationen von Designern erwähnt. Was hat den Aufstieg der belgischen Mode wirklich bestimmt?

Ich glaube, das Geheimnis liegt in der Tatsache, dass wir nie eine große finanzielle Unterstützung hatten. Wir haben immer nach kreativen Lösungen gesucht, bei Ausstellungen, beim Verkauf, bei der Kollektionserstellung, beim Erreichen des Publikums, wobei wir unserer Vision treu geblieben sind, ohne Trends zu verfolgen oder zu analysieren. Dies war zum Beispiel einer der Gründe, warum wir aufgehört haben, weil alles zu stark auf Marktanalysen beruhte. Die Kunden kamen mit ihren PCs in die Ausstellungsräume, Filip und ich sahen uns an und fragten uns: „Was passiert?“ Früher kamen Käufer rein, entweder liebten oder hassten sie die Kollektion, und dann kauften sie sie entweder oder nicht. Früher folgten sie ihrem Instinkt. Dann wurde aus Instinkt Marketing, Merchandising, all diese Worte... und wir dachten, die neuen Generationen könnten das besser. Wir haben auch festgestellt, dass die Tools zum Geschichtenerzählen in Serien zwar erhalten blieben, aber nicht die Umgebungen zum Geschichtenerzählen. Und von diesem Moment an beschlossen wir, dass es Zeit war aufzuhören, dass wir es sehr genossen hatten, aber es war Zeit, etwas anderes zu tun.

Und wie haben die sozialen Medien Ihrer Meinung nach zu diesem „Verlust der Unschuld“ beigetragen?

Damals, als wir anfingen, gaben wir viel Geld für einen Presseagenten und die Organisation von Modenschauen in Paris aus, um unsere Arbeit der Welt zu präsentieren. Der große Vorteil von Social Media ist, dass Sie sofort sichtbar sind. Sie können ein großartiges Tool sein, und Sie können sie kontrollieren: Sie können ganz einfach verwalten, was Sie posten und in welchem Tempo. Ein weiterer Aspekt, der sich im Laufe der Jahre geändert hat, ist die Beziehung zwischen der Marke und dem Endverbraucher, ein blindes Vertrauen, das definitiv verloren gegangen ist. Der Kunde sah die wenigen Stücke, die Käufer für ihn ausgewählt hatten, in Geschäften, ohne zu merken, dass hinter diesen Kleidungsstücken eine 20-mal größere Kollektion steckte. Der Endverbraucher hatte nie die Gelegenheit, die gesamte Kollektion zu sehen. Jetzt hat jeder über soziale Medien Zugriff auf Modenschauen — buchstäblich jeder — und es ist so einfach, wie bei Google nach einem Stück zu suchen, darauf zu klicken und zu sagen: „Ich will es haben.“ Aber es kommt vor, dass das Geschäft dieses bestimmte Stück nicht gekauft hat, entweder weil es nicht möglich war oder weil es kein Budget gab, um die gesamte Kollektion zu kaufen. Die Geschäfte sind also gestresst, weil sie nicht mehr wissen, was sie kaufen sollen. Dann ist da noch das Thema Designer, ein weiteres großes Problem für die gesamte Branche. Ältere Designer haben manchmal Schwierigkeiten, einen Platz zu finden, weil Marken junge Designer oder Prominente mit der Gestaltung der Kollektionen beauftragen. Aber jede Marke braucht eine kohärente Anstrengung, um die Geschichte einer Show in konsistente Kleidungsstücke umzusetzen. Heute haben wir die Vorstellung, dass Mode nur Unterhaltung ist, aber das ist sie nicht; bei Mode geht es um Kleidung.

Welchen Rat geben Sie Ihren Studierenden?

Am Ende des Schuljahres schlage ich neue Ideen oder Anpassungen für das kommende Jahr vor (basierend auf meinen Beobachtungen des zu Ende gegangenen Jahres und den Rückmeldungen, die wir von den Lehrern erhalten haben.), um die Kurse stark und kohärent zu gestalten und sie auf dem neuesten Stand zu halten. Zusammen mit Massimiliano (Giornetti) und dem Koordinator erstellen wir die neuen Programme. Wenn das neue Schuljahr beginnt, erkläre ich dem gesamten Lehrerteam die Vision der Kurse und welche Änderungen vorgenommen werden. Ab November komme ich dann rein, wenn die Programme bereits laufen, um mein Feedback zu geben und einen Überblick zu haben. Es ist schön, in einer kreativen Umgebung wie Polimoda zu arbeiten und kreativ zu sein, denn es ist, als würde man sich in einer Art Blase bewegen. Während meiner Zeit an der Akademie ging es mir genauso. Es war mein sicherer Ort. Sie haben alle Zeit und den Raum, um sich selbst zu entdecken, und Sie können so viel von anderen Schülern und Lehrern lernen. Es ist ein ständiger Austausch.

Welchen Rat geben Sie Ihren Studierenden?

Ich rate den Schülern, nicht zu kopieren und einzufügen, um ihre eigene Stimme zu finden. Wie ich schon sagte, Mode ist eine Sprache, und man muss lernen, sie zu sprechen, sich auszudrücken, zu verstehen, wie man zu einer Form kommt, wie Form und Körper miteinander interagieren. Du musst absorbieren, absorbieren, absorbieren. Und vor allem müssen Sie lernen, Chancen zu erkennen, insbesondere solche, die Ihren Weg bereits kreuzen.