Als Comme des Garçons eine Möbellinie entwarf Von Rei Kawakubo in den 1980er Jahren für ihre Boutiquen kreiert

Dass Rei Kawakubo eine der einflussreichsten Designerinnen der Mode der letzten vierzig Jahre war und ist, steht nicht einmal zur Diskussion – es ist schlicht eine Feststellung. Mit ihrem ikonischen Label Comme des Garçons hat die japanische Designerin die Mode seit den 1980er-Jahren unauslöschlich geprägt und ist zu einem Referenzpunkt des Fashionsystems geworden – trotz ihrer inzwischen vierzigjährigen Tätigkeit und ihrer fast achtzig Lebensjahre. Doch während ihre bekanntesten Shows und Kollektionen bereits Gegenstand zahlreicher Abhandlungen sind – wie etwa Andrew Boltons Band Rei Kawakubo/Comme des Garçons: Art of the In-Between, der aus der großen Retrospektive entstanden ist, die ihr das Metropolitan Museum of Art 2017 widmete –, gibt es einen anderen Aspekt ihrer Arbeit, über den viel zu wenig gesprochen wird: ihre Möbelkollektion.

Die von Rei Kawakubo entworfene Möbellinie hatte nur eine kurze Lebensdauer von zehn Jahren, zwischen 1983 und 1993, ohne nennenswerten Vertrieb und mit nur einem einzigen stationären Geschäft weltweit, in Paris. Zudem entstand die Linie nicht als eigenständige Einheit, sondern als Ergänzung zu dem Erlebnis, das der Kunde beim Betreten der Boutique haben sollte. Da Rei Kawakubo ihre Geschäfte als Verlängerung ihrer Laufstege betrachtete, war es für sie unerlässlich, dass der Ort des Kaufens ein Ort der Erfahrung war, der ihre Vision bestätigte und verstärkte. Das Projekt, das bei den Stores selbst seinen Ausgang nahm, entwickelte sich zu einer sehr begrenzten Reihe von Kreationen: Stühle, Tische und Raumteiler für den Wohnbereich. Alle Stücke waren aus schlichten, nicht gesuchten oder besonderen Materialien gefertigt – vor allem Metall und Holz –, und Rei Kawakubo selbst betrachtete sie beinahe als Skulpturen. Trotz der scheinbaren Schlichtheit der Materialien weisen die Objekte in ihrer Verarbeitung durchaus eigentümliche Besonderheiten auf, oder zumindest einen persönlichen Ansatz in den stilistischen Entscheidungen: Das Holz ist geschliffen und unlackiert, das verwendete Metall wird gestrahlt und anschließend verzinkt, während Aluminium auf Holz montiert wird.

Alle Stücke haben eine Ästhetik, die zum Brutalismus und Minimalismus tendiert, und spielen mit einigen Schlüsselbegriffen der Ästhetik der japanischen Designerin: Asymmetrie, Dekonstruktivismus und das Unfertige. Begriffe, die im Interiorprojekt dazu verwendet werden, an der Grenze zwischen Möbel und Skulptur zu arbeiten, weshalb sie auch Aspekten gegenüber gleichgültig sind, die wir bei Einrichtungsgegenständen für selbstverständlich halten – wie Bequemlichkeit oder gar die strukturelle Stabilität der Möbel selbst. Berichten von Forschern, die sich mit diesen Arbeiten befasst haben, zufolge hätte beispielsweise ein zu schwerer Mensch, der einen der Stühle benutzt hätte, diesen zum Brechen gebracht. Ursprünglich waren diese Stücke nämlich nicht für den Einsatz im Wohnbereich konzipiert, sondern als Ladeneinrichtung – weshalb sie auch als transitorische Objekte bezeichnet wurden. Und selbst als sie kommerziell vertrieben wurden, handelte es sich um eine kleine Produktion, die sich über kaum ein Jahrzehnt erstreckte, sodass viele Fans von Comme des Garçons bis heute nichts davon wissen.

Wie aus dieser Beschreibung leicht zu schließen ist, handelte es sich um ein durch und durch experimentelles Projekt, das auch aus kommerzieller Sicht nicht abhob. Daraus erklärt sich vermutlich die Entscheidung, die Möbelproduktion einzustellen, die für lange Zeit in Vergessenheit geriet. Wiederentdeckt wurde sie von Didier Courbot, einem Comme-des-Garçons-Kenner und Inhaber der Galerie a1043 in Paris, der 2017 beschloss, dieser Kollektion eine Ausstellung zu widmen. Seine Arbeit war grundlegend dafür, diese Werke wieder ans Licht zu bringen – sowohl im Hinblick auf die Wiederauffindung der Originalstücke, von denen sich in der Galerie etwa vierzig befanden, als auch in Bezug auf den sachlichen und konzeptuellen Aspekt. Gerade dank jener Ausstellung war es möglich, einer Geschichte die ihr gebührende Aufmerksamkeit zu schenken, die andernfalls in Vergessenheit geraten wäre. Didier Courbots Unternehmung ebnete den Weg für eine Wiederentdeckung von Kawakubos Arbeiten, über die es heute – wenn auch spärlich – immerhin eine gewisse Literatur gibt.

Wie wir bereits über Rick Owens' Interieur-Linie geschrieben haben, ist das Möbelprojekt sicher nicht das, wofür Rei Kawakubo in die Geschichtsbücher eingehen wird – doch es bietet eine weitere Perspektive, durch die man ihr Werk lesen kann. Zu betrachten, wie sie dieses Projekt angegangen ist, vermittelt ein Bild des vielschichtigen und mehrdimensionalen Talents der japanischen Designerin und davon, wie es ihr gelungen ist, eine persönliche und originelle Ästhetik jenseits des Mediums zu bewahren – unabhängig davon, ob es sich um Möbel oder Skulpturen handelt, um Stühle oder Nicht-Stühle.