Die therapeutische Kraft des Lichts im Design, Interview mit Theo Pinto Anlässlich der Einzelausstellung „The Weight of Light“ in der Cadogan Gallery in London

Wir sind es gewohnt, alles schnell zu beobachten. Ausstellungen, Innenräume, Objekte, Häuser, Städte: Alles muss in wenigen Sekunden funktionieren, bevor der Blick auf etwas anderes übergeht. In einer Zeit, in der alles unmittelbar geschehen muss, ist Licht wieder eines der interessantesten Werkzeuge, um über Raum, Wahrnehmung und Design zu sprechen.

Es geht nicht nur darum, einen Raum gut zu beleuchten oder einen szenografischen Effekt für soziale Netzwerke zu erzeugen. Licht verändert Oberflächen, verändert die Art und Weise, wie wir eine Umgebung wahrnehmen, macht eine Farbe weniger stabil und verändert die Beziehung zwischen dem Körper und dem, was ihn umgibt. In Kunst, Design, Architektur und Einzelhandelsräumen bedeutet Entwerfen zunehmend, eine Atmosphäre zu schaffen und nicht nur Objekte und Materialien zu organisieren.

In diese Transformation passt The Weight of Light, Theo Pintos neue Einzelausstellung in der Cadogan Gallery in London, dazu. Der in Brooklyn lebende brasilianische Künstler Pinto studierte Architektur, bevor er sich der Malerei widmete. Diese Ausbildung beeinflusst bis heute tiefgreifend die Art und Weise, wie er über Maßstab, Oberfläche, Materie und physische Präsenz von Werken denkt.

Seine Bilder entstehen durch Schichtung, Schleifen und kontinuierliche Farbanpassungen. Undurchsichtige Oberflächen absorbieren Licht, anstatt es zu reflektieren, wodurch sich das Werk je nach Entfernung, Position des Betrachters und der vor ihm verbrachten Zeit verändert. Sie stellen keine präzisen Landschaften dar, auch wenn sie an Himmel, Horizonte oder atmosphärische Momente erinnern.

Pinto erklärt, dass sein Prozess fast nie von einem definierten Bild ausgeht. „Normalerweise gehe ich eher von einem Gefühl als von einem Bild aus“, sagt sie. Es mag die Erinnerung an einen Himmel, an einen Moment in der Abenddämmerung oder an eine bestimmte Lichtqualität geben, aber er versucht nicht, sie originalgetreu wiederzugeben: Was ihn interessiert, passiert später, während seiner Arbeit im Studio.

Ein Gemälde kann monatelang in einem unsicheren Zustand bleiben, ohne dass ein vollständig definierter Bestimmungsort vorliegt. Pinto sagt, dass dies oft gerade die interessantesten Momente sind, in denen er immer noch nicht weiß, wohin ihn die Arbeit führt. Deshalb arbeitet er auch oft an Sonnenaufgang und Sonnenuntergang, Momenten des Übergangs, in denen sich das Licht schnell ändert und nichts völlig stabil erscheint. „Die Welt ist ständig dabei, etwas anderes zu werden“, sagt er. Jedes Bild wird dann zu einem Versuch, noch ein wenig länger in diesem Zustand zu bleiben, bevor es transformiert wird.

Das Licht erreicht in seinen Arbeiten nicht das Ende: Es ist Teil der Struktur der Arbeit. Es geht darum, wie Farbe entsteht, wie die Oberfläche die Umgebung aufnimmt und wie sich das Bild dem Betrachter präsentiert. Deshalb bieten seine Bilder auf den ersten Blick nicht alles. Sie brauchen Abstand und Aufmerksamkeit.

Kunst, Design und Architektur scheinen sich heute immer weniger für das feste Bild zu interessieren und mehr und mehr für die Konstruktion von Wahrnehmungserlebnissen. In Innenräumen, Hotels, Museen, Ausstellungsräumen und Geschäften ist Licht am Ende des Projekts kein zusätzliches Element mehr, sondern das, was den Charakter des Raums schon vor der Einrichtung bestimmt.

Aber eine Wand kann sich völlig verändern, je nachdem, wie sie beleuchtet wird. Das gleiche Material kann sich je nach Tageszeit warm, kalt, leicht oder schwer anfühlen. Ein Schatten kann einen Raum neu zeichnen, während eine Reflexion ein Detail sichtbarer machen und ein anderes verbergen kann. Der Künstler sagt, die Architektur habe ihn gelehrt, in erster Linie an Erfahrung und nicht an Objekte zu denken: zu beobachten, wie Menschen einen Ort durchqueren und wie Proportionen, Materialien und Licht die Wahrnehmung von Raum beeinflussen.

Noch heute betrachtet Pinto jedes Gemälde als etwas, das gebaut und nicht nur komponiert werden muss. Tatsächlich befasst sich ein Großteil seiner Studioarbeit mit den Trägern, Oberflächen, Paneelen und Systemen, durch die Materialien geschichtet werden. Wie er selbst erklärt, sind seine Bilder „so konstruiert wie sie gemalt sind“.

Sogar die Wahl des Großformats ist auf diese Beziehung zur Architektur zurückzuführen. Pinto möchte, dass das Werk als eine Präsenz wahrgenommen wird, die in der Lage ist, eine Beziehung zum Körper und zum umgebenden Raum einzugehen und die Umgebung, in der es sich befindet, zu verändern. Daher eine größere Frage: Was passiert, wenn Design beginnt, Bedingungen zu entwerfen? Die Antwort liegt unweigerlich im Licht, einem der wirksamsten Materialien, um scheinbar Fixiertes variabel zu machen.

In vielen modernen Räumen wird Licht als einfache Ästhetik betrachtet: sanfte Umgebungen, warme Töne, kontrollierte Schatten und Oberflächen, die zum Fotografieren entworfen wurden. In diesen Fällen ändert sich das Bild des Raums, aber nicht unbedingt die Erfahrung derer, die ihn überqueren. Wenn Licht jedoch wie ein Material behandelt wird, verändert es wirklich die Beziehung zwischen Körper und Umgebung. Es dient nicht nur dazu, etwas sichtbar zu machen, sondern es schlägt einen Rhythmus vor und bestimmt, wie viel Zeit wir bereit sind, dem zu widmen, was vor uns liegt.

Dieses Thema wird in einer vom Scrollen dominierten Kultur noch relevanter. Pinto betrachtet seine Bilder nicht als eine Form der direkten Opposition in dieser Geschwindigkeit. Er nennt sie lieber eine Einladung. „Wir verbringen so viel Zeit damit, von einem Bild zum anderen zu scrollen, dass wir fast vergessen haben, was es bedeutet, sich wirklich mit etwas zu beschäftigen“, sagt sie.

Selbst Schönheit wird in Pintos Werk nicht als etwas Oberflächliches oder Dekoratives verstanden: Der Künstler spricht offen von seiner möglichen „therapeutischen Kraft“. Keine Schönheit, die als Luxus oder als Flucht vor der Realität genutzt wird, sondern etwas, das ein Gefühl von Verbundenheit, Präsenz und Staunen zurückgeben kann.

Wir leben in einer Kultur, die Effizienz, Produktivität und kontinuierliche Stimulation fördert, während die Erfahrungen, an die wir uns am längsten erinnern, oft diejenigen sind, die nichts als Aufmerksamkeit erfordern. Schönheit, sagt Pinto, verändert die Welt nicht, aber sie kann die Qualität eines Moments verändern. Hier übertrifft The Weight of Light die Geschichte einer einzigen Ausstellung mit Theo Pintos Arbeiten, die es uns ermöglichen, durch den Übergang von der Konstruktion des Bildes zur Konstruktion des Erlebnisses eine breitere Richtung von Kunst, Architektur und Design zu beobachten.