In El ser querido gibt es eine Szene, die erklärt, wie sich die Welt verändert Der Film wird von Rodrigo Sorogoyen inszeniert und die Stars Javier Bardem und Victoria Luengo spielen.

In El ser querido von Rodrigo Sorogoyen, das in Italien unter dem Titel L'essere amato veröffentlicht wird, gibt es eine Szene, die einfängt, wie die heutige Welt aussieht. Der Mikrokosmos einer Filmkulisse wird zu einem Fenster, durch das wir den gegenwärtigen Moment beobachten können, in dem wir leben, und bietet ein analytisches und überlegtes Porträt der heutigen Spaltung der Gesellschaft. Eine grundlegende Kluft, die in dieser Sequenz wie im gesamten Film durch die Charaktere von Javier Bardem und Victoria Luengo verkörpert wird — ein Vater und eine Tochter mit einer zerbrochenen Beziehung, deren Kontakt sich intensiviert, als der Mann, ein berühmter Regisseur und Oscar-Preisträger, beschließt, die junge Frau als Gesicht seines neuen Films zu casten.

Der Konflikt, der im Mittelpunkt von El ser querido steht, stützt sich auf das Privatleben des Autors, seiner Schauspielertochter und ihrer jeweiligen Rollen nicht nur am Arbeitsplatz, sondern auch in der Gesellschaft, in der wir täglich leben. Auf der einen Seite steht die Arroganz eines Regisseurs, der glaubt, er könne sich verhalten, wie es ihm gefällt, als derjenige, der die Zügel des Projekts in der Hand hält, an dem er gerade arbeitet — denn so wurde es schließlich schon immer gemacht. Für die Tochter-Schauspielerin ist diese Haltung fast gleichbedeutend mit Tyrannei, wie sie der Mann offenbar ausüben will: An seinem eigenen Set senkt er nie seine Stimme und weigert sich, jeden Widerspruch einzugehen. Ihr Charakter wehrt sich und bringt genau die Meinungsverschiedenheiten an die Oberfläche, die sie auch im Leben trennen — Meinungsverschiedenheiten, die durch den Stress und die Anforderungen ihres gemeinsamen Berufs noch verstärkt werden.

Bardem wird in den Mittelpunkt der Sequenz gestellt — eine Mittagsszene, in der der Regisseur einen gewissen Realismus fordert, den die Art des Essens der Darsteller nicht bietet. Sie befolgen seine Anweisungen nicht; er wird mit jeder Aufnahme irritierter, bis er am Ende seine Schauspieler anschreit und beleidigt. Aber anders als die Dinge früher vielleicht gelaufen sind, begibt sich Luengos Charakter auf einen echten Akt des Trotzes gegen die Autorität — einen Schritt nach draußen, in ein Kollektiv, das sich verändert und verändert hat, in dem Schweigen nichts dazu beiträgt, das Unkraut zu entwurzeln, das zu lange ungestört sowohl im privaten als auch im öffentlichen Leben gewachsen ist.

Deshalb operiert die Szene innerhalb des Films auf einer doppelten Ebene: Es gibt eine Reflexion über die Gegenwart — niemals didaktisch, aber eloquent wiedergegeben durch Dialoge, Blicke und die Rahmung, die Sorogoyen ihr verleiht — und daneben das Porträt einer zerrissenen Familie, deren allmähliche Annäherung möglich ist, wenn auch nur zögerlich, aber letztlich nicht in der Lage ist, die Risse zu überwinden, die immer bestehen werden. Diese Risse werden das Leben eines abwesenden Vaters und einer Tochter, die sich verlassen fühlte, weiterhin prägen. Kunst mag sie näher zusammenbringen, aber sie kann die tiefen Unterschiede und getrennten Geschichten, die Regisseur Esteban und die Schauspielerin Emilia zu zwei unterschiedlichen und nicht ganz kompatiblen Menschen gemacht haben, nicht vollständig schließen.

Es ist eine Haltung, für die sich Javier Bardems Charakter verantworten muss und die nicht nur von seiner Tochter, sondern auch von der Crew des Films toleriert wird, die — obwohl sie das anerkannte Genie des Autors anerkennen — Partei ergreifen und deutlich machen, dass sie eine alte und übertriebene Arbeitsweise ablehnen. Hier ist ein Mann, der das Gefühl zu haben scheint, die Welt schulde ihm alles, in einem Moment, in dem sich die Haut der Gesellschaft verändert hat und verstanden wurde, dass es durchaus akzeptabel ist, die Autoritätspersonen abzubauen, die sich im Laufe der Jahre verschanzt haben, ob sie nun Künstler oder Väter sind — manchmal beides. Es ist eine Abrechnung mit Männlichkeit, bei der die Transformation der Welt ihr direkt ins Gesicht gedrängt wird, und Rodrigo Sorogoyen braucht nur eine einzige Sequenz, um sie zu zeigen.