Was denken italienische Modestudenten über das, was ihnen beigebracht wird? Italien vergisst oft, dass Mode auch eine kreative Praxis ist

Wir haben italienische Studierende, die in Modekursen zwischen Mailand und Venedig ausgebildet wurden, gefragt, was sie über die Dauer des Unterrichts in Italien denken: ob sie das Gefühl haben, dass die Schulen sie wirklich darauf vorbereiten, kreativ zu sein, ob der Weg so strukturiert ist, dass er eine persönliche Sprache entwickelt, ob das Bewusstsein für die eigene kulturelle Rolle sofort oder zu spät kommt. Ihre Antworten heben die kritischen Probleme eines Systems hervor, das Schwierigkeiten hat, sich weiterzuentwickeln und mit internationalen Modellen zu konkurrieren. Die italienische Kreativität scheint von der Reflexion zu leben, die in einem beruhigenden ästhetischen Bild verankert ist — zwischen Postkartengeschirr, Renaissance-Referenzen und verblassten Modemythen vergangener Zeiten — in der Überzeugung, dass dies immer noch ausreicht, um uns in der Welt relevant zu machen. Dies ist jedoch nicht mehr der Fall. Heute ist es notwendig, Komplexität zu vermitteln und sich nicht in den visuellen Klischees zu flüchten, die durch Kino, Kommunikation und Branding entstehen. Schließlich wuchs die italienische Mode auch dank Kommunikationsstrategien, die anderswo geboren wurden — man denke nur an die Rolle, die Amerika nach dem Krieg dabei gespielt hat, sie zu fördern — und unsere gastronomische Tradition, die heute ein globales Erbe ist, ist das Ergebnis von Kontaminationen, nicht nur von lokalen Geschichten. Diese Tendenz zur Vereinfachung spiegelt sich auch an Orten wider, an denen Design gelehrt wird, wo oft eine vielschichtige Erzählung fehlt, die offen für neue Traditionen ist.

Das Bildungssystem scheint eher veraltet als maßgebend zu sein. Nicht nur in Bezug auf den Inhalt, sondern auch in Bezug auf die Art und Weise, wie Mode verstanden wird: ein Beruf, dem es nachzugehen gilt, und nicht ein Designraum, den es zu erkunden gilt. Während in Italien das Bildungsministerium Modedesign erst 2004 als Universitätsstudium anerkannte und es in die Reihe der bildenden Kunst, Musik und Unterhaltung einordnete, wurden in Großbritannien Mitte des 20. Jahrhunderts die Studiengänge für Modedesign institutionalisiert, und 1974 wurde das London College of Fashion gegründet. Die Entfernung ist zuerst kulturell, dann chronologisch; es geht nicht um Verzögerungen, sondern um Sichtweisen. In Italien werden selbst unter den besten Bedingungen mehr Mitarbeiter geschult, die bereit sind, ins Ausland zu ziehen, als Designer, die in der Lage sind, ihre eigene Sprache zu kreieren. Das liegt auch daran, wie Mode in unserem Land wahrgenommen wird. Wie der Soziologe Paolo Volonté argumentiert, legitimiert sich Mode in Italien eher durch eine „Kultur der Tragbarkeit“ als durch Kunst oder Forschung. Kleidung soll dienen, nicht ausdrücken. Der Designer wird oft als technische Figur gesehen, die sich „in den Schatten zurückzieht“, um nicht in die Marktlogik einzugreifen. Eine Vision, die erklärt, warum viele junge Kreative nach einer Marke suchen, auf die sie sich zuerst verlassen können, und nicht nach einer Stimme, die sie entwickeln können.

Anhand der anonymen Zeugenaussagen von Studenten und jungen Designern zwischen 22 und 26 Jahren, die in dreijährigen Studiengängen und Masterstudiengängen an öffentlichen und privaten Schulen von Venedig bis Mailand ausgebildet wurden, wollten wir herausfinden, ob während ihrer Reise schon vor der Jobaussicht klar war, dass ihre Rolle kulturelle Auswirkungen haben könnte. O.C. sagte, dass „ich nie ausdrücklich darauf hingewiesen wurde, aber es ist etwas, das ich in meinem letzten Jahr persönlich erkannt habe, in der Hoffnung, dass das, was ich tue, einen kulturellen Einfluss haben wird“. Ihre Antwort zeigt, dass die Schule nicht zur aktiven Reflexion über dieses Thema angeregt hat, das an anderer Stelle von Beginn des Ausbildungsweges an ein integraler Bestandteil ist. Die fragmentierte Struktur der Studiengänge verlangsamt auch die Entwicklung einer kohärenten Vision. In Schulen wie Central Saint Martins arbeitet jeder Schüler vom ersten Tag an an einem Projekt, das in der Sammlung zum Jahresende gipfelt. In Italien sagt L.G., 22, jedoch: „Angesichts der Struktur einiger Workshops fangen wir oft bei Null an. Es gibt keine wirkliche Verbindung zu früheren Projekten. Wir arbeiten selten ununterbrochen und es ist nicht üblich, die erzielten Fortschritte mit Professoren zu besprechen. Es ist der Student, der die Projektkohärenz selbst aufrechterhalten muss.“

Alles komplexer zu machen, ist auch der Unterschied zwischen denen, die Mode studieren, und denen, die sich mit bildender Kunst befassen. P.U., 25, sagt, dass ihre Projekte, „insbesondere im Masterstudiengang, marktfähige, tragbare Objekte produzieren müssen. Objekte, die sich durch Gebrauch in den Alltag integrieren. Ich verstehe, dass Mode Kommerz ist, aber während der Studienphase können diese Einschränkungen einschränkend sein.“ Ihre Analyse unterstreicht, dass der Designansatz in Italien selbst in einem freien Kontext wie der Universität, in dem eine größere experimentelle Freiheit erwartet würde, stark marktorientiert ist. Schließlich fügt C.K., 25, hinzu, „dass ich meine persönliche Praxis selbst entdeckt habe. Die Universität bereitet Sie nicht wirklich darauf vor, Ihre eigene Marke zu entwickeln. Ich wusste, dass ich für die Arbeit trainierte, und genau das ist passiert. Meine Sprache wird kommen, aber in ein paar Jahren.“ Auch in diesem Fall entsteht ein Präparat, das sich mehr auf den Einstieg in ein Unternehmen konzentriert als auf die Entwicklung einer gestalterischen Poesie. Die eigene Stimme, wenn sie kommt, kommt später. Vielleicht ist das Problem auch kulturell: die italienische Vorstellung von langsamer und reflektierender Zeit, die einerseits Tiefe zulässt, uns andererseits später ankommen lässt. Und wenn man diejenigen trifft, die in englischsprachiger Umgebung trainiert haben, spürt man diese Trennung: Sie sind bereits bereit, die Gegenwart aufzubauen. Wir überlegen immer noch, wo wir anfangen sollen.