Die ganze Welt in der Wohnung von „The Echo Chamber“ Andrea Pallaoros neuester Film ist eine Liebesgeschichte, die mit Raum und Zeit spielt.

In The Echo Chamber, dem neuen Film von Andrea Pallaoro im Wettbewerb der Internationalen Filmfestspiele von Venedig und ab dem 10. September mit 01 Distribution in den Kinos, sind Raum und Zeit ein und dasselbe. Und wenn ersteres definierter erscheint, da es auf eine präzise Dimension beschränkt ist, die aus Wänden, Möbeln und verschiedenen Objekten besteht, gefüllt mit Musikinstrumenten und Gemälden, wechselt letzteres schnell zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Es gibt keine Titelkarten oder Wegweiser: Die Echokammer bewegt sich auf flüssige und dynamische Weise, in einem Zustand ständigen Werdens. Es erzählt im Wesentlichen die Liebesgeschichte eines Mannes und einer Frau, die sich treffen, sich zueinander hingezogen fühlen und am Ende nicht mehr ohne einander leben können.

The Echo Chamber ist das letzte Drehbuch von Bernardo Bertolucci, das zusammen mit Ludovica Rampoldi und Ilaria Bernardini geschrieben wurde, und das zeigt sich mehr als deutlich in seiner Herangehensweise und Vision. Vor allem, wenn wir darüber nachdenken, was aus seinem Kino in den letzten Jahren geworden ist. Häuslicher, intimer, nicht auf der Suche nach großen Räumen oder prunkvollen visuellen Spektakeln, sondern zurückhaltend, bewusst kleiner im Maßstab. Denken Sie an The Dreamers oder auch an Me and You, adaptiert nach dem gleichnamigen Roman von Niccolò Ammaniti (in Italien von Einaudi veröffentlicht).

Die beiden Hauptdarsteller werden von Luca Marinelli und Alicia Vikander gespielt: Er ist Leo, ein Musikproduzent; sie ist Anne, eine Physiotherapeutin. Sie treffen sich, weil Leo unter Rückenschmerzen leidet und jemanden braucht, der ihm hilft, die Schmerzen zu überstehen — oder besser gesagt, auszuhalten.

Von dieser allerersten Begegnung an entfaltet sich eine intensive und leidenschaftliche Geschichte, die auf Blicken, Schweigen und gegenseitigem Verständnis basiert. Während Leo am Album einer berühmten Sängerin arbeitet, gespielt von Susan Sarandon, lernt Anne, ihn kennenzulernen, seinen Raum zu respektieren und die riesigen Räume seiner Wohnung zu bewohnen. Die Echokammer ändert nie ihren Schauplatz; höchstens verweilt die Kamera draußen auf der Straße, wo Leo sein Auto parkt. Die eigentliche Welt der Geschichte deckt sich mit der Welt des Protagonisten, mit seinem täglichen Leben, mit dem Studio, das er für sich selbst in einem Raum gebaut hat, mit der Routine des Badezimmers, der Dusche und der Physiotherapie. Gesten werden zur Interpunktion einer weitaus breiteren Partitur, die Bertolucci, Bernardini und Rampoldi sorgfältig ausgearbeitet haben.

Optisch achtet Pallaoro genau auf jedes einzelne Bild, hebt Formen und Figuren hervor, konzentriert sich auf Gesichter, auf gespaltene Lippen, auf Ausdrücke voller Begierde und Angst. The Echo Chamber ist jedoch auch eine Geschichte über Besessenheit und Abhängigkeit. Und es geht intelligent mit diesen Themen um: schrittweise, ohne darauf zu bestehen, ohne in Klischees zu verfallen.

Auch hier kommt es auf die Gesten an. Die Arbeit der Schauspieler, vor allem Marinelli und Vikander, ist extrem präzise: Man glaubt ihm, wenn er die Zähne zusammenbeißt, wenn er lächelt, wenn er ein paar italienische Wörter in sein Englisch schiebt; und man glaubt ihr — dieses volle, helle Lachen, die Melancholie, die ihre Stimme erfüllt, die Sorge, die ihre Augen kreuzt. Sie leben in der Abwesenheit des anderen, wie zwei sich ergänzende Silhouetten, Teile desselben Puzzles.

Sarandons Charakter ist eine Art Führer: jemand, der alles gesehen und getan hat, die ihr Leben der Kunst und der Musik gewidmet hat, die sich dann zurückgezogen hat und die gerade aufgrund ihrer Erfahrung in der Lage ist, jeden Moment röntgenklar zu durchschauen. Drei Viertel ihrer Laufzeit — und noch mehr — ist The Echo Chamber genau das. Es verwebt Momente aus der Vergangenheit mit denen der Gegenwart und reicht bis in die nahe Zukunft, bevor es sich sofort wieder zurückzieht. Mehrere Zeitrahmen greifen ineinander und überschneiden sich, und dieser Rhythmus, der mehr von der Bearbeitung und dem Schreiben als von der Regie bestimmt wird, funktioniert.

Gegen Ende nimmt Pallaoros Film jedoch eine andere Wendung: Er isoliert die Gegenwart und erzählt sie linear, wobei er zum Teil ihre treibende Energie verliert. Plötzlich verengt sich eine Geschichte, die sich über mehrere Perioden gleichzeitig verzweigt hatte, und wird transparent — und damit flach. Das ist schade, wenn man bedenkt, was oben gesagt wurde: die Rolle, die der Raum spielt, die Anforderungen des Drehbuchs und die Leistungen der Schauspieler. Die Echokammer hätte ein filmisches Experiment sein können: eines, bei dem Form und Inhalt zusammenfallen und sich gegenseitig unterstützen, in dem Raum und die Körperlichkeit der Akteure sorgfältig studiert werden und in dem — bis kurz vor Schluss — die Möglichkeit besteht, über Zeit und ihre erzählerische Funktion nachzudenken.